Jazz und Sonstiges

Das »Tonne«-Logo und die römisch-christliche Rückeroberung der Iberischen Halbinsel

2012-01-26T11:44:00.016+01:00

(Maurisches Ornament – TKLDesign)

Zum Thema der Art und Weise der Einführung des nunmehrigen Logos des Dresdner Jazzclubs Tonne ist mir gestern abend folgende Geschichte erzählt worden:

Die einstige Hauptmoschee in Cordoba – al-Dschāmiʿ al-kabīr / Dschāmiʿ Qurṭuba – aus der Epoche des maurischen Spaniens (erbaut von 784 bis 987) zählte zu den prächtigsten und spirituellsten Gebäuden Europas jener Zeit.

Im Zuge der schrittweisen Rückeroberung der Iberischen Halbinsel durch die römische Christenheit vom 8. bis zum 16. Jahrhundert wurden viele Moscheen zu christlichen Kirchen umgebaut.

Nachdem das faszinierende Gebäude der Dschāmiʿ Qurṭuba bereits 1236 zur christlichen Kirche geweiht wurde, begann im Jahre 1523 der entscheidende Umbau von Cordobas glanzvoller ehemaliger Hauptmoschee zur Kathedrale.

Die Umbauten stießen schnell auf den energischen Widerstand des Stadtrates und der Bevölkerung von Córdoba, konnten aber schließlich doch durchgesetzt werden, da der Habsburger Kaiser Karl V. (Karl I. von Spanien) letztlich den Umbau billigte.

Als Karl V. jedoch das Ergebnis sah, soll er seine Umbau-Genehmigung bereut und gesagt haben: »Ihr habt etwas zerstört, was einmalig war, und habt stattdessen etwas hingesetzt, das man vielfach auch andernorts antreffen kann.«

Leider hat Karl V. nach (kirchen)politischen Überlegungen entschieden, anstatt sich von seinem künstlerisch-fachlichen Urteilsvermögen leiten zu lassen. Die Moschee als Ganzes in ihrer einstigen überwältigenden Pracht war unwiederbringlich verloren.

Mathias Bäumel

Dresdner Jazzclub Tonne will sein umstrittenes Logo trotz vieler Kritiken beibehalten

2012-01-25T12:17:00.007+01:00

Das derzeitige, umstrittene Logo des Dresdner Jazzclubs Tonne bleibt, wie es ist. Auch an eine Überarbeitung des gesamten Corporate Designs des Klubs ist gegenwärtig nicht gedacht. Allenfalls marginale Veränderungen im Rahmen des jetzigen Designs seien möglich. Das geht aus Antworten der Klubleitung auf Anfragen im Vorfeld eines letztlich für den 9. Januar 2012 geplanten Treffens zwischen Logo-Kritikern und »Tonne«-Vorstand hervor.

Dieses Treffen war Mitte April 2011 im Rahmen einer Veröffentlichung der Logo-Kritiken in Aussicht gestellt worden, jedoch ohne konkrete Terminfixierung.

Obwohl knapp ein dreiviertel Jahr später schließlich für den 9. Januar 2012 anberaumt, fand es dann doch nicht statt. Einige der Eingeladenen meldeten sich gar nicht erst an, weil sie wegen der außergewöhnlich langen Wartezeit bis zum Gesprächstermin resignierten und den Eindruck hatten, der Jazzclub spiele ohnehin bloß auf Zeit, andere sagten kurzfristig ab, als die »Tonne«-Leitung knapp zuvor klarstellte, dass es keineswegs um erste Schritte zur Veränderung des gegenwärtigen umstrittenen Logos gehen soll, erst recht nicht um die erhoffte Rückkehr zum Logo von Jürgen Haufe, sondern lediglich darum, »ins Gespräch zu kommen«.

Gesprächsangebote jedoch hatten Kritiker des neuen Logos schon unmittelbar nach dessen Einführung Anfang November 2010 gemacht und sich persönlich oder per E-Mail mit Kritiken, Argumenten (zum Beispiel die hier) und Fragen an die »Tonne« gewandt, liefen damit jedoch »gegen eine Wand«.

Die Einführung dieses Logos Anfang November 2010 hatte damals eine ungewöhnlich große Zahl von kritischen Einschätzungen, in wenigen Fällen sogar wütende Proteste, in einem Fall sogar einen Klubsaustritt nach sich gezogen.

M. B.

Mario Meusel und Christian Schöbel veröffentlichen CD »Wundertüte«

2011-12-01T15:20:00.010+01:00

(Die Hüllengestaltung der neuen CD »Wundertüte« (mlm/edel) von Mario Meusel und Christian Schöbel stammt von Kerstin Hübsch.)

Aus Dresden gibt es eine neue, ungewöhnliche, witzige CD – die »Wundertüte« des sonst als »2Hot« bekannten Duos von Mario Meusel und Christian Schöbel. Diesmal (so gut wie) kein Boogie, sondern flüssig intonierte Querschläger, eigene und übernommene, aus der Popmusikgeschichte mit Spaßfaktor 100 Prozent!
Wer mehr darüber erfahren will, sollte »Musik in Dresden« besuchen.

Die Bezugsmöglichkeiten der CD: In allen CD-Läden (Vertrieb edel), bei jpc (dort auch Hörbeispiele), für Dresdner direkt im Sweetwater Record Store oder bei Meusel selbst.

Reiz des Jazz liegt gerade in den Abweichungen vom »Normalen«

2011-05-05T08:17:00.004+02:00

Bei improvisierter Jazzmusik liegt der Reiz gerade in den Abweichungen vom Normalen. Zumindest aus neurologisch-psychologischer Sicht ist dies so, wie eine Veröffentlichung im Ärzteblatt verdeutlicht. Der Artikel verweist auf Untersuchungen des Musikers und Psychologen Peter Keller vom Max-Planck-Institut für Kognitions- und Neurowissenschaften in Leipzig.
Ausführlichere Erläuterungen mit Audiobeispielen findet man hier auf der Web Site des Instituts.

M. B.

Das veränderte Logo des Dresdner Jazzclubs Tonne erzeugte ein vielfältiges Echo

2011-04-15T14:26:00.008+02:00

Anfang November 2010 gab sich der Jazzclub Neue Tonne ein anderes Logo, das grafische Elemente der früheren Wort-Bildmarke nutzt.
Anlass dieser Änderung war der zehnte Geburtstag des Dresdner Jazzvereins, der sich zugleich in »Jazzclub Tonne« umbenannte.

Schon in den ersten Tagen der Nutzung des veränderten Logos äußerten sich Besucher von »Tonne«-Konzerten und der »Tonne«-Internetseite mündlich oder per E-Mail kritisch zum veränderten Logo, teils mir gegenüber, teils an den »Tonne«-Vorstand gerichtet. Ich selbst veröffentlichte hier auf Jazz+Sonstiges ebenfalls eine kritische Sicht, die wiederum zu einem Echo unter Dresdens Jazzfreunden führte.

Kritik am veränderten Logo

Nachfolgend veröffentliche ich die mir bekannten und mir im Laufe der Zeit zwischen November 2010 und Januar 2011 per E-Mail zugegangenen Kritiken.

Christian Löser (Löser & Partner Werbeagentur GbR):
»Deine fachlich fundamentierten Argumente gegen das neue Logo kann ich als Grafikdesigner nur bestätigen. Abgesehen von der gestalterischen Fehlleistung ist die Verfahrensweise auch moralisch (rechtlich) verwerflich. Das Urheberrecht erlischt erst 70 Jahre nach dem Tod des Urhebers. Insofern könnte der Plagiator zu einer so genannten Unterlassungserklärung aufgefordert werden.«

Jochen Stankowski (Atelier Stankowski – Visuelle Kommunikation):
»Recht haben sie!!!!!!!! Ist ja grausam. ›Verschlimmbessert‹ wird so etwas genannt. ... Aber das Haufezeichen ist sehr gut. «

Frank Ulbrich (Förderer):
»Hier kann ich meine Enttäuschung nicht verbergen. Was war der Grund, das lebendige und originelle Logo von Jürgen Haufe gegen das sterile, schlecht nachempfundene neue Logo auszutauschen? Für mich ein echter Missgriff. Aber vielleicht lässt sich da noch was ändern?«

Frank Zeiler (Förderer):
»Ich möchte nur mein Befremden über das ›neue‹ Logo ausdrücken, eine völlig nutzlose Aktion bzw. nutzloser Aktionismus, grafisch schwach und vielleicht auch urheberrechtlich nicht korrekt, da man ein geschütztes Logo teilweise verwendet hat, allerdings bös ›verschlimmbessert‹.«

Bert Siegel (art2viz – Kulturmanagement – Onlinemarketing):
»Das ist ja wirklich merkwürdig und marketingmäßig völliger Blödsinn. Wieso macht das die Tonne? Zudem kann das neue Logo dem alten grafisch nicht mal ansatzweise das Wasser reichen.«

Matthias Creutziger (Musik- und Theaterfotograf):
»Das neue Logo finde ich in keiner Weise gelungen und ist in dieser Form auch kein funktionierendes ›Logo‹. Das ›O‹ als Trompetenöffnung funktioniert so nicht und die Schrift... Naja, was soll das? Auch fehlt der Bogen darüber, der die Tonne symbolisierte. ... Ich jedenfalls würde mich sehr darüber freuen, wenn das alte Logo von einem der wichtigsten Dresdner Grafiker, dem der Club auch sehr viel zu verdanken hat, wieder die Tonne symbolisieren würde.«

Frank Voigt (Künstler):
»Das neue ›Tonne‹-Logo sieht hilflos und dilettantisch aus. Nichts gegen Kinderzeichnungen, aber für ein professionelles Logo sollte man auch einen professionellen Gestalter finden! Zumal das ›alte‹ Zeichen einfach gut ist!«

Manfred Richter (Typograf, Drucker, Geschäftsführer SchumacherGebler):
»Das alte, bisherige Logo von Jürgen Haufe war weder unzeitgemäß noch grafisch unstimmig noch konnte man es nicht mehr sehen. Zwar kann man das Zehnjahresjubiläum des Vereins als Anlass für Veränderungen sehen, aber warum dann ein neues Logo, wenn es schlechter ist als das alte? Kurt Weidemann formulierte treffend:
›In keinem Land werden Symbole, Hymnen, Hoheitszeichen so leichtfertig in Frage gestellt wie bei den Deutschen. Die Darstellung muss sich nicht zwangsläufig ändern, weil sich Strukturen und Technologien geändert haben. Fortschritt, Modernität, Innovation müssen Produkte und Leistungen unter Beweis stellen, nicht ein mit jedem Zeitgeschmack geändertes Zeichen.‹«

Martin Hörenz (Jazzfreund und »Tonne«-Konzertbesucher):
»Liebe Freunde des Jazz, da blieb mir glatt die Spucke weg! Unglaublich unfassbar ist es, dass ihr das Aushängeschild des Jazzclubs, das Logo der Tonne, so verunstaltet habt. Ist denn in Dresden wirklich alles möglich? Ich glaube, nicht nur ich hatte den vom Dresdner Künstler Jürgen Haufe gestalteten Schriftzug so verinnerlicht, dass mir die Veränderung wie ein Schlag ins Gesicht vorkam. Wie war das möglich und wer hat das zu verantworten? ... Der Grafiker Jürgen Haufe, zuletzt Professor an der Dresdner Kunsthochschule, war bis zu seinem Lebensende eng mit dem Jazz und der Dresdner Jazzszene verbunden. In dem von ihm gestalteten Logo steckt seine Energie, seine Seele, sein Herzblut. Unabhängig von der moralischen Frage steht die juristische: ist diese dilettantische ›Verballhornung‹ einfach so, ohne Einbeziehung der Witwe des Künstlers überhaupt statthaft?«

Petra Müller (Professorin Kommunikationsgestaltung an der HTW Dresden und Inhaberin eines international tätigen eigenen Büros):
»Ich sehe das Erscheinungsbild in der Überarbeitung von Tauundtag sehr verändert, sehr unidentisch, sehr schwach in der Aussage, schlicht zu wenig prägnant für das schon eingeprägte Logo. Selbst wenn das Logo von Jürgen Haufe mit dem redundanten Untertitel Jazzclub versehen war, hat es doch etwas vom Bogen des Kellers, von der Bewegtheit der Musik und die Kraft einer Tonne durch die fetten Buchstaben. Auch der Trompete die Öffnung wegzunehmen, zerstört den Signal- und Zeichencharakter der Trompete. Die Typo passt ebenso nicht zusammen, zudem ist sie zu leicht (Jazzclub) und zu kantig (TONNE).«

Darüber hinaus gibt es noch viele mündliche Kritiken am Logo, die jedoch nicht in Schriftform vorliegen.

Analyse der Kritiken

Analysiert man diese Kritiken, lassen sich die Gründe für die Ablehnung des neuen Logos wie folgt zusammenfassen:

Erstens – Kritik unter dem Marketingaspekt:
Gerade weil die »Tonne« die »Tonne« bleiben, also ihr Wesen als innovative Spielstätte des neuen Jazz kontinuierlich beibehalten will, sehen fast alle Kritiker überhaupt keinen marketingbedingten Grund für die Einführung eines neuen Logos, denn ein neues Logo symbolisiert und kommuniziert ja immer eine signifikante Änderung. Die Einführung eines neuen Logos für ein öffentlich bekanntes Unternehmen, das kontinuierlich so wie bisher weiterarbeiten will, schafft Irritationen und erschwert oder zerstört den Prozess der Marken-(Image-)Bildung.

Zweitens – Kritik an der grafischen Qualität:
Alle Kritiker empfinden die grafische Qualität als schlecht. Manche von ihnen begründen ihre Meinung – und zwar auf den Ebenen der Typografie, der Grafik und der Symbolik.
Argumentiert wird nach dem Motto: Wenn schon diese unnötige und marketingmäßig irreführende Einführung eines neuen Logos, dann sollte das neue Logo doch wenigstens grafisch deutlich besser als das vorherige sein. An dieser Stelle entsteht doppelte Enttäuschung: Es wird Geld ausgegeben und Zeit verwendet für etwas Unnötiges, das dann auch noch qualitativ schlecht realisiert wird.

Drittens – Kritik am Vorgehen des »Tonne«-Vorstandes bei der Einführung des neuen Logos:
Die Kritiker halten es für schlechten Stil oder vielleicht sogar für eine mögliche Verletzung des Urheberrechtes, ohne vorherige Nachfrage bei Anne Haufe (der Witwe des Urhebers des bisherigen Logos, Jürgen Haufe) und ohne deren schriftliche Genehmigung signifikante Elemente aus dem Haufe’schen Logo herauszunehmen (die Trompete ist geistiges Eigentum Jürgen Haufes) und in eine andere grafische Umgebung zu transplantieren. Basis dafür ist die Unterscheidung von Urheberrecht und Nutzungsrecht. Letzteres hat für das bisherige Logo die »Tonne«, das Urheberrecht verblieb aber bei Jürgen Haufe bzw. Anne Haufe.

Interpretation

Die relativ große Zahl der Kritiker sollte vor allem als eindrucksvoller Beleg für die Verbundenheit mit der »Tonne« interpretiert werden; wenn irgendein anderer Dresdner Klub sein Logo änderte, würde das wohl kaum jemanden interessieren. Sie zeugt aber auch von der Verbundenheit mit und der Wertschätzung der Arbeit von Jürgen Haufe, dem ersten Ehrenmitglied des alten »Tonne«-Vereins, in dessen Traditionslinie sich der jetzige Verein durch seine Namensänderung ganz betont stellt.

Eine ganze Zeit lang wurden die Kritiken unveröffentlicht gelassen; sie wurden dann Ende Februar 2011 an den »Tonne«-Vorstand übermittelt, verbunden mit dem Angebot, auf Jazz+Sonstiges eine Reaktion auf die Kritiken zu veröffentlichen.

Auffassung des »Tonne-Vorstandes«

Nun nachfolgend also die Auffassung des »Tonne«-Vorstandes zu den Kritiken am veränderten »Tonne«-Logo:

»Es ist für uns nicht überraschend, dass Veränderungen in der Gestaltung des öffentlichen Auftritts der Tonne, sei es die neue Gestaltung des Programmflyers, der Internet-Seite oder eben des Logos, Diskussionen und damit eben auch Kritik auslöst. Wer sich mit seiner Arbeit der Öffentlichkeit stellt, muss damit rechnen. Und wer seit zehn Jahren nicht selten bis an die Grenze der Belastbarkeit an der Erhaltung und Entwicklung der Tonne-Tradition arbeitet, hat gelernt Risiken einzugehen und prinzipiell auch mit eigener Fehlbarkeit zu leben. Wir haben gelernt, immer dann, wenn es uns erforderlich erschien, auf bestimmte Strategien zu beharren oder uns eben auch zu korrigieren. Wir haben aber auch gelernt, dass sich das Leben eines Jazzclubs aus der Binnenperspektive als erheblich komplexer und darum auch fragiler erweist, als es von Außen erscheint, und dass man gut beraten ist, nicht auf jedes Problem aufgeregt zu reagieren.

Was uns also nicht überrascht, ist Kritik. Was uns jedoch überrascht, ist, mit welcher Selbstverständlichkeit dabei ein über allen Zweifeln erhabener Anspruch auf rechtes Wissen in Sachen Ästhetik, Moral und Recht erhoben wird. Was uns befremdet, ist, mit welcher Kühnheit mitunter auf unsere Motive oder den kollektiven mentalen Zustand des Vorstandes geschlossen wird, und mit welcher Heftigkeit wir von einigen Jazzfreunden angegriffen werden.

Was uns eher wundert, ist, welcher Stellenwert dem Werbeauftritt und den dabei genutzten Medien und Symbolen beigemessen wird, der ja nicht der eigentlicher Inhalt des Tonne-Geschehens ist, sondern auf diesen hinweisen soll. Und dieser Inhalt ist von anerkannt hoher Qualität. Dereinst hoffnungslos herunter gewirtschaftet, spielt die Tonne heute wieder in der nationalen Liga der Jazzclubs. Unsere Anstrengungen sind von daher primär darauf gerichtet, auch weiterhin zu den renommiertesten Clubs Deutschlands zu gehören.

Damit aber soll die Kritik an der Gestaltung des Logos nicht klein geredet werden. Wir werden uns ernsthaft mit jeder sachlichen Kritik auseinandersetzen. Die Würde der Beteiligten verletzende Beschimpfungen sind dabei jedoch alles andere als hilfreich, weil sie in der Regel dazu führen, einen Kommunikationsprozess abzubrechen bzw. gar nicht erst in Gang kommen zu lassen. Sachlich ist eine Kritik, die Argumente vorträgt, die überprüft bzw. diskutiert werden können. In diesem Sinne werden wir nach einer geeigneten Kommunikationsform suchen und gern jene, die in diesem Sinne das Tonne-Leben mitgestalten wollen, zur Diskussion einladen.

Dr. Helmut Gebauer
Vorstandsvorsitzender«

Ausblick

Es darf angenommen werden, dass sich sowohl der »Tonne«-Vorstand, der sich für die Einführung des veränderten Logos engagierte, als auch die Schar der Kritiker sehr mit dem Dresdner Jazz und mit dem Jazzclub Tonne Dresden verbunden fühlen. Deswegen sollten sich beide Gruppierungen nicht jeweils als Gegner sehen. Weiterhin darf wohl davon ausgegangen werden, dass die allermeisten Logo-Disputanten im bisherigen »Tonne«-Logo von Jürgen Haufe sowohl grafisch als auch symbolträchtig eine sehr gute, dem Wesen unserer »Tonne« adäquate Lösung sehen. Und einig dürften sich sicher auch alle darüber sein, dass der Jazzclub Tonne Dresden sein Kerngeschäft, das Veranstalten exzellenter Jazzkonzerte innovativen Charakters, vorbildlich und erfolgreich betreibt; nicht zuletzt wurde die »Tonne« erst kürzlich unter die besten drei Live-Clubs Deutschlands gewählt.

Unterschiedliche Sichtweisen und Erwartungen gibt es lediglich bei der Frage nach dem Stellenwert von Grafikdesign und insbesondere Logo. Für manche zählen diese Aspekte lediglich zum »Werbeauftritt«, der auf das Eigentliche hinweisen soll, für andere sind sie Teil des Eigentlichen, dem weithin Sichtbarmachen hoher eigener künstlerischer Ansprüche sowie dem Anbieten von Alternativen gegen kulturelle Anspruchslosigkeit.

Mathias Bäumel

Dresdner Jazzclub Tonne könnte »Club des Jahres 2010« von Deutschland werden

2011-03-11T09:23:00.006+01:00

(Konzert in der Tonne mit der Band Mauger – Gerry Hemingway, Mark Dressder, Rudresh Mahanthappa – im März 2009. Foto: Matthias Creutziger)

Freude unter Dresdens Jazzfreunden! Der Jazzclub Tonne in Dresden ist für den Deutschen Live Entertainment Preis PRG LEA in der Kategorie »Club des Jahres« nominiert.

»Unsere Freude über die Nominierung möchten wir gern mit unserem Publikum teilen und spendieren deshalb zum Konzert der TIPTONS am kommenden Sonnabend (12.3.2011) ein Fass Freibier«, strahlt Tonne-Geschäftsführer Steffen Wilde.

Die Kategorie »Club des Jahres« erhält ein besonderes Gewicht durch die Kooperation des LEA mit der Initiative Musik, der Fördereinrichtung der Bundesregierung für die Musikwirtschaft in Deutschland: Der Gewinner des Spielstättenpreises erhält 20.000 Euro, die beiden weiteren Nominierten erhalten jeweils 5.000 Euro.

Neben dem Jazzclub Tonne e.V. sind der Jazzclub A-Trane in Berlin und der Jazzclub Hannover e. V. nominiert. Das wurde am 10. März 2011 bekanntgegeben. »Mit den beiden anderen Klubs befinden wir uns in höchst ehrenvoller Gesellschaft, in der wir uns wohl fühlen und die uns zusätzlich stolz macht«, betont Wilde.

Die Bekanntgabe des Gewinners und die Preisverleihung finden am 5. April 2011 im Rahmen der offiziellen Eröffnungsveranstaltung der Weltleitmessen Musikmesse und Prolight + Sound in der Festhalle in Frankfurt am Main statt.

Mit dem LEA werden seit 2006 herausragende Leistungen der Veranstaltungswirtschaft im deutschsprachigen Raum ausgezeichnet. Initiator der Preisverleihung war der Bundesverband der Veranstaltungswirtschaft. Mitveranstalter sind der Verband deutscher Konzertdirektionen e.V. und das Branchenmagazin Musikmarkt.

M. B.

Kontakt Jazzclub Tonne e.V.: Steffen Wilde, Königstraße 15, 01097 Dresden, Telefon (0351) 80 260 17, Fax (0351) 80 260 18, E-Mail steffen.wilde@jazzclubtonne.de

Jazzclub Tonne verzichtet auf sein bewährtes Logo und gibt sich ein unglücklich wirkendes Zeichen

2010-12-07T15:14:00.038+01:00

Das Logo von Jürgen Haufe, registriert im Deutschen Patent- und Markenamt (Abfrage 8.12.2010).

Im Februar 2002 ließ sich der Jazzclub Neue Tonne Dresden beim Deutschen Patent- und Markenamt die damals am meisten zeichenhafte und reduzierte, von Jürgen Haufe geschaffene Variante der »Trompeten«-Wort-Bildmarke schützen. Damals stand der noch junge Verein am Anfang seines Weges und musste sich mancher Konkurrenten erwehren, die den Begriff »Tonne« und das Logo für sich nutzen wollten.
Dem vorausgegangen waren mehrere verschiedene Logo-Varianten für die »Neue Tonne«-Vorgängereinrichtungen, die allesamt markenrechtlich nicht geschützt und die im Rahmen einer früheren Veröffentlichung vorgestellt worden waren.

Im November 2010 nun beging der Jazzclub Neue Tonne Dresden seinen zehnten Geburtstag. Anlässlich dieses Jubiläums benannte er sich in »Jazzclub Tonne Dresden« um, denn der Zusatz »neue« war längst nicht mehr nötig, und er gab sich eine neue Wort-Bildmarke, kurz: ein neues Logo.

Als Begründung für die Einführung des neuen Logos sollte die namentliche Umbenennung herhalten. Geschäftsführer Steffen Wilde am 9. November 2010: »Das neue Tonne-Logo wurde nötig, weil die Tonne ab 19. November wieder Tonne und nicht mehr Neue Tonne heißen wird.«

Doch hier fehlte es dem Verein wohl etwas an Kenntnis der eigenen Angelegenheiten, denn gewissermaßen im Vorgriff auf die Umbenennung hatte er bereits zu Jahresbeginn sein Logo verändert; die im Patent- und Markenamt geschützte Gestaltung wurde schon Ende 2009, Anfang 2010 um den Schriftzug »Jazzclub« erweitert, so dass »Jazzclub Tonne« entstand. Eine nochmalige Änderung des Logos im November 2010 wäre also zumindest aus Namensgründen nicht nötig gewesen.

Zu Beginn des Jahres 2010 wurde das Logo Jürgen Haufes durch den Schriftzug »Jazzclub« ergänzt – ein inhaltlich überflüssiger, weil Redundanz schaffender Eingriff.

Bereits mit dieser ersten Veränderung hatte der Verein den Wert seiner Wort-Bildmarke markenrechtlich gesehen aufgeweicht. »Eine Wort-Bildmarke ist nur in genau der Form geschützt, wie sie beim Deutschen Patent- und Markenamt eingetragen ist«, sagt Judith Hesse, wissenschaftliche Mitarbeiterin am Institut für geistiges Eigentum, Wettbewerbs- und Medienrecht der TU Dresden.

Mit der nun neu gestalteten Wort-Bildmarke vom November 2010 (siehe weiter unten) ist die Ferne zur eingetragenen Marke noch deutlich größer geworden. Die andere Schrift, der grafisch anders gestaltete Trompetentrichter (dem ja als Bindeelement zwischen Wort und Bild eine zentrale Bedeutung zukommt) und vor allem das völlige Fehlen der Bogenlinie lassen eine deutliche Abkehr von der eigenen eingetragenen Marke erkennen.

Die Frage, ob die beiden Ereignisse – das Jubiläum und die Umbenennung – überhaupt zwingend zu Veränderungen der Wort-Bildmarke führen müssen, drängt sich auf.

Andernorts hütet man seine Logos, Hausfarben und -schriften wie einen Schatz. Nur bei wirklichen Zäsuren im Sinne von Fusionen oder Übernahmen – etwa im Falle der Übernahme der Dresdner Bank durch die Commerzbank, was zu einer raffinierten und gelungenen Veränderung beim Außenauftritt führte – werden deutlich sichtbare Corporate Design-Änderungen nötig.
In weiteren Fällen führen Veränderungen in der Produktpalette, Erweiterungen der Konzernstruktur sowie modifizierte Unternehmensziele zu Veränderungen beim Logo, etwa im Falle von Philips zum Ersetzen der klassisch anmutenden Bild- durch die neue Wortmarke.

Doch will die »Tonne« ihr künstlerische Veranstaltungsprofil so deutlich ändern, dass es zu Corporate-Design-Änderungen kommen müsste? – Nein, im Gegenteil.
»Die Tonne wird die Tonne bleiben, indem sie immer wieder neue Wege geht«, ist mit Bezug auf die Einführung des neuen Logos im November-Programmfaltblatt zu lesen. Eine Formulierung, die gerade die Kontinuität des Innovativen bei der Konzertgestaltung – und nicht eine etwaige Zäsur – betont.

Das neue Logo von Tauundtag.

Was also störte die »Tonne«-Verantwortlichen am eingeführten, bisherigen Haufe’schen Logo?

Symbolwirkung und Ästhetik können es nicht sein, denn das nunmehrige Logo vermittelt hinsichtlich beider Aspekte einen unvollständigen und handwerklich unprofessionellen Eindruck.

Der einst handgezeichnete Trompetentrichter, homogener Teil des Instruments und durch den lockeren Pinselstrich auf den frischen Charakter der Musik verweisend, wurde ersetzt durch ein starres, zur Seite gelegtes und gequetschtes »O«, dessen Strichstärke unentschlossen unterschiedlich dick ist. Die symbolträchtige Lockerheit ist hin, und die durch das Haufe’sche Trompetentrichter-»O« bewerkstelligte Verbindung zwischen Bild und Wort sowie zwischen Jazz (Trompete) und „Tonne“ ebenfalls.
Das nunmehrige Fehlen des Bogens lässt das gesamte Logo grafisch auseinanderfallen, dem dadurch auch der symbolische Bezug zum einstigen Tonnen-Gewölbe fehlt.

Wer das Logo in seinen wichtigsten Nutzungsumgebungen sieht (Website, Programmflyer, Briefköpfe), stellt fest, dass der Textteil „Jazzclub“, in kleiner Schrift rot unter das Quetsch-»O« geblockt, »wegfliegt«; auf schwarzem Hintergrund ist er nur schwer zu erkennen.

Inwieweit es moralisch und urheberrechtlich vertretbar ist, grafische Einzelelemente aus einem Komplettwerk eines anderen Künstlers herauszulösen und in eigene grafische Kontexte ohne vorherige ausdrückliche Genehmigung hineinzusetzen, bleibt noch zu diskutieren.

Mathias Bäumel

Jubiläum: Nach zehn Jahren nicht mehr »neu«

2010-11-19T08:08:00.002+01:00

Um nach der Insolvenz des damaligen Jazzclubs Tonne Dresden e. V. im Jahre 2000 den »Tonne«-Jazz für Dresden zu retten, gründeten Dresdner Jazzfreunde am 21. November 2000 im Jazzcafé des Dresdner Waldschlösschengeländes den Verein Jazzclub Neue Tonne Dresden.

Anlässlich der Jubiläumsfeier am 19. November 2010 zum zehnten Geburtstag des Vereins hat sich nun der renommierte Dresdner Jazzclub in Jazzclub Tonne Dresden e. V. umbenannt. Grund: Das »neu« ist nach zehn Jahren längst nicht mehr angemessen, war damals jedoch nötig, da es sich um einen neugegründeten, selbstständigen und vom in Insolvenz befindlichen alten Verein völlig unabhängigen Verein handelte.

Mit der Umbenennung will der Jazzverein auch verdeutlichen, dass er sich in der künstlerischen Tradition des früheren »Tonne«-Klubs und dessen Vorgänger, der IG Jazz, sieht. Mit ihr trägt der Jazzclub aber auch der Tatsache Rechnung, dass Jazzfans im allgemeinen Sprachgebrauch ohnehin seit vielen Jahren stets nur von »der Tonne« sprachen.

M. B.

Klingender Akt gegen den „musikalischen Fetischismus“, wie ihn Adorno analysierte

2010-09-21T14:14:00.004+02:00

Der Künstlerische Leiter auch des 14. Festivals Frei Improvisierter Musik am 24. und 25. September in der Blauen Fabrik Dresden ist Günter Heinz - (Foto: H. J. Maquet)

Robert Musil stellte einmal die Frage, ob es „dumme Musik“ gäbe, und er antwortete selbst mit dem Vorschlag, dass man die Frage einmal umdrehen möge: „Ist vielleicht Dummheit musikalisch?“ Musil weiter: „Dauernde Wiederholungen, eigensinniges Beharren auf einem Motiv, Breittreten ihrer Einfälle, Bewegung im Kreis, beschränkte Abwandlung des einmal Erfassten, Pathos und Heftigkeit statt geistiger Erleuchtung“ – damit beschreibt Musil nicht nur Dummheit und Dummheit in der Musik, sondern – im ungewollten Vorgriff – die akustische Umweltverschmutzung, die sich täglich per TV, Klingeltönen, Echo-Hits, Disco und – im alpendeutschen Raum – Musikantenstadel über die „zivilisierte“ Welt ergießt.

Das Festival Frei Improvisierte Musik, das am 24. und 25. September in Dresden stattfindet, zeigt der Öffentlichkeit, dass es auch anders gehen kann. In diesem Jahr zum vierzehnten Mal bietet es dem Publikum abenteuerliche und überraschende Hör-Alternativen an. Es ist damit eine von immer weniger werdenden Konzert-Offerten, die auf die Wertschätzung von ästhetischer Offenheit, auf die Freude am Unvorhersehbaren und die „Apotheose“ des Augenblicks orientieren, ein klingender Akt gegen den „musikalischen Fetischismus“ (wie ihn Adorno analysierte), der sich in Wiedererkennbarkeit und Wiederholungen zeigt.

Das Festival ist der zeitgenössischen Improvisationsmusik verpflichtet, die sich seit den 60er Jahren in Europa als eigenständige musikalische Sprache entwickelt hat und durch ihre Spontaneität zu überzeugen weiß. Die Wurzeln dieser Musik liegen hauptsächlich in der komponierten zeitgenössischen Musik und im Free Jazz. Beeinflusst wurde sie besonders durch die in der Nachfolge der 2. Wiener Schule wirkenden Komponisten und durch das Musikdenken von John Cage.

Das Festival am kommenden Wochenende bietet an zwei Abenden anspruchsvolle Konzerte mit jeweils zwei Besetzungen. Auf dem Programm stehen sowohl Musiker aus Dresden und Sachsen als auch internationale Besetzungen.

M. B.

Detailliertes Programm hier.

Festival Frei Improvisierter Musik (FFIM 2010) in der Blauen Fabrik Dresden, Prießnitzstr. 44/48

Programm Teil 1

Freitag, 24. September 2010 (20 Uhr)

Adam and his Goats (D):
Samuel Dobernecker - sax,
Martin Schulze - tb,
Philip Scholz -dr

No Sugar (USA):
Liz Allbee – tp,electr
George Cremaschi - b,electr

Sonnabend, 25. September 2010 (20 Uhr)

Chefa Alonso (E) - sax, perc,
Albert Kaul (D) - clavicord

Hartmut Dorscher - sax,
Günter Heinz - tb,fl,
Matthias Macht - perc,
Jörg Ritter – perc

Tickets für 12 Euro (8 Euro ermäßigt) pro Abend an der Abendkasse.

Wie in den vergangenen Jahrgängen wird das Festival im November einen zweiten Teil bieten, u.a. mit der New Yorker Elektronik-Legende Eric Ross.

Broschüre zum »Tonne«-Jazz rund um die politische Wende im Oktober 1989 liegt vor

2010-07-20T13:02:00.004+02:00

Mit »Streiflichter. Erinnerungen und Überlegungen zum Jazz in Dresden rund um die politische Wende« hat der Jazzclub Neue Tonne eine Broschüre veröffentlicht, die versucht, sowohl die Ereignisse rund um die »Tonne«-Konzerte der damaligen IG Jazz Dresden im Oktober 1989 und die Erinnerungen einiger Musiker dem Vergessen zu entreißen als auch Antworten auf die Frage zu finden, welche Rolle die die DDR-Kulturpolitik oder gar die Staatssicherheit bei der Übernahme der Gewölbekeller unter der Ruine des Kurländer Palais durch die IG Jazz am Ende der siebziger und am Anfang der achtziger Jahre spielte.

Zugleich ist die Broschüre abschließender Teil des Projektes »Wendejazz – Jazz in Dresden rund um die politische Wende 1989«, das aus dem Programm »20 Jahre Friedliche Revolution und deutsche Einheit« der Sächsischen Staatskanzlei gefördert worden war und in dessen Rahmen zwei Konzerte im Oktober 2009 sowie eine Ausstellung im Jazzclub Neue Tonne bis Ende 2009 stattfanden. Auch Vorträge und eine Webseite zählten zum Projekt.

Die unter Verwendung von Handzeichnungen des 1999 verstorbenen Dresdner Künstlers und Jazzfreundes Jürgen Haufe von Kerstin Hübsch (Grundsatz Grafikdesign) anspruchsvoll gestaltete Broschüre verdeutlicht, dass die damalige IG Jazz Dresden in den Jahren vor der politischen Wende als Jazzveranstalter durchaus zu den Nutznießern der Kultur- und Sicherheitspolitik der DDR zählte, keinesfalls »zu den Benachteiligten oder gar Unterdrückten«. Die Veröffentlichung verweist aber ebenso darauf, dass diese Konstellation durchaus auch zum Nutzen der Jazzfans und guter, internationaler Jazzmusik funktionierte: So manches wilde, interessante Konzert mit Musikern aus dem westlichen Ausland durfte stattfinden, weil es jazz-nahen Kulturfunktionären oder gar IMs gelungen war, »nach oben« das Misstrauen zu zerstreuen. Beschrieben wird anhand einiger weniger Beispiele auch, mit welch perfiden Methoden die Stasi Andersdenkende auch im Jazzbereich »zersetzen« wollte.
Der dokumentarische Teil der Veröffentlichung ruft zwei Konzerte in der alten »Tonne« im Oktober 1989 in Erinnerung und verdeutlicht, wie die Jubiläumskonzerte zwanzig Jahre danach im Oktober 2009 jene von 1989 konzeptionell aufgegriffen und weiterentwickelt haben.

Mathias Bäumel

Jazzclub Neue Tonne Dresden e. V. (Hrsg.): Streiflichter. Erinnerungen und Überlegungen zum Jazz in Dresden rund um die politische Wende, Dresden 2010, 56 Seiten, ISBN 978-3-941209-04-6

Bezug über www.jazzclubtonne.de oder, ab September 2010 wieder, zu Konzerten im Jazzclub Neue Tonne oder bei Sweetwater, Friedrich Wieck Str. 4, 01326 Dresden.
Spende an die »Tonne« ab 5 Euro pro Heft willkommen.

Elina Duni singt auf ihrer neuen CD wiederum Lieder vom Balkan als Jazzballaden

2010-04-14T14:21:00.007+02:00

(Foto: Andrin Winteler/PR)

CD-Tipp: Das zweite Album der noch jungen, 1981 in Tirana geborenen Sängerin Elina Duni hat es in sich, überzeugt noch mehr als der ohnehin schon fast „kultige“ Erstling. Mit ihren renommierten Begleitern aus der Schweiz, dem Pianisten Colin Vallon, dem Bassisten Bänz Oester und dem Schlagzeuger Norbert Pfammatter, gelingt ihr etwas, was trotz vieler Crossovers sehr selten ist: die Verschmelzung verschiedener Musikkulturen zu einem Klangkunstwerk, das wie aus einem Guss wirkt. Näheres auf SCHÖNE TÖNE.

Francesco Cusas Band Skrunch zelebriert in Dresden einen musikalischen Amoklauf

2010-03-16T15:29:00.013+01:00

(Francesco Cusa. Foto: Promo/Nanni Angeli)

„Pape Satàn, pape Satàn, aleppe!“ Mit diesen Worten beginnt Plutos den siebenten Gesang im „Inferno“ von Dante Alighieri. Plutos, eine wolfsartige Kreatur, bewacht den vierten Ring der Alighieri’schen Hölle, in dem Geizige und Verschwender heulend Steinlasten wälzen.

„Pape Satàn, pape Satàn, aleppe“ – ebenfalls mit dieser Zeile überschreibt der sizilianische Jazzdrummer und Komponist Francesco Cusa den Begleittext zur CD „Du Démon et d’autres questions“ (1999) seiner Band „66six“. Und der Musiker schreibt weiter über den Kontext dieser Musik: „Vater Satan, Vater Satan. Der Teufel zuerst. Der Teufel, der in unsere dumpfen Existenzen sickert. Schlange stehen, Schlaflosigkeit, drückende Schuhe, Kopfschmerzen, besetzte Toiletten. Aber auch Geschichten über Piraten, verkaufte Seelen, heilige Jungfrauen, grauenhafte Inzeste und dezimierte Familien. In einem Wort: der Alltag. ... All das in Musik übersetzt, durchgeschüttelt, zusammengestellt und als kleinen Hexensabbat serviert. ... Erzählt mir bloß nicht, dass Edgar Allan Poe, Grenouille oder Stanley Kubrick keinen Pakt mit dem Teufel geschlossen hätten. Erzählt mir nicht, Nicole Kidman wäre nicht eine Erscheinungsform des gehörnten Ziegenbocks selbst!“
Die Titel dieser CD sind entweder nach Dämonen aus der christlichen Dämonologie oder nach Personen benannt, in denen sich, folgt man Cusa, Verlockungen und Gefährdungen verkörpern. „Abigor“ heißt die Serenade für Nicole Kidman, „Buzzati’s Capture“ verweist auf die „Inbesitznahme“ des Denkens des einst in Italien bekannten Journalisten, Malers, Zeichners und Bühnenbildners Dino Buzzati durch die katholische Kirche, andere Kompositionen sind Stanley Kubrick, dem Parfüm des Grenouille und Edgar Allan Poe gewidmet. Noch weitere Dämonen werden mit Titeln thematisiert, so Halphas, ein Dämon in Taubengestalt, der Städte anzündet und die Menschen in den Krieg schickt.

„Ach was, lass uns nicht über Dämonen, sondern über die Musik reden“, lacht Francesco Cusa abwehrend und schalkhaft, für den diese Dinge nur ein witziges Spiel sind. Und wenn er sich mit seiner Geisteshaltung als vom provokativ-sarkastischen Humor Frank Zappas beeinflusst erweist, der Nonsens und Sinnhaftigkeit in sich vereint, so spürt man besonders auch im Musikalischen Zappas Flair: Komplexe Rockrhythmen, skurril wirkende Motive und Themen, gebaut aus gewagten Intervallsprüngen und schrägen Tonart-Wechseln, knirschend und rau klingende, dennoch flüssig gespielte Gitarrenlinien und Einspielungen von geheimnisvoll klingenden Telefonstimmen sowie von Technikgeräuschen.

Natürlich sind dies nur Anklänge – Cusas Musik ist eigenwertig, klingt, im Gegensatz zu der Zappas, völlig europäisch. Brillante Bläserimprovisationen spielen nicht nur eine illustrative, sondern eine zentrale Rolle. Vor allem aber die Rhythmik ist bei Cusa, dem Liebling aller Jazztrommel-Freunde, südeuropäisch-faszinierend. Cusas Verschmitztheit, vor allem aber dessen Fähigkeit, das süditalienisch-sizilianische Erz-Musikantentum der großen katholischen Prozessions-„Bandas“ mit modernem Freejazz-Drumming zu verbinden, halten jedermann in Atem. Alles wird bei diesem Irrwisch zu Rhythmus – von Marmeladengläsern bis zu Kellerclubwänden, von Zahnputzbechern bis zu Atemgeräuschen.

Im Laufe der Jahre entwickelte sich in Cusas Musik eine Kontinuität von Titeln, die in verschiedenen Versionen immer wieder auftauchen. So spielte er bereits 1997 mit seiner Band 66six die Kompositionen „Where’s Stanley Kubrick?“, „Buzzati’s Capture“, aber auch „Psycho Jogging“, „Dr. Akagi“ und „Nonsense“. Alle gehörten sie später zu den Konzertprogrammen der unterschiedlich besetzten „Skrunch“-Bands und waren auf den jeweiligen CDs enthalten.

Auch die 2005-er CD „Psicopatologia del serial Killer“ präsentiert diese Titel in ruppigen, wilden Interpretationen – und endet mit dem Klangstück „Beyond Gods and Devils ... the day before...“(Jenseits von Göttern und Teufeln ... der Tag davor ...), das – die Geduld des Hörers mit lang andauernder Stille überstrapazierend – ein Grauen anzukündigen scheint.

Stattdessen jedoch folgen mit den CDs „A sicilian way of cooking mind“ (2006, Cusas Projekt „Naked Musicians“) und „L'arte della guerra“ (2007, Cusa mit Skrunch) zwei unter eigenem Namen veröffentlichte Werke, die vom Provokant-Symbolischen weg deutlich mehr in eine raffinierte, jazzige Richtung gehen, und die – im Falle der „Nackten Musiker“ – improvisierte Klangflächen ebenso anbieten wie fragmentierte und abstrahierte Prozessions-Banda-Bläsersätze, teils verbunden mit wahnwitzigen Latino-Drum-Passagen; der Titel „A Night in a Caravan“ (eine Kombination aus „A Night in Tunesia“ und „Caravan“) hat einen umwerfenden Charme.

Als nun der Jazzclub Neue Tonne im Laufe des Spätsommers 2009 nach einem Musiker suchte, der für das Jazzwelten-Festival „fragilitas“ 2010 eine spezielle Musik zum Thema „Amoklauf“ konzipieren könnte, war schnell klar: Zuerst soll Francesco Cusa gefragt werden.
Dieses Konzert findet nun statt – am 27. März als Abschluss des 2010-er Jazzwelten-Festivals.

Um all seine Ideen auch veröffentlichen zu können, betreibt Francesco Cusa das CD-Label „Improvvisatore Involontario“. Doch darauf sind nicht nur seine eigenen, sondern auch Werke aus dem Kreis befreundeter Musiker (Cusa manchmal als Sideman) erschienen.

Mathias Bäumel

Das Theremin in der Pop- und Jazzgeschichte - ein Exot fungiert als „Klanggewürz“

2010-03-11T11:50:00.007+01:00

(Die Theremin-Künstlerin Barbara Buchholz. Foto: PR)

Das Theremin in der Pop- und Jazzmusik? Die ersten, die diese selten verwendete Urform aller elektronischen Musikinstrumente im Pop-Bereich genutzt haben, könnten gegensätzlicher nicht sein: Dada-Naiv-Desertblues-Avantgardist Captain Beefheart und die Pop-and-Surf-Könige Beach Boys.

Im April 1967 nahm Beefheart mit seiner damaligen Magic Band das Material für seine erste offizielle LP „Safe as Milk“ auf – als Gast war für die Einspielung des berühmten Stückes „Electricity“ und von „Autumn’s Child“ der renommierte Theremin-Spieler Samuel Hoffman eingeladen. Diese beiden Aufnahmen gehörten zu den letzten, die Hoffman machte – seit Anfang der vierziger Jahre hatte der ausgebildete Fußorthopäde und professionelle Violinist in seinen Bar- und Unterhaltungsbands das Theremin popularisiert, war auch immer wieder zur Schaffung von Musik und von Background-Sounds für Horror- und Sci-Fi-Filme eingeladen worden, von Hitchcocks „Spellbound“ (1945; deutscher Titel „Ich kämpfe um dich“) bis zu William Beaudines „Billy the Kid versus Dracula“ (1966). Vor allem die jaulenden, sphärischen Kontrastklänge Hoffmans zu den Einleitungsriffs von „Electricity“ machten diesen Titel – natürlich neben dem unverkennbaren, rauen Gesang Beefhearts – zu einem frühen Markenzeichen des Musikers.

Nur wenig früher, im Februar 1966, hatten die Beach Boys die Instrumental-Tracks für den Song „I Just Wasn't Made for These Times“ (der Gesang wurde im April aufgezeichnet) aufgenommen; der Song erschien dann im Mai 1966 auf der LP „Pet Sounds“, dem elften Studio-Album der Hohepriester des Surf-Pop. An dieser Aufnahme war im Studio auch der Swing-Posaunist Paul Tanner beteiligt, der das von ihm aus dem Theremin weiterentwickelte Electro-Theremin (mit Drehknopf für die Lautstärke) spielte. Im Gesamtklang des Songs spielte dieses exotische Instrument allerdings kaum eine Rolle, anders als bei der wenige Monate später erschienen Beach-Boys-Single „Good Vibrations“. Dort war Tanners Electro-Theremin deutlich zu hören und konterkarierte schauerlich-frisch die forsche melodisch-rhythmische Eingangssequenz des Hits.

So lange diese ersten, seltenen Auftritte des Theremins im Pop- und Rockbereich auch her sein mögen – im Jazz lassen sich Spuren dieses Instrumentes so gut wie gar nicht und auch nicht so frühzeitig finden. Das liegt sicher auch daran, dass die Nachteile des Theremins im Jazz besonders schwer wiegen, dass es so schwerfällig und nur glissando-artig spielbar ist. Ohnehin ließen sich ähnliche Sounds mit den ab Ende der sechziger Jahre verfügbaren Synthesizern viel einfacher erzeugen.

Insofern verwundert es nicht, dass das Theremin – als Exot und „Klanggewürz“ – eher noch im zeitgenössischen Jazz und im Grenzgebiet zwischen Jazz und zeitgenössischer Konzertmusik genutzt wird, nicht im Swing und Bop.

Hier hat sich vor allem der italienische Multiinstrumentalist Vincenzo Vasi hervorgetan. Seine Theremin-Beiträge in Gianni Gebbias Switters sind unüberhörbar, geben dem Trio einen kräftigen, unverkennbaren Sound, brillieren mit Solo-Leistungen, erreichen eine geradezu rocktypische Intensität – erklärbar, fühlt sich Vasi doch auch von Captain Beefheart inspiriert. Etwas wirklich Besonderes ist Vasis Band Etherguys, ein Trio, in dem ausschließlich drei Thereministen spielen, neben Vasi noch die in Italien lebende Schweizerin Sabina Meyer und der ebenfalls mittlerweile auf dem „Stiefel“ ansässige japanische Techno- und Elektro-Avantgardist Gak Sato.

Mit Barbara Buchholz kommt nun eine der profundesten Theremin-Spielerinnen überhaupt nach Dresden. Gemeinsam mit Lydia Kavina, der Großnichte des Instrumentenerfinders Lev Sergejewitsch Termen (1896–1993), der sich im Westen später Leon Theremin nannte, gründete Barbara Buchholz 2005 die Plattform „Touch! Don't Touch!“ für das Theremin in der Neuen Musik. Als Meisterschülerin von Lydia Kavina studierte sie in Moskau und ist heute eine der führenden Virtuosinnen an diesem außergewöhnlichen und seltenen Instrument. Im Bereich des Jazz und der Improvisierten Musik tritt sie mit diversen Ensembles auf, unter anderem im Trio mit dem norwegischen Trompeter Arve Henriksen und dem Live-Elektroniker Jan Bang. Sie tourt mit der Jazz Bigband Graz im Rahmen der Produktion „Electric Poetry & Lo-Fi Cookies“, die auch auf CD eingespielt wurde. Bei Auftritten mit ihrem Soloprogramm „Theremin: Russia with Love“ lässt sich Barbara Buchholz vom Projektionskünstler Pedda Borowski unterstützen.

Buchholz spielt am 26. März 2010 mit Pedda Borowski zum Jazzwelten-Festival Dresden 2010.

Mathias Bäumel

Gianni Gebbia und Eiko Ishibashi begeisterten als Joraku & Lioneiko in der „Tonne“ Dresden

2010-03-05T15:32:00.013+01:00

(27. Februar 2010: Gianni Gebbia - Altsax - und Eiko Ishibasi - hier an den Drums, sonst noch Piano, Flöte und Electronics - im Jazzclub Neue Tonne Dresden. Foto: Wolfgang Zimmermann)

Garantiert: Wäre ein Maestro Giacomo Puccini in seiner idyllischen Villa bei Viareggio am Mittelmeer noch aktiv zugange, dann hätte er Eiko Ishibashi und Gianni Gebbia längst in sein Orchester integriert. War doch Puccini u.a. auch dafür bekannt, dass er stets begierig auf neue, ungewöhnliche und bis dato noch nie gehörte Musik war. Und das japanisch-italienische Duo – das sich klangvoll „Joraku & Lioneiko“ nennt - hätte ihm genau solche neue, ungewöhnliche und bis dato noch nie gehörte Musik liefern können. Schade drum; das Ergebnis einer solchen Zusammenarbeit zu hören, wäre gewiss ein Genuss für Körper, Ohr und Seele gewesen.

Spekulationen dieser Art sind natürlich müßig; der Eindruck aber, den das Konzert der Japanerin Eiko Ishibashi mit dem Sizilianer Gianni Gebbi am 27. Februar 2010 im gut gefüllten Jazzclub Neue Tonne hinterlassen hat, war alles andere als das. Mit der zierlichen japanischen Multiinstrumentalistin Eiko Ishibashi wehten urplötzlich ganz ungewöhnliche Klänge durch das Sandsteingewölbe. Ein fragiles, sehr zartes und zurückhaltendes Klavierspiel drang bis in jeden Winkel des Gewölbes. Und eine Melodie, so fremd und geheimnisvoll, wie sich der ferne Osten den meisten Europäern heute immer noch darstellt, schwebte im gemächlichen Tempo über die Köpfe der Konzertbesucher hinweg. Eiko Ishibashi selbst ist solch ein zerbrechlich scheinendes Wesen; mit einem tief in die Stirn gezogenen und von einer Blüte gezierten Filzhut sitzt sie am Flügel und entlockt ihm diese beinahe unwirklichen Töne. Die büßen auch nichts von ihrer geheimnisvollen Aura ein, als Gianni Gebbias Saxofon sich darunter mischt.

Ganz im Gegenteil; Gebbia nimmt das Angebot von Eiko Ishibashi bereitwillig an und reduziert die gewohnte Lautstärke des Saxofons um ein Vielfaches. Und am Ende ist aus dem gemeinsamen Spiel ein durch und durch romantisches Date geworden; eine Begegnung von Stimme, Piano und Saxofon. Zu schön scheint diese Musik, um sie überhaupt in das Fach Jazz einsortieren zu wollen oder zu müssen. Und doch passiert genau das, was den Jazz eigentlich kennzeichnet. Die beschworene Harmonie findet urplötzlich ihr Ende und die Musik gleicht nun einer entfesselten Orgie. Wild und ungestüm brüllt das Saxofon und lautstark widerspricht das Klavier. Und weil der so sanft wirkenden Eiko Ishibashi dieser Widerspruch wohl immer noch zu gemäßigt erscheint, verlässt sie urplötzlich den Klavierhocker, setzt sich ans Schlagzeug und drischt dort all ihre Emotionen kraftvoll in Richtung des Partners. Doch es ist lediglich ein Streit auf der Ebene der Musik und der kann letztendlich nicht hemmend, sondern nur fördernd wirken.

Zwei CD’s haben die beiden gemeinsam mittlerweile bereits aufgenommen (eine davon, mit Daniele Camarda, ist seit einiger Zeit schon veröffentlicht, die zweite soll ein ein paar Wochen folgen) und quer durch das Material dieser beiden Scheiben arbeitet sich das Programm des Abends. Dazu gehören noch optisch-akustische Spielereien. Etwa dann , wenn Gianni Gebbia einen Gummihandschuh über den Trichter seines Grammophons spannt und die fünf Finger durch die Intensität seines Spiels aufstehen und wieder zusammenfallen lässt. Das ist so etwas wie eine Standardnummer des Sizilianers. Und sie gehörte schon in sein Repertoire, als er vor etwa eineinhalb Jahren in anderer Besetzung in Dresden spielte.

Gebbia hat ehe eine gute und solide Beziehung zur sächsischen Landeshauptstadt; die u.a. auch auf der langjährigen Zusammenarbeit mit dem Jazztrommler Günter „Baby“ Sommer basiert. Das war, als das Musizieren in sizilianischen Orchestern für ihn längst schon Vergangenheit war und er verstärkt die Zusammenarbeit mit den Jazzern Europas und auch aus Übersee suchte. Als Peter Kowald noch lebte, verband die beiden eine sehr intensive Freundschaft. Auch die Tanztheaterszene interessierte Gianni Gebbia brennend; so arbeitete er u.a. auch zu deren Lebzeiten mit der Choreographin Pina Bausch zusammen.

Die Zusammenarbeit mit Eiko Ishibashi ist eine nächste und wieder etwas andere Station des experimentierfreudigen Sizilianers (der übrigens zwei Tage nach dem Konzert – am 1. März nämlich – seinen 39. Geburtstag feiert), die seiner nicht nachlassenden Neugier entspringt. Und sein eigentliches Konzept bleibt auch dann noch bestehen, wenn beide einer von der Rockband Uriah Heep gespielten und später vom norwegischen Saxofonisten Jan Garbarek bearbeiteten Nummer eine ganz andere und ganz neue Variante hinzufügen. Oder wenn plötzlich eine fröhliche und typisch italienische Volksmusik erklingt. Letztendlich liefern sich Eiko Ishibashi und Gianni Gebbia einen überaus spannenden und kreativen Dialog; sie setzt dabei ihre Querflöte und er sein Saxofon ein. Wie dieser Dialog endet? Natürlich unentschieden!

Wolfgang Zimmermann

Von der Zerbrechlichkeit des Seins oder dem Wandeln auf schmalem Grat

2010-02-05T10:11:00.012+01:00

Das 6. Festival JAZZWELTEN findet vom 19. bis zum 27. März 2010 zum Thema „Fragilitas“ in Dresden statt

(Gary Lucas improvisiert zu den JAZZWELTEN 2010 - wie hier im Bild in Malaga 2009 - zu Avantgarde-Filmen aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Foto: PR)

Das Programm des 6. JAZZWELTEN-Festivals des Jazzclubs Neue Tonne steht. Das Festival, das diesmal unter dem Motto „Fragilitas“ vom 19. bis zum 27. März 2010 im Clubkeller des Jazzclubs Neue Tonne, im Clara-Schumann-Saal des Kulturrathauses und im Filmtheater Schauburg stattfindet, bietet trotz wiederum sehr beschränkter Finanzen innovative Musikprojekte – diesmal nicht selten aus den Grenzgebieten zwischen melodischen, zarten Improvisationen und elektronischer Musik – sowohl mit gestandenen Größen des internationalen zeitgenössischen Jazz als auch mit jungen, experimentierfreudigen Nachwuchsmusikanten.

Premieren (so hat der Sizilianer Francesco Cusa die Musik für den Auftritt mit seiner Band Skrunch extra im Auftrag der „Tonne“ zum Thema „Amoklauf“ komponiert) und Improvisationen zu Filmen – diesmal mit Gary Lucas zu Avantgarde-Filmen aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts – gehören ebenfalls wieder zum Programm. Auch das instrumentengeschichtlich erste elektronische Musikinstrument überhaupt, das Theremin, bekommt mit der audio-visuellen Show von Barbara Buchholz und pedda Borowski einen Hauptauftritt.

Die Macher des Programms, Dr. Helmut Gebauer und Steffen Wilde, wollen Musik vorstellen, die von der Zerbrechlichkeit des Seins oder dem Wandeln auf schmalem Grat „erzählt“. Ein existenzielles Thema unserer, aber bei weitem nicht nur unserer Zeit. Gebauer: „In diesem Thema schwingt auch nicht nur Schwermut mit, sondern ebenso Leichtigkeit, Verspieltheit, Glück, immer aber auf schmalem Grat. Das Gefühl, in einer fragilen Welt zu leben, der äußeren wie der inneren, hat viele Facetten. Es kann uns begegnen als Gefühl, den Boden unter den Füßen zu verlieren, aber auch als Freude, sich in ein ungewisses Neues vortasten zu können. Das Wandeln auf schmalem Grat erzeugt Angst, aber auch Lust, und eine Vielzahl von Nuancen zwischen diesen Polen. Es kann belasten, aber auch befreien.“

Und mit einem ganz speziellen Befreiungsschlag startet auch das Festival – die Jerseyband zeigt am ersten Tag, wie umwerfend und gnadenlos Hard Core klingt, wenn er mit Trompete, drei Saxofonen, Gitarre, Bass und Schlagzeug gespielt wird.

Conny Bauer kombiniert in seinem Solo-Konzert „Der gelbe Klang“ Posaune mit Live-Elektronik, Lorenz Raabs Blue spüren in intelligenten und verblüffenden Instrumentierungen einer silbrigen Wehmut nach und erinnern damit, ob gewollt oder ungewollt, auch an Miles Davis. Der holländische Grotesk-Vokalkünstler Jaap Blonk wird Stargast der JAZZWELTEN-spezial-Vocal-Night, und Lou Reeds Lieblingsband Lucibel Crater aus New York verzaubert die Konzertbesucher mit Sounds an der Schnittstelle von Rock, Jazz, Kammermusik und Electro. Sie sind Meister darin, durch Loops und Live-Overdubs vielschichtige Songs mit verblüffenden Grooves und faszinierenden Klängen voller Ecken, Kanten und Hintertüren entstehen zu lassen.

Und schließlich gibt es auch eine Art „Feature-Ring Spezial“ mit dem Turntable- und Perkussionskünstler-Duo Christopher Rumble.

Das Gesamtprogramm sowie alle Infos – auch zum Ticketbezug – findet man auf der JAZZWELTEN-Seite des Jazzclubs Neue Tonne Dresden oder gleich über www.jazzwelten.de.

M. B.

Pat Methenys „Orchestrion“- CD – was bringt der Griff in die Vergangenheit der Musikinstrumente?

2010-01-22T15:01:00.007+01:00

Setzkasten mit Winkelhaken und vier Satzzeilen (Foto: Willi Heidelbach, Wikipedia)

Es gibt Buch-Liebhaber, die sind immer wieder fasziniert von der handwerklichen Anmutung und dem künstlerischen Wert von Büchern, die im Buchdruck mit noch echten Bleilettern und in historisch markanten Schriften gesetzt bzw. gedruckt sind. Dessen ungeachtet hat sich für nahezu die gesamte Buchproduktion seit 1986 längst der Computersatz durchgesetzt, und Bleisatz und Buchdruck wurden zu charmanten Nischenverfahren für Buchkunst-Sammler. So hergestellte Bücher strahlen das Flair von Kunst, Handwerkskunst und Wertigkeit aus – aber sind die so publizierten Texte bessere Literatur als computergesetzte?

An dieses Buchdruck-Thema musste ich denken, als ich die aktuelle CD „Orchestrion“ des Gitarristen und Komponisten Pat Metheny in der Hand hielt. Metheny, sonst digital orientierter Sound-Tüftler und bekannt für seinen Drang, in immer neue kompositorische und stilistische Gefilde vorzustoßen, wandte seinen Blick zurück in die Instrumenten- und Musikautomaten-Geschichte.

Im 19. Jahrhundert hatten ein paar Tüftler im Schwarzwald und in Sachsen monströse mechanische Musikinstrumente entwickelt, die den Bläserklang eines ganzen Orchesters wiedergeben konnten. Die Ungetüme standen in Hotelhallen und anderen großen Sälen, sie wurden erst per Kurbel-Antrieb in Gang gesetzt, später mit Motorkraft, und was sie spielen sollten, gaben ihnen Lochkarten vor. Im frühen 20. Jahrhundert gelang es den Instrumentenerfindern sogar, eine oder mehrere Geigen einzubauen, die mechanisch gestrichen wurden. Die Erfindung der Schallplatte war dann des Orchestrions rascher Tod.

Nun versuchte Metheny, den Toten zu nutzen, um dessen Mörder attraktiver zu machen, ließ von einem kleinen Handwerksbetrieb extra für seine Zwecke ein Orchestrion bauen, konzipierte eine Musik, bei der dieses Orchestrion von seiner Gitarre elektronisch angesteuert wird (ein Meisterstück der Mechatronik) und nahm eine – ja! – Schallplatte (CD) auf!

Mit diesem „Orchestrion“-Projekt reaktiviert Metheny also - um bei der Typografie-Analogie zu bleiben - „Bleisatz“ und historischen „Buchdruck“ in einer für mich fragwürdigen Weise. Bei seinem Orchestrion-Projekt geht der Gitarrist nämlich vor wie ein moderner Computersetzer, der zunächst einmal ein kompliziertes elektromechanisches Instrument bauen lässt, um mit dessen Hilfe dann computergesteuert die Bleilettern von Mini-Robotern mechanisch aus dem Kasten zu balancieren und sie Zeile für Zeile in das Satzschiff hineinzusetzen. Wenn man unvoreingenommen und ehrlich ist: Das wirkt eher umständlich und anachronistisch als kreativ.

Angesichts der „Orchestrion“-CD staunt man, das Hören kann Spaß machen und besonders fasziniert ist man, wenn man – beispielsweise im Internet oder bei Konzerten während der dazugehörigen Tournee – dazu noch sieht, wie rund um den solo spielenden Gitarristen wie von Geisterhand bewegt die vielen Einzelteile des Orchestrions – von Flaschen bis Violinen, von Trommeln bis zum Piano – erklingen.

Ob ein besonderer künstlerischer Wert entsteht, sollte jeder Musikfreund für sich selbst entscheiden.

Mathias Bäumel

Zehntausend Schritte – die ersten zehn Jahre der ungarischen Kult-Rockband Omega

2010-01-18T19:53:00.013+01:00

Am 23. September 1962 spielte die legendäre ungarische Band das erste Konzert unter ihrem eigenen Namen - wie alles begann: Die ersten zehn Jahre der Band

János Kobor 2007 (Foto: omega.hu)
Fan-Foto von etwa Ende 1971 (Archiv M. B.)

200 bis 400 Euro muss man schon berappen, wenn man ein Original ergattern will, und da ist noch nicht klar, ob man eins ranorganisieren kann – die Rede ist von der aller ersten LP der ungarischen Kultrockband Omega, die 1968 unter dem Titel „Omega Red Star“ bei Decca in London veröffentlicht worden war. Als diese Platte erschien, hatte die Budapester Rockband schon einige Jahre auf dem Buckel, denn gegründet wurde Omega während ihres ersten offiziellen Konzertes am 23. September 1962 im Universitätsklub der Technischen Hochschule (heute längst Universität) Budapest. Die Besetzung damals: László Benkõ (keyboards), János Kóbor (Gesang, Gitarre), András Kovacsics (Gitarre), István Varsányi (Bass), Péter Láng (Saxophon) und Tamás Künsztler (Schlagzeug). Omega, die damals ihren Namen von einem kurzentschlossenen Plakatmacher verpasst bekamen, der nicht so recht wusste, wie er die noch namenlose Gruppe ankündigen sollte, gehört damit gegenwärtig zu den ältesten noch aktiven Rockbands der Welt – die Rollings Stones, deren Gründungsdatum durch das Konzert im Marquee-Klub am 12. Juli 1962 markiert wird, sind nur etwa zwei Monate älter.

Dabei reicht die Omega-Vorgeschichte noch weiter zurück. Bereits 1959 hatten Kóbor, Kovacsics, Laux und Varsányi am Attila-József-Gymnasium sowie Benkö, Láng und Künsztler am Sándor-Petöfi-Gymnasium Schülerbands gegründet, die innerhalb Budapests herumtingelten; das Konzert am 23. September 1962 war dann so etwas wie ein Sich-zusammen-Finden.

In den Jahren danach wechselte die Besetzung und konsolidierte sich. Laux kam und ersetzte Künsztler, die bereits durch TV-Auftritte bekannte Zsuzsa Koncz gehörte kurzzeitig zu Omega, bevor sie zu Illés wechselte, als Sängerin stieg Mari Wittek ein, für Láng kam erst der Saxofonist László Harmath, der 1964 von Tamás Somló ersetzt wurde. Als Mari Wittek 1966 die Band verließ, wurde Kóbor Frontmann und Hauptsänger. Und 1967 schließlich wurde Varsányi zur Armee eingezogen und Tamás Mihály übernahm die Bassgitarre. Schließlich stieg noch im selben Jahr Gábor Presser ein, ein Jahr später gingen Kovacsics und Somló eigene Wege, mit György Molnár kam der neue Gitarrist. Seit 1967 gehörte noch eine junge Dame zum Team, die damalige Studentin Anna Adamis als Texterin, die das erste Jahr gezwungen war, unter dem Pseudonym István S. Nagy zu arbeiten, da Studenten als Texter nicht zugelassen waren.

Nach mehreren personellen Veränderungen hatte sich 1967 die klassische Omega-Besetzung herausgebildet: József Laux (dr), Tamás Mihály (bg), György Molnár (g), Laszló Benkö (tp, keyb), Gábor Presser (org, voc), János Kóbor (solo-voc).
Schon Ende 1964 war der Eötvös-Klub zu Omegas Hausklub geworden – damit war die Band in Ungarn ständig präsent. Ihren ersten Publicity-Höhepunkt erreichte Omega 1966, als hintereinander weg ihre ersten vier Singles erschienen, allesamt Einspielungen bekannter „westlicher“ Rock- und Pop-Hits: „Paint it black / Bus Stopp“, „Bend it / I put a spell on you“, „Little man / What now my love“ und „Sunny / No milk today“.

1967 hatten sie dann gemeinsam mit Zsuzsa Koncz einen Drei-Minuten-Auftritt im Film „Ezek a fiatalok“ („Ach, diese Jugend“) und sie wurden als Begleitband bei den Auftritten von Zsuzsa Koncz und Zsuzsa Pálos zum Tanzliedfestival gebucht.

Doch der entscheidende Impuls für den Durchbruch ging von einem gemeinsamen Konzert der Spencer Davis Group mit Traffic und mit Omega in Budapest aus. Daraufhin nämlich wurde Omega zu einer England-Tournee eingeladen. Die Ungarn gaben unter anderem Konzerte in London und hatten einen Auftritt im BBC-TV. Der Manager der Spencer Davis Group, John Martin, arrangierte eine Albumproduktion beim Londoner Label Decca, das der Gruppe den Namen „Omega Red Star” verpasste. Die Arbeiten an dem Album dauerten drei Tage lang, dann musste János Kóbor zurück nach Budapest, um Examensarbeiten zu schreiben. Das Album wurde in England klangtechnisch nie fertig abgemischt, Decca veröffentlicht es so, wie der Arbeitsstand gerade war, nämlich mit den Lead Vocals von Tamas Mihály unter dem Titel „Omega Red Star from Hungary“. Eine der später meistgesuchten Rockplatten aus dem Ostblock hatte das Licht der Welt erblickt, aber bei objektiver Beurteilung wird man einräumen, dass die späteren Omega-Platten künstlerisch weitaus hochkarätiger werden sollten.

Später in Ungarn wird das „Red Star“-Album fertiggestellt, aber nur einige Songs erschienen auf Singles.
Nach dem Erfolg in London veröffentlichte dann Omega die erste ungarische LP beim Label Qualiton unter dem Titel „Trombitás Frédi és a rettenetes emberek“ (Trompeter Fredi und die verrückten Leute) – für viele Rockfans aus der DDR die allererste „Ost“-Rock-Platte, die man ernstnehmen konnte. Die Platte, die auf das „Red Star“-Material zurückgriff, aber in ungarisch eingesungen wurde, verkaufte sich allein im kleinen Land Ungarn noch im selben Jahr über 100.000 mal und bescherte der Gruppe die erste goldene LP. Von da ab war Omega Kult. Alles weitere konnte den Kult nur noch festigen und erweitern.
Mit den LPs „10.000 Lépes“ (Zehntausend Schritte; 1969), „Ézakai országút“ (Nächtliche Landstraße; 1970) und der legendär in Aluminium verpackten „Elö Omega“ (Omega live; 1972) eroberte die Band einen Platz in Europas Rock-Olymp.
Die Ungarn-Rocker tourten durch Spanien, Finnland, Jugoslawien und Frankreich, gewannen mit „Gyöngyhajú lány“ (eigentlich wörtlich: Perlenhaariges Mädchen) Preise beim Barbarella-Festival in Palma de Mallorca und beim Yamaha-Festival in Tokio.

Im Zusammenhang mit der Preisverleihung veröffentlichte die japanische JVC das Stück als Single. Da allerdings nicht die ganze Gruppe nach Japan flog, wurde die Single mit Hilfe japanischer Studiomusiker eingespielt – als Interpret wies die Plattenhülle „János Kóbor und die halbe Omegaband“ aus.
Nur wenige Rockfans heute wissen, dass damals Omega auch andere Musiker inspirierte.

Die Melodie von „Gyöngyhajú lány“ (von Omegas LP „10000 Lépés“) wurde Anfang der 70-er Jahre in der DDR zu Frank Schöbels „Schreib es mir in den Sand“. Und auch die Scorpions hatten sich für ihren Welthit „White Dove“ bei diesem Omega-Song bedient.

Im April 1971 verließen Gábor Presser und József Laux die Band und gründeten die Supergroup Locomotive GT. Auch die Texterin Anna Adamis, mittlerweile Ehefrau von Laux, schrieb fortan für diese Band. Bei Omega stieg als Texter dafür Kóbors Schulfreund Péter Sülyi ein. Für Drummer Laux kam Ferenc Debreceni. Fast logisch, dass dann auf der 72-er LP „Elö Omega“ ein Song „Hütlen barátok“ (Untreue Freunde) enthalten war.

Das Erscheinen dieser LP war in dieser Weise eigentlich nicht geplant. Denn ursprünglich nahm Omega das Album „200 évvel az utolsó háború után“ (200 Jahre nach dem letzten Krieg) auf. Das aber wurde zensiert, wohl vor allem, weil die düstere Zukunftsvision von rein funktionalen Menschen („Schöne neue Welt“ und „Metropolis“ lassen grüßen!) im Titelsong den ungarischen Kultur-„Oberen“ nicht ins Konzept passte.

Stattdessen nahm die Band in Eigeninitiative eben das Album „Elö Omega“ auf – die LP mit dem berühmten Aluminium-Cover. Der Titel der LP („elö“ heißt auf deutsch „lebendig“, aber auch „live“) ist dabei doppeldeutig: Außer der Tatsache, dass es sich hier um einen Tournee-Mitschnitt handelt, demonstriert Omega mit der LP-Benennung, dass die Band trotz der Trennung von Presser und Laux weiterspielen („-leben“) wird – von da an viele, viele Jahre bis heute. Doch das ist dann eine völlig andere Geschichte...

Mathias Bäumel

Wie die „Tonne“ zur Trompete kam

2009-12-09T14:17:00.024+01:00

Von Wiesław Dymny bis Jürgen Haufe – kleine Geschichte des „Tonne“-Logos

(Das Tonne-Logo, wie es heute bekannt ist, hier bei einem Konzert der Band Mauger im März 2009. Foto: Matthias Creutziger)

Krakau Mitte der fünfziger, Anfang der sechziger Jahre – dort lebte der Maler, Plastiker, Grafiker, Dehbuch- und Textautor Wiesław Dymny. Der initiierte noch als Kunststudent 1956 in einem historischen Gemäuer des Stadtzentrums das Kabarett „Piwnicy pod Baranami“ (etwa „Keller unter den Lämmern“). Als eine der zentralen Künstlerfiguren Krakaus war er auch dabei, als ebenfalls 1956 auf der St. Markusstraße 15 der schnell berühmt werdende Jazzklub „Helikon“ gegründet wurde – der erste reguläre in Polen überhaupt.

Dieser Wiesław Dymny schmückte die Wände des „Helikon“ mit fantasievollen, surrealistisch wirkenden Fresken, mit witzigen Pinselzeichnungen. Das Wandbild über dem Türgewölbe zeigte ein imaginiertes Kombinationsinstrument in der Art eines Wolpertingers, das Piano, einen Pianisten und eine dominante, übergroße Helikon-Tuba in sich vereint. (Das Helikon, auch Helikon-Tuba, ist eine Tuba-Bauform, die in Europa sehr häufig das amerikanische Sousaphon ersetzte und somit bei vielen Oldtimejazz-Kapellen des Alten Kontinents zum Einsatz kam.)

(Von Wiesław Dymny selbst aufgenommenes Foto im „Helikon“-Jazzklub, im Hintergrund das surrealistisch wirkende Fresko, vorn Gründer des Klubs. Quelle: diapzon.pl)

Gäste im Klub, der sich schnell von einem Oldtime-Klub zu einem Brennpunkt moderner polnischer Jazzentwicklung mauserte und der bis 1969 existierte, waren unter anderem Krzysztof Komeda, Tomas Stanko, Adam Makowicz, Janusz Stefanski und viele weitere Vertreter des damaligen zeitgenössischen Jazz Polens, auch der Bassist und spätere Jazzpromoter Jan Byrczek.

Erinnerungen, Eindrücke und Verhältnisse an, von und in diesem Jazzklub der ersten Stunde hat erst kürzlich der Publizist Grzegorz Tusiewicz unter dem Titel „Krakowski Jazz-Klub Helikon 1956 - 1969 - Wspomnienia, impresje, relacje“ veröffentlicht. Die Buchtitelgestaltung zeigte ein – allerdings in Richtung Trompete stilisiertes – Helikon ebenfalls von Dymny. Die Metamorphose des Helikons zur Trompete entsprach der Entwicklung im „Helikon“-Klub hin zur Dominanz des zeitgenössischen Jazz, war, wie Beobachter vermuten, vielleicht sogar von der Charismatik des faszinierenden Trompetenspiels des jungen Tomas Stanko im Klub „Helikon“ beeinflusst.

1963 gründete Byrczek, zunehmend Organisator als Bassist, auf der Basis eines bereits vorhandenen Jazzklub-Zusammenschlusses die Polnische Jazzgesellschaft (Polskie Stowarzyszenie Jazzowe - PSJ), die sich schnell zur größten europäischen Jazzorganisation entwickelte.
Das dadurch in rasantem Tempo bekannt werdende PSJ-Logo mit der Trompete schuf, wie Grzegorz Tusiewicz versichert, wiederum Wiesław Dymny.

Im selben Jahr hatte Byrczek das polnische Zweimonatsmagazin „Jazz Forum“ ins Leben gerufen. Für DDR-Jazzfans war diese Zeitschrift – anfangs englisch-, dann für eine gewisse Zeit sogar auch deutschsprachig – die einzige gut erreichbare Jazz-Fachpublikation und entsprechend weit verbreitet. Durch ihre Nähe zur Polnischen Jazzgesellschaft enthielt fast jede Ausgabe mehrfach das PSJ-Trompeten-Logo. Zusätzlich war es im „Jazz Forum“ üblich, mit Vignetten, Rubrik-Grafiken und lustigen Cartoons zu arbeiten. Fast alle nutzten sie grafische Formen von Trompeten, die abgewandelt und stilisiert wurden. Sogar groteske Titelgrafiken mit witzigen Trompetenumwandlungen gab es. Insofern prägte sich auch unter den DDR-Jazzfreunden die Trompete als grafisches Symbol für modernen Jazz ein.

Das Bewusstsein von der Trompete hinterließ auch in Dresden Spuren – nämlich bei der Entstehung des allerersten Logos der IG Jazz. „Als wir uns sicher waren, dass wir in die Kellergewölbe der Ruine des Kurländer Palais hinein durften“, erinnert sich Frank W. Brauner, der Gründer der IG Jazz Dresden, „zeichnete ich den Namenszug in Kombination mit der Tonnen-Form des Gewölbes auf.“ Brauner weiter: „Die Idee mit der Trompete kam mir wegen der Trompete im Logo der Polnischen Jazzgesellschaft.“ Ins Reine gezeichnet habe das Ganze dann Klaus Burkhard. Das war 1979. „Die ersten, jetzt noch vorhandenen Aufkleber mit unserem damaligen Logo spendeten die Mountain Village Jazzmen aus Hamburg“, erinnert sich Brauner weiter.

(Postkarte des Jazzkellers mit dem Logo der damaligen IG Jazz im Vordergrund links. Im Hintergrund das damals noch aktuelle Logo des Kulturbundes der DDR, zu dem die IG Jazz gehörte. Foto: Archiv Tonne)

Später dann, etwa in der Mitte der achtziger Jahre, erhielt der Dresdner Künstler und Jazzfreund Jürgen Haufe, ohnehin Stammgast bei Konzerten der IG Jazz, den Auftrag, ein neues, frisches, konzentrierter wirkendes Logo unter Verwendung der Idee der gewölbten Tonne zu entwickeln.

(Das erste, meist rot-blau ausgeführte Haufe-Logo für die „Tonne“ wurde ganz überwiegend auf den damaligen DIN-A5-Programmzetteln genutzt.)

Formaler Anlass war wohl ein kleines Jubiläum 1986, der bevorstehende fünfte Jahrestag des Einzuges der IG Jazz in die tonnenförmigen Gewölbekeller unter der Ruine des Kurländer Palais. Aber vor allem auch die Tatsache, dass sich umgangssprachlich der Begriff „Tonne“ eingebürgert hatte, sollte in einem neuen Logo seinen Niederschlag finden.
Haufe nutzte – natürlich! – die Trompete, verband sie zeichnerisch frech und schwungvoll mit dem „O“ des Wortes „Tonne“ und abstrahierte das Gewölbe durch einen einfachen Bogen. Ein kleines, handgepinseltes „Jazz“ wies bis zum Februar 1991 darauf hin, dass die „Tonne“ kein Rock- oder Countryklub war.

Mit dem Jubiläumsprogramm im März 1991 (zehn Jahre IG Jazz im Kellergewölbe des Kurländer Palais“) änderte man den genre-bezogenen, aber wenig aussagekräftigen Begriff „Jazz“ im Logo in den präzisierenden Begriff „Jazzclub“. Damit trugen die „Tonne“-Mitglieder der Tatsache Rechnung, dass sie sich nun nach der Wende als eingetragener Verein unter dem Namen „Jazzclub Tonne“ konstituiert hatten.

(Das zweite Haufe-Logo für die „Tonne“ wurde meist schwarz-weiß auf hellem, einfarbigen Grund gedruckt und überwiegend für die einfach gestalteten Monatsfaltblätter - hier ein Ausschnitt mir der damaligen „Tonne“-Adresse - genutzt.)

Als die „Tonne“ im Frühjahr 1997 ins Dresdner Waldschlösschengelände umzog, wurde der Begriff „Jazzclub“ zugunsten einer besseren grafischen Klarheit völlig weggelassen, das Logo kam nun ohne verbale Erklärungen aus, wirkte so zeichenhafter und schlagkräftiger.

Zwar meinten manche damaligen Umzugsgegner, der Verein sei nach dem Umzug nicht mehr „ihr“ Jazzclub, deswegen fehle nun dieser Begriff zu Recht auch im Logo, aber die eigentliche Ursache für diese Reduktion war eine andere.

Abgesehen von einer grafischen Begründung (ein gutes Logo ist zeichenhaft und reduziert) lieferte Jürgen Haufe schmunzelnd die inhaltliche Erklärung: „Wenn in der Szene des zeitgenössischen Jazz in Europa Tonne gesagt wird, weiß jeder, dass damit dieser ganz spezielle Dresdner Klub gemeint ist. Und wenn jemand in Europas Szene von zeitgenössischem Jazz spricht und dabei nach Dresden fragt, wird zur Antwort immer Tonne kommen. – Wozu also noch verbale Ornamente?“

Dies war – nach der Insolvenz des alten „Tonne“-Vereins im Dezember 2000 – den Gründern des Jazzclubs Neue Tonne Dresden ebenfalls bewusst. Sie ließen das Logo in Zusammenhang mit dem Begriff „Tonne“ beim Deutschen Patent- und Markenamt am 23. Januar 2002 als eigene Wort-Bildmarke eintragen.

Seither steht die freche, von einem Bogen umfasste Trompete, die den Schriftzug „Tonne“ zusammenhält, für „die“ Tonne, für den Dresdner Jazzclub innovativer, zeitgenössischer Jazz- und Improvisationsmusikkonzerte.

Die Einführung eines neuen Logos im November 2010 wird hier diskutiert.

Mathias Bäumel

Evan Ziporyn und Gianni Gebbia mit Solo-Aufnahmen für Klarinette und Saxofon

2009-11-20T13:39:00.006+01:00

(Foto: pixelio/Britta Schlüter)

CD-Tipp: Was haben die CDs „This Is Not A Clarinet“ (Cantaloupe Records 2002 - Evan Ziporyn), „H Portraits“ (Rastascan Records 1998 - Gianni Gebbia) und „Arcana Major/Sonic Tarots Session“ (Rastascan Records 2001 - ebenfalls Gianni Gebbia) gemeinsam? Es sind CDs, die ausschließlich Solo-Stücke enthalten, für Bassklarinette, Klarinette, Altsaxofon und Sopransaxofon.

Sämtliche drei CDs mit Klarinetten- bzw. Saxofon-Solomusik wurden schon vor einiger Zeit veröffentlicht – aber warum sollte man stets nur auf Brandaktuelles reagieren, wenn man doch im CD-Regal immer wieder auch auf Faszinierendes aus der (jüngeren) Vergangenheit stößt?

Auf SCHÖNE TÖNE werden die drei CDs vorgestellt.

Vor zehn Jahren, am 6. Oktober 1999, starb die große Amália Rodrigues, die Königin des Fado

2009-10-07T15:21:00.009+02:00

Amália Rodrigues (Foto: Teia da Língua Portuguesa)

Rückblende: 1989 feierte die berühmte Amália Rodrigues unter der Anteilnahme des gesamten portugiesischen Volkes ihre 50jährige Bühnenpräsenz. Große Künstler wie Federico Fellini, Mário Vargas Llosa und Sophia Loren gratulierten ihr dazu, anlässlich des Jubiläums wurde in Portugal damals eine großzügig ausgestattete 8-er-CD-Box herausgebracht. Nach ihren letzten grandiosen Konzerten in New York und in Lissabon 1990 hatte sie bis zu ihrem Tod noch weitere vereinzelte, stets umjubelte Auftritte.

Amália, wie sie überall liebevoll und ehrerbietig genannt wurde, hat während der über fünfzig Jahre auf den Bühnen der Welt etwas geschafft, was sonst nur ganz wenige Künstler zuwege brachten: Sie wurde nicht nur zur künstlerischen Nationalheldin Portugals - im Kultstatus wahrscheinlich nur noch hinter Pessoa und Camões -, sondern ihre Ausstrahlung und ihr Wirken brachten den Fado - eine nur in Portugal beheimatete städtische Kunstliedform meist melancholischen Charakters - hinaus in die Welt. Angesichts der wirtschaftlichen und sprachlichen Übermacht englischer und amerikanischer Popmusik eine unglaubliche Leistung. Die ganze portugiesische Nation sei Amália zu Dank verpflichtet, hieß es 1990, als die Künstlerin die höchste staatliche Auszeichnung Portugals, das Große Kreuz des Ordens von Santiago de Espada, überreicht bekam.

Amália wird heutzutage von Kritikern in einem Atemzug wie die Callas, Bessie Smith, Edith Piaf oder Ella Fitzgerald genannt. Ihr Einfluss auf die portugiesische und zunehmend auch auf die europäische Musikkultur ist kaum zu überschätzen. Wenn seit etwa zehn Jahren die Sängerin Misía mit ihrer Mischung aus portugiesischem Fado und französischem Chanson die europäischen Metropolen erobert, ist das ohne das, was Amália Rodrigues an Repertoire und künstlerischen Maßstäben geschaffen hat, undenkbar. Auch die Erfolge von Bevinda, einer Sängerin, die Fado-Wurzeln mit zarter Popmusik verbindet, und von Teresa Salgueiro, der Sängerin der bedeutendsten Band Portugals, Madredeus, wären ohne Amálias Wirken unmöglich. Amália beförderte das Entstehen und die Ausbreitung einer anspruchsvollen Fado-Hochkultur, die das portugiesische Musikleben und das, was die Portugiesen musikalisch leben und fühlen, prägt. Sängerinnen wie Beatriz de Conceição, Maria da Fé und Lenita Gentil oder auch die jüngeren Cristina Branco, Ana Moura, Mariza und Katia Guerreiro führen heute die klassische Fadista-Tradition fort.

Als ureigenste Musikschöpfung Portugals gehört der Fado weder zur authentischen Volksmusik noch zur Klassik. Er ist eine mündlich überlieferte, lebendig gebliebene hochkünstlerische Stadtmusik, die einzige, die Europa noch hat. Die Herkunft des Fado ist umstritten. Manche sagen, Fado stamme von Zigeunergesängen aus dem uralten Lissabonner Stadtviertel Alfama ab, andere meinen, Seeleute hätten diese Liedkunst vor zweihundert Jahren aus Brasilien eingeführt. Der Geist des Fado wird von allen gleich beschrieben - durch das sogenannte Saudades, das portugiesische Klagegefühl der uneingelösten Sehnsucht nach Liebe und Geborgenheit.

Amália Rodrigues beschreibt Fado so: „Wir Portugiesen hatten viel zu beklagen, denn wir waren hier, wo keiner hinkommt, wenn man nicht will. Unser Land grenzt an Spanien, sonst an nichts, nur das gefährliche Meer. Und so waren wir stets mit Schwertern und Kriegen und dem Meer beschäftigt, und wir gingen hinaus auf hohe See, also haben wir lange gelitten. Und dies ist eine Klage, und Fado ist ein Klagelied.“

Amália wurde irgendwann im Juli 1920 geboren. Sie sang - auch bei Wettbewerben - schon als Kind. 1939 holt sie José Soriano, Geschäftsführer des berühmten Lokals Retiro da Severa, in sein Haus. Innerhalb von wenigen Wochen avanciert sie zur lokalen Berühmtheit. Mit einem umjubelten Konzert 1943 in Madrid beginnt ihre internationale Karriere. Als sie dann 1956 im L´Olympia, dem berühmtesten Variététheater von Paris, auf der Bühne steht, ist ihr legendärer Ruf besiegelt. Seitdem gehört sie weltweit zu den Publikumslieblingen. Doch sie wird nicht nur in den romanischsprachigen Ländern gefeiert. Sogar das fernöstliche Japan findet Gefallen an ihrer Musik. Anscheinend berührt ihre Interpretationskunst so unmittelbar, dass Sprachbarrieren keine Hindernisse sind. Amália eröffnete dem Fado neue Horizonte. Ihre Auftritte, in denen sie immer ganz in schwarz gekleidet erschien, haben Geschichte gemacht. Ebenso verblüffte ihre hohe Verzierungskunst, die an maurische Einflüsse erinnert. Von ihrer Persönlichkeit ließen sich hochkarätige Komponisten und Dichter inspirieren, die ihr eine ganze Reihe von neuen Stücken schrieben.

Einsamkeit,
bevor die Sonne verschwindet wie ein verlorener Vogel.
Einsamkeit...
Werde ich dir auch Adieu sagen?
Das ganze geheime Leben ist wie ein Stern,
wie ein Stern in diesen Aschen,
bevor die Sonne verschwindet.
Einsamkeit.

Amália war wie eine Heilige vor allem für die Armen, für die sie sich regelmäßig mit Hilfsprojekten einsetzte. Obwohl sie während der Salazar-Diktatur offiziell als regierungsnah galt, spendete sie damals illegal immer wieder Geld für die kommunistische Partei. Amália Rodrigues starb am 6. Oktober 1999 im Alter von 79 Jahren.

Zehntausende nahmen von ihr in der Basilica de Estrela in Lissabon Abschied. Der damalige europäische TV-Sender EURONEWS übertrug über mehrere Stunden die Trauerfeier live. Der portugiesische Präsident ordnete drei Tage Staatstrauer an, der laufende Wahlkampf wurde eingestellt. Amália wurde auf dem Friedhof Lissabon-Prazeres beigesetzt. 2001 überführte man ihre sterblichen Überreste in das Lissaboner Pantheon Nacional in der Kirche Santa Engrácia, eine Ehre, die ihr als erster und bisher einziger Frau zuteil wurde.

Amálias Sarkophag in der Kirche Santa Engrácia, dem nationalen Pantheon Portugals. (Foto: M. B.)

In der Rua de São Bento in Lissabon befindet sich das ihr gewidmete Museum Museu Fundação Amália Rodrigues. Ihr Leben und ihre Musik sind Thema des Musicals Amália, das 2002 uraufgeführt wurde.

Jazzclub Neue Tonne Dresden hat mit Steffen Wilde einen neuen Geschäftsführer

2009-09-30T14:51:00.004+02:00

Der Jazzclub Neue Tonne Dresden hat mit Steffen Wilde (Jahrgang 1964) ab 1. Oktober 2009 einen neuen Geschäftsführer.

Der bisher in Halle/Saale tätige Wilde veranstaltet seit 1980 Konzerte mit zeitgenössischem Jazz. Er sammelte Erfahrung seit 1992 im Studentenklub Turm in Halle, war dort bis 2004 künstlerischer Leiter der Konzertreihe Turm Jazzclub. Später übernahm er die künstlerische Leitung der Konzertreihe Take 5 im Objekt 5, Halle. Von 1994–2003 war Steffen Wilde künstlerischer Leiter des Internationalen Moritzburg Jazzfestivals in Halle.

Seit 1997 betreibt er mit großem Erfolg die Künstleragentur Subtone Concerts, die zeitgenössische Jazzmusiker aus den USA, Japan, Österreich, der Schweiz und Skandinavien an mitteleuropäische Klub- und Festivalveranstalter vermittelt. Steffen Wilde soll die „Tonne“ nicht nur kaufmännisch, sondern vor allem auch künstlerisch leiten.

M. B.

Grafikdesign und Jazzclubwerbung – Überlegungen zu einem umstrittenen Thema

2009-09-15T15:40:00.014+02:00

Jazzclubatmosphäre. (Foto: Jazzclub Neue Tonne Dresden)

Werbung haben sie alle nötig – die großen Kulturveranstalter wie die kleinen Jazzclubs. Aber wie wirbt man richtig? Wie wirbt ein Jazzclub als kleiner Veranstalter mit kleinem Budget trotzdem erfolgreich? Das Thema ist kompliziert und umstritten – nachfolgend ein paar Anmerkungen zur Gestaltung von Programmheften und -faltblättern, Plakaten und Anzeigen.

Vorüberlegung – Warum machen Unternehmen Werbung?

Die Antwort auf diese Frage ist nicht ganz so einfach wie im ersten Moment vermutet.

Natürlich werben sie, um ihre Produkte möglichst gut zu verkaufen. So weit klar – wenngleich auch in diesem anscheinend selbstverständlichen Punkt der Teufel im Detail liegt...

Aber Unternehmen werben auch, um Steuern zu sparen.

Und sie werben, um in der Öffentlichkeit ihre Unternehmensidentität mittels eines Corporate Designs zu schärfen, zu profilieren. Potenzielle Kunden oder Käufer sollen besser wissen, was, welche Leistungen und Produkte, manchmal auch welche Arbeitsweisen sie vom Unternehmen erwarten können.

Deshalb versuchen Unternehmen, sich selbst oder ihre Produkte zu „Marken“ zu entwickeln. Die damit zusammenhängenden Überlegungen münden zwangsläufig in das Bestreben, der künstlerischen Qualität, Kreativität und Originalität eine größere Rolle zuzumessen. An dieser Stelle kann, ja: muss Werbung zu Kunst werden.

Auf solche Weise prägen Unternehmen im ständigen Kampf um das Erreichen ihrer Firmenziele die visuelle Kultur unserer Gesellschaft mit.

Wenn Kulturveranstalter werben

Auf Kulturveranstalter treffen diese Überlegungen ganz besonders zu; das Bewusstsein, dass sie immer auch mitverantwortlich für die visuelle Qualität des Alltags sind, sollte bei ihnen deutlich ausgeprägt sein.

Gemeinnützige Vereine oder Staatsbetriebe erwirtschaften im Normalfall – anders als kommerzielle Agenturen und Veranstaltungshäuser – keine finanzielle Gewinne, die Frage des Steuersparens steht bei ihnen somit nicht. Da sie aber wesentlich mit „fremdem“ Geld von Förderern und Sponsoren arbeiten, sind sie in spezifischer Weise einem Erfolgsdruck ausgesetzt. Und die in den gemeinnützigen Vereinen unentgeltlich wirkenden Kulturenthusiasten wollen als „Lohn“ für ihr aufreibendes Ehrenamt wenigstens den Erfolg ihrer Veranstaltungen sehen – künstlerisch und in Besucherzahlen.

Printwerbung kleiner Kulturveranstalter

Warum also machen kleine Kulturveranstalter Werbung? Auch das ist nicht ganz so leicht zu beantworten wie im ersten Moment vermutet.

Natürlich werben sie, um viele Besucher zu ziehen. Allerdings: Die Werbewirkung der herkömmlichen Printmedien wie Monatsprogramme und Plakate ist bisher nicht wirklich untersucht. Während große Agenturen und Veranstaltungshäuser viel, viel Geld in eine flächendeckende Printwerbung stecken und auf diese Weise versuchen, auf „Nummer sicher“ zu gehen (nach dem Motto: Irgend etwas bleibt wohl bei jedem hängen...), steht den kleinen Kulturveranstaltern schon aus finanziellen Gründen dieser Weg nicht offen. (Besonders für sie ist Werbung mit eigenen Websites und E-Mail-Rundbrief unverzichtbar, denn sie kostet fast nichts, kann sofort auf Programmveränderungen reagieren und nutzt das Medium, das dem Publikumsnachwuchs am vertrautesten ist.)

Weil aber Werbung mit gedruckten Monatsprogrammen oder Plakaten richtig Geld kostet, suchen die kleinen Veranstalter händeringend nach Antworten auf die Fragen, wohin und wie Monatsflyer etwa verteilt werden sollten und wie sie gestaltet werden müssen, damit sie wirken.

Groß, grell, provokant – hilft das wirklich?

Es erfordert viel Mühe und gegebenenfalls viel Geld für eine entsprechende Studie, diese Fragen befriedigend zu beantworten.
Zusätzlich erliegt man schnell der Gefahr, mit wahrnehmungspsychologischen Schnellschüssen zu problematischen gestalterischen Lösungen für die Printwerbung zu gelangen. Groß, grell, provokant – solche Formensprachen sind längst nicht immer geeignete Mittel, mit denen man Aufmerksamkeit erregen und danach noch potenzielle Interessenten wirklich ins Konzert kriegen kann.

„Worauf ein Betrachter seine Aufmerksamkeit lenkt, wird ihm durch die verschiedenen Sozialisationspraktiken seines Kulturkreises wie beispielsweise die Erziehung eingeprägt“, erklärt die Forschung, so erst 2005 Hannah-Faye Chua (Universität von Michigan, Ann Arbor) in einer Studie „From the Cover: Cultural variation in eye movements during scene perception“.

Auch die kulturelle Bewertung der sichtbaren Gestaltungselemente ist abhängig von den verschiedenen Sozialisationssystemen und Subkulturen.

Klar, dass dies nicht nur auf die verschiedenen großen Kulturkreise zutrifft, sondern auch in spezifischer Form auf die vielen kleineren kulturellen Subsysteme.

So gilt beispielsweise die Schwarzweiß-Fotografie im Jazz-, Theater- und Konzertmusikbereich noch viele Jahre nach der Einführung der Digitalfotografie und des preiswerten Farbdruckes als wertvolles, adäquates künstlerisches Gestaltungsmittel, während sie in anderen Bereichen als langweilig oder gar unangemessen bewertet wird.

Eine ganze Reihe von extra entworfenen Schriften – exemplarisch sichtbar an der sich verändernden Titelschriftmarke der einstigen Techno-Zeitschrift „Frontpage“ – stehen symbolhaft für die Techno-Kultur, wie der Typografieprofessor Friedrich Friedl mit seinem Text „Buchstaben in Bewegung. Die Typografie der Techno-Generation“ ausführlich darstellte; in anderen musikkulturellen Zusammenhängen würde die Nutzung dieser Schriften und Gestaltungsweisen als deplaziert empfunden werden.

Mit anderen Worten: Was für den Einen „gepflegte Langeweile“ hervorruft, ist für den Anderen Professionalität, was auf den Einen provokant wirkt, ist für den Anderen Selbstverständlichkeit, was für den Einen missverständlich wirkt, ist für den Anderen in der Aussage glasklar – je nachdem, in welchen ästhetischen Zeichensystemen sich die Beteiligten zuhause oder angesprochen fühlen.

Printwerbung für den Jazzclub – aber wie?

Als Jazzclub mit seiner Printwerbung zu versuchen, Aufmerksamkeit in allen kulturellen Subsystemen – beim Rock- wie beim Volksmusikpublikum, unter den Freunden der zeitgenössischen Konzertmusik ebenso wie bei den Soul-, Blues- und Funkfans, bei den Chansonliebhabern wie bei den Freejazzfreunden – zu erzeugen, indem man die diversen Adressatengruppen jeweils in ihren spezifischen visuellen „Sprachen“ anspricht, ist ein hoffnungs- und sinnloses Unterfangen (würden doch zum Beispiel die Volksmusikfreunde sehr schnell merken, dass es sich um Jazz, nicht um Volksmusik handelt). Dies gilt noch stärker für die Bevölkerungsgruppe der allgemein Uninteressierten, für die man noch nicht einmal eine spezielle visuelle „Sprache“ feststellen kann.

Wenn also kleine Kulturveranstalter – auch Jazzclubs – schon Geld für Printwerbung ausgeben, obwohl sie eigentlich nicht wissen, wie und wie erfolgreich bestimmte Grafikgestaltungen bei wem wirken, so tun sie das ganz besonders auch, um vor der Öffentlichkeit, vor dem potenziellen Publikum, ihr eigens Profil, ihr eigenes Image zu schärfen. Sie tun es, um sich als Marke zu profilieren.

Wo „Jazzclub Neue Tonne Dresden“ drin ist, sollte die Werbung auch so gestaltet sein, dass dies erkennbar ist – und unter der Marke „Tonne“ symbolisiert sein.

„Jazz“ gibt’s in vielen Formen und überall – von Dixieland über Swing, von Fusion und Blues bis Free, von Crossover bis Cool, veranstaltet von kleinen Klubs bis zu Opern, von Kaufhäusern bis zu Agenturen, von Theatern bis zu Volksfesten.

Sowenig wie eine Semperoper für „Oper“, ein Staatsschauspiel für „Theater“ und ein Beatpol für „Rock“ werben, so wenig wäre es sinnvoll, wenn der Jazzclub Neue Tonne Dresden für „Jazz“ werben würde und erst in zweiter und dritter Linie mühselig erklärte, um welchen Jazz es sich denn handelt. Nein – die Einrichtungen sind zu recht bemüht, als eine Marke mit einem bestimmten, durchaus ausdifferenzierten Inhalt wahrgenommen zu werden und darüber an ihr Publikum zu gelangen.

„Zeichen setzen“ – Club ist als „Marke“ besser erkennbar

Klar ist, dass die Markenprofile sich immer wieder mal wandeln. Das veränderte visuelle Gesicht des Staatsschauspiels Dresden unter neuem Intendanten ist ein Beispiel dafür – wenn auch nicht gerade eins für gutes grafikdesignerisches Gelingen. Der neue Intendant bringt eine andere Programmatik mit, und dies soll durch ein anderes „Gesicht“ des Theaters verdeutlicht werden.

Vor allem der Beatpol Dresden, der Independent-Rockclub im Osten Deutschlands, zeigt, dass die Sache mit der „Marke“ funktionieren kann. Ohne sich vordergründig als „Rock“ zu rubrizieren, hat er sich ein Profil aufgebaut, dessentwegen das Publikum fast automatisch kommt, sogar ohne großen Werbeaufwand.

Klubs jedoch, die sich überwiegend den zeitgenössischen und experimentellen Musikformen widmen, verfügen nicht annähernd über ein so großes Publikumsreservoir wie ein Independent-Rockclub.
Sie müssen deswegen besondere Anstrengungen in der Werbung – vor allem auch in der Marken-Profilierung – unternehmen. Sie müssen weithin wahrnehmbar „Zeichen setzen“ – im doppelten Sinn: inhaltlich durch ihre Veranstaltungstätigkeit und werbegrafisch durch ihr bemerkenswertes „Gesicht“.

Für die Entwicklung eines solchen „Gesichts“ bedarf es normalerweise eines Fachmannes und einiger gründlicher Überlegungen.

Die Kompetenz der Grafikdesigner herauskitzeln, nicht darauf verzichten

Demgegenüber wird die Kompetenz konzeptioneller Denker und vor allem guter Grafikdesigner immer häufiger geringgeschätzt. Viele Auftraggeber vertreten die irrige Meinung, sie könnten die Entwicklung eines solchen visuellen „Gesichts“ eigentlich selbst leisten. Also schreiben sie den auftragnehmenden Grafikdesignern die grafische Lösung häufig bis in Gestaltungsdetails hinein vor – mit schauerlichen und sogar schädlichen Ergebnissen.

Nicht jeder Grafiker wird solche undankbaren Aufträge ablehnen können. Befragt danach, wofür Grafikdesigner, wenn sie die Aufträge haben, denn eigentlich ihr Geld kriegen, antwortete ein europaweit mehrfach ausgezeichneter Grafikdesigner mit ironisch-resignativem Unterton: „Ich wag mal 'ne Antwort: Für widerspruchslose Erfüllung der Auftraggeberwünsche.“

Aber kleine Veranstalter sind auf jeden einzelnen Besucher angewiesen – und darauf, dass sie bei potenziellen Förderern und Sponsoren, aber auch beim Publikum als Marke deutlich erkennbar sind.
Gerade sie sollten bei der Konzeption ihrer Werbemaßnahmen nicht auf die Kompetenz von Fachleuten, vor allem Grafikdesignern, verzichten, sondern die Kompetenz der Grafikdesigner herauskitzeln.

Im Jazzbereich gab und gibt es immer wieder positive Beispiele, allerdings vorwiegend für Festivals, so die zu dessen Lebzeiten von Jürgen Haufe entworfene Gesamtausstattung der Leipziger Jazztage oder auch – aktuell – das Corporate Design des Jazzfestivals Saalfelden.

Jazzclubs dagegen tun sich schwer.

Mathias Bäumel

Sächsische Kulturstiftung gibt 2009 mehr Geld für Jazz als im Jahr zuvor

2009-08-11T10:01:00.006+02:00

Wie funktioniert die Klaviatur der sächsischen Jazzförderung? Trotz Aufstockung bleibt diese Musik ein Stiefkind: Im Jahre 2008 betrug der Anteil der Jazzförderung am Fördervolumen Darstellende Kunst/Musik lediglich etwa 7 Prozent. (Foto: Christian Seidel/pixelio)

Für die Förderung von Jazz und improvisierter Musik gibt die Kulturstiftung des Freistaates Sachsen im Jahre 2009 78.200 Euro aus. Das sind 9.000 Euro mehr als im Jahr davor. Regional gesehen sind dabei Leipziger Veranstalter die Gewinner – 2009 fließen 24.000 Euro mehr als noch 2008 in Leipziger Projekte, während Chemnitzer und Dresdner Projekte mit 15.000 Euro weniger als 2008 von der sächsischen Kulturstiftung gefördert werden.

In Dresden vorgenommene Einsparungen gehen vornehmlich zu Lasten innovativer und künstlerisch freier Projekte. So erhielt das Jazzwelten-Festival des Jazzclubs Neue Tonne weniger, das Festival Frei Improvisierter Musik der Blauen Fabrik überhaupt keine Förderung. In Dresden von einer Kürzung verschont geblieben sind dagegen die eher auf konventionelle und mehrfach eingeführte Programmpunkte orientierten Jazztage Dresden der kommerziellen Agentur Grandmontagne.
Jedoch profitieren in Leipzig gerade innovative und künstlerisch freie Projekte von finanzieller Aufstockung und Umverteilung der Gelder der sächsischen Kulturstiftung.

Damit unterstützen diese Förderentscheidungen im Gegensatz zu den Intentionen der antragstellenden Dresdner Veranstalter die in der Öffentlichkeit vorgefassten Meinungen vom kreativen Leipzig und dem eher konservativen Dresden.

Auch das innovative, zeitgemäße Telekommunikationstechnik einbeziehende Improvisationsprojekt zur Chemnitzer Jazzakademie (B.I.G. Verein zur Förderung der musikalischen Bildung e. V.) erhielt keine Förderung, während das auf musikpädagogische Ziele und stilistische Breite orientierte Leipziger Improvisationsfestival des erst vor kurzem von Berlin nach Leipzig umgezogenen Deutschen Instituts für Improvisation e. V. sofort mit 8000 Euro gefördert wurde.

Im Jahre 2008 bearbeitete der Fachbeirat Darstellende Kunst und Musik 261 Anträge, davon wurde die reichliche Hälfte (139) mit einer Fördersumme von zusammen 1.031.623,65 Euro positiv beschieden.

Als Teil dessen ist die Förderung des Jazz und der improvisierten Musik verschwindend gering. Der Anteil der Jazzförderung am Fördervolumen Darstellende Kunst/Musik betrug 2008 lediglich etwa 7 Prozent. Im Jahre 2009, für das exakte Zahlen noch nicht vorliegen, „haben wir einen ähnlichen Zahlenkorridor“, wie der stellvertretende Stiftungsdirektor Dr. Manuel Frey sagt.

Der Fachbeirat Darstellende Kunst und Musik der Kulturstiftung des Freistaates Sachsen sichtet die eingehenden Förderanträge und erarbeitet für die jährlich zwei Förderperioden jeweils eine Empfehlung. Diese Empfehlung werde dann vom Vorstand „nahezu immer“, wie Frey erläutert, übernommen und zur Förderung beschlossen.

Die Mitgliedschaft im Fachbeirat läuft über drei Jahre, auch, „um Verkrustungen zu vermeiden, neues Wissen zu berücksichtigen und von neuen Sichtweisen profitieren zu können“, so Frey.

Der aktuelle Fachbeirat Darstellende Kunst und Musik, der auch die Jazz-Anträge der nächsten Förderperiode begutachtet, hat sieben Mitglieder, darunter vier Fachleute für Theater und Tanz sowie drei für Musik: den Leipziger Kirchenmusikfachmann Professor Christoph Krummacher, den Musikhistoriker und Schütz-Fachmann Professor Matthias Herrmann aus Dresden und den jungen Leipziger Komponisten Christian FP Kram.

(M. B.)

Johnny Gonzalez begeisterte am 29. Juli 2009 im Dresdner Blue Note

2009-07-30T11:35:00.005+02:00

Wie der Bolivianer Johnny Gonzalez am gestrigen 29. Juli 2009 im Dresdner Blue Note den Song „Autumn Leaves“ spielte, war sowohl künstlerisch beeindruckend als auch für die Piano-Kunst des südamerikanischen Jazz-Urgesteins aufschlussreich.

Der Song, 1945 von Joseph Kozma als Chanson „Les feuilles mortes“ nach einem Gedicht von Jacques Prévert komponiert, wurde erstmals 1946 von Yves Montand im Film „Pforten der Nacht“ vorgetragen. Johnny Mercer schrieb, inspiriert vom Schicksal einer in einem KZ ermordeten deutschen Jüdin, darauf einen englischen Text; der um die Welt gehende Jazzstandard „Autumn Leaves“ war geboren, ein für seine intensive Wehmütigkeit bekannter Song. Johnny Gonzalez interpretierte das Stück zwar traurig, aber kraftvoll, phasenweise energisch, in jeder Situation Sentimentalitäten vermeidend. Mit hartem Anschlag, Tempowechseln, motivischen Einschüben und Verschachtelungen sowie einem Spannung schaffenden Gegeneinander von melodischen Verzierungen und kargem thematischen Skizzieren gestaltete er eine Art Neugeburt dieser Komposition, die man lediglich wegen ihres tragischen Hintergrundes nicht unbedingt „Evergreen“ nennen sollte.

Noch weitere Blues- und Jazzklassiker wie „Summertime“ von George Gershwin, „Blue Monk“ von Thelonius Monk, „St. Louis Blues“ von W. C. Handy, vor allem aber noch „Caravan“ von Juan Tizol und Duke Ellington wurden vorgestern im Blue Note von Interpretationskonventionen befreit. Johnny Gonzalez nutzte die Harmoniefolgen der Stücke, um zunächst unbekannt scheinende Einleitungen zu skizzieren, die sich dann in rhythmisch und metrisch variable Durchführungen ergossen, wie Kaskaden von Melodie- und Akkordschwällen. Brillant, wie er zwischen Ragtime-, Tango- und Boogierhythmen changierte, wie er gleichzeitig Bass- und Melodieläufe in verschiedenen Tempi vortrug, wie er kurze melodische Signalsplitter in den harmonischen Ablauf einstreute – stets mit gnadenlos hartem Anschlag, präzise, manchmal sogar sperrig oder linkisch wirkend. Klischees bediente Gonzalez nicht, und auch die Verarbeitung lateinamerikanischer, sogar indianischer Melodien hatte nichts von El-Condor-Pasa-Gefühligkeit, dafür viel von prallem Leben, von wacher Raffinesse, von Eigenwilligkeit.

Kein Zweifel: Hier war ein Erzmusikant am Werk, der über Jahrzehnte Eigenes mit Einflüssen anderer Großer verwebt, der sowohl aus der Vielfalt lateinamerikanischer Musikkulturen als auch aus den Begegnungen mit bisherigen Spielpartnern wie Albert Mangelsdorff, Charly Byrd oder Elvin Jones schöpft. Johnny Gonzalez war ein Erlebnis.

(M. B.)

Raffinierte Creutziger-Fotos zum Kammerabend am 28. Mai 2009 in der Dresdner Semperoper

2009-05-26T20:17:00.007+02:00

Matthias Creutziger: Hutpuppe, 1930-er Jahre.

Der international renommierte Jazz- und Theaterfotograf Matthias Creutziger, seit einigen Jahren als Fotograf an der Dresdner Semperoper beschäftigt und seit langem auch dem Jazzclub Neue Tonne eng verbunden, trägt mit seinen künstlerischen Foto-»Porträts« von historischen Hutpuppen wesentlich zum Programm des 6. Kammerabends am 28. Mai 2009 (20 Uhr) in der Semperoper bei. Die Stücke »Metamorph I bis III« sind Improvisationen für zwei Perkussionisten (Perkussive Spielvereinigung: Dominic Oelze und Christian Langer), die extra für die auf den Bühnenhintergrund projizierten Fotos Creutzigers konzipiert sind. Dieses spezielle Miteinander von Fotos und improvisierter Perkussion geht auf eine Idee von Oelze und Langer zurück, die beide die fotografischen Qualitäten ihres Kollegen sehr schätzen.

Das vollständige Programm und Informationen zum Ticketbezug hier.

Burleske Töne vor der Gefahr

2009-05-14T14:51:00.005+02:00

CD-Tipp: Seit 1997 mit einer solchen spannend-zupackenden und gleichermaßen lyrisch-nachdenklichen Musik auf Achse, legt Saxofonist und Klarinettist Matthieu Donarier mit seinem Trio seine erste CD „Optictopic“ vor, die strukturell vielseitige Kompositionen Donariers präsentiert. „Wir möchten die größtmöglichen Kontraste erreichen, wir möchten dem Publikum wahre Geschichten erzählen, wobei das Szenario von einer andauernden Freiheit geprägt sein soll“.

Das Resultat ist Jazz vom Feinsten, sind Klänge voller Überraschungen!

Mehr über Matthieu Donariers CD „Optictopic“ bei SCHÖNE TÖNE.

„Byzantinum“ von Gábor Gadó – ein Fanal der Musikgeschichte

2009-04-23T16:45:00.016+02:00

Gábor Gadó am 19. März 2005 in Dresden zum JAZZWELTEN-Festival. (Foto: Dietrich Flechtner)

Unbeirrbar, der Mann, der Mahner, der Musiker. Gitarrist Gábor Gadó stellt seine ausufernde, bizarr und tiefsinnig wirkende Musik auch diesmal wieder in einen Kontext historisch übergreifender gesellschaftlicher Grunddiagnosen. Sein aktuelles Album nennt er „Byzantinum“, typografisch verändert mit verdrehtem „z“. „z“ ist der letzte Buchstabe des Alphabets – das Ende ist also verdreht, verkehrt, falsch.

Byzantinum oder Byzantium meint jene antike Ansiedlung am südwestlichen Ausgang des Bosporus, die wegen ihrer günstigen Lage zwischen 326 und 330 vom römischen Kaiser Konstantin I. als neue Hauptstadt des römischen Reiches umgebaut wurde („Konstantinopel“). Byzanz als Symbol für zivilisatorischen Neubeginn und gleichermaßen Fortsetzungspunkt einer menschlichen Entwicklung ins Verderben, als symbolischer Ort für den Beginn der sogenannten konstantinischen Wende, in deren Verlauf aus der einst staatlich diskriminierten und phasenweise blutig verfolgten christlichen Kirche eine zunächst geduldete, dann rechtlich privilegierte Institution und schließlich durch Theodosius eine Reichskirche wurde.

Die vexierbildartige Gestaltung des Art-Smart-CD-Covers Yasar Merals und Gábor Bachmans könnte auf diese konstantinische Wende verweisen, sie zeigt auf der einen Seite eine antike Jagdszene, auf der anderen eine bedrohliche Jesus-Szene; gerade letztere deutet durch die Teufelsfiguren darauf hin, dass das Böse nicht Feind, sondern Kind des Christentums ist – eine Auffassung, die man in der Gadó’schen Symbolik nicht nur einmal findet.

Der CD beigelegt ist ein fiktiv apokryphischer Text zur Apokalypse des 21. Jahrhunderts, extra von Miklós Dolinszky, dem sicher bedeutendsten ungarischen Musikwissenschaftler der Gegenwart, in alt-ungarischen Sprache für „Byzantinum“ geschrieben. Dolinszky: „Als Musikwissenschaftler, dem auch literarische Interessen nicht fremd sind, habe ich mich für ein sprachliches Spiel entschieden, das die Sprache der ersten ungarischen Bibelübersetzung aus dem 16. Jahrhundert paraphrasiert (einige konkrete Zitate aus dem Alten Testament und aus Henry David Thoreaus „Walden. Oder das Leben in den Wäldern“ mit einbezogen), und das, obwohl es in direkter Weise mit Gábor Gadós Musik eigentlich nichts zu tun hat.“

Auch dieser Text beginnt mit der Aussage, dass das Böse, der Teufel, eine Folge der menschlichen Selbstapotheose ist. „Denn indem man sich selbst als Gott wahrnimmt, sagt man auch, dass der Teufel in der Welt existiert.“ Und weiter erinnert das Fragment daran, dass die Abwesenheit des Bösen nicht identisch mit dem Guten, die Abwesenheit des Teufels nicht dasselbe wie das Göttliche sei. Und der apokalyptische Text endet mit der Beschreibung des menschlichen Zusammenlebens nach dem Armageddon: „Die Häuser, Straßen, Brücken und Hochhäuser waren zerstört worden und gemeinsam mit ihnen hatten sich auch die Staaten, Parteien, Firmen, Organisationen, Gremien und Institutionen aufgelöst, die nicht zuletzt die Mitmenschlichkeit zerstört hatten. Und die Menschen kamen einander wieder näher, nicht nur körperlich, sondern auch im Geiste: Denn die Mauern, die die Menschen in Gestein aufgebaut hatten, existierte längst auch in ihren Köpfen. Und jetzt gab es nichts mehr, was die Menschen trennte.“

So kommt es also nicht von Ungefähr, dass der letzte Titel der CD „Юродивий“ benannt ist. Das russische Wort bezeichnet einen Schwachsinnigen, einen Narren – auch in der Bedeutung eines Narren, der ungestraft die schreckliche Wahrheit sagen darf.

Da könnte man an Erasmus von Rotterdams „Lob der Torheit“ (1509) denken, für den „in der heilsamen Torheit die wahre Weisheit und in der eingebildeten Weisheit die wahre Torheit“ lag. Dabei sollte man jedoch nicht außer Acht lassen, dass das, was dann später Narrenfreiheit genannt wurde, keine Errungenschaft des Christentums ist. Das Recht, in der Kunst Charaktere darzustellen, die respektlos gegen Götter und Menschen sind, gab es schon in der Antike. Was später, seit der Renaissance, nur der „Narr“ (Hofnarr) durfte, ist Aufgabe jedes Denkers: Hinzuweisen auf den verkommenen Zustand der menschlichen Gesellschaft und Fingerzeige zu geben, woher das Übel rührt. Eine von Gábor Gadós Antworten: „Byzantinum“.

Es scheint folgerichtig, dass einzelne Titel der CD auf diesen bewusst geschaffenen Kontext Bezug nehmen. – Beispiele?

„Mirandola“ thematisiert Giovanni Pico della Mirandola (1463-1494), den großen, sehr früh verstorbenen Philosophen der Renaissance.
Mirandola war der erste Christ, der, ohne selbst jüdischer Abstammung zu sein, sich intensiv mit der Kabbalah befasste. In Rom wollte er 900 philosophische und theologische Thesen, die er verfasst hatte, öffentlich vor allen interessierten Gelehrten der Welt verteidigen. Er lud zu einem großen europäischen Kongress ein, der in Anwesenheit des Papstes und des Kardinalskollegiums stattfinden sollte. Sein Ziel war, eine fundamentale Übereinstimmung all jener philosophischen und religiösen Lehren aufzuzeigen, die letztlich alle im Christentum enthalten seien, und damit zu einer weltweiten Verständigung und zum Frieden beizutragen. Die für Januar 1487 geplante öffentliche Disputation fand jedoch nicht statt, denn Papst Innozenz VIII. setzte eine sechzehnköpfige Kommission ein, die die Rechtgläubigkeit der in den Thesen vertretenen Auffassungen prüfen sollte. Mirandola war nicht bereit, vor der Kommission zu erscheinen. Nach heftiger Debatte kam die Kommission zu dem Ergebnis, dreizehn der Thesen seien häretisch und sollten daher verurteilt werden. Die Musik Gábor Gadós spiegelte die dramatische Dynamik des Geschehens, die sich aufschwingende Hoffnung, Wendungen hin zu Zweifeln, Attacken der Gefahr, das aufbrechende Licht des Optimismus und den Sturz in die Tiefen der Niederlage wider – und dies in fünf Minuten und einundfünfzig Sekunden.

„Avicenna“ ist dem berühmtesten Philosophen und Naturwissenschaftler „des Islam und vielleicht aller Zeiten“ (George Sarton), Abū Alī al-Husayn ibn Abdullāh ibn Sīnā (980-1037), gewidmet – gestaltet mit sanften Saxofon-Gitarrre-Unisono-Läufen, (wahrheits)suchend, tastend, ...

Das Titelstück schließlich vermittelt im Ensemblespiel von Klarinette, Bassklarinette, Bass, Drums eine stakkato-artige Heiterkeit, die – nun auch kommt Gadós Gitarre ins Spiel – zu quirligen, lebendigen Verlockungen und Zweifeln führt, um im Duo von Saxofon und Gitarre einen Drachentanz zwischen Bedrohung und Verheißung zu gestalten – das Ende bleibt offen.

Gábor Gadós „Byzantinum“ – das ist kein Jazz. Das ist ein Fanal der Musikgeschichte.

Gábor Gadó: Byzantinum, BMC CD 137

Der Text von Miklós Dolinszky auf Deutsch in einer Grobübersetzung aus der alt-englischen Version hier.

„Erstbgegnung“ mit Savina Yannatou im Neuen Sächsischen Kunstverein Dresden

2009-04-20T13:26:00.005+02:00

Savina Yannatou. (Foto: PR/Johanna Diehl)

In der seit längerem laufenden, vom Dresdner Schlagzeuger Günter Baby Sommer künstlerisch geleiteten Konzertreihe „Erstbegegnungen“ des Neuen Sächsischen Kunstvereins kommt es am 22. April 2009 (20 Uhr) zu einem Duo-Konzert mit Savina Yannatou, Griechenland, und Günter Baby Sommer.

„Die Welt steht Kopf, wenn Savina Yannatou mit einem kurzen Obertonintro das sardische Volkslied Ballo Sardo einleitet, um es fünf Minuten später in einer quietschend-jazzigen Kakophonie ausklingen zu lassen und gleich darauf hinter die orientalische Melodielinie eines libanesischen Wiegenliedes avantgardistische Polyphonie legt!“ – Die Yannatou ist eine namhafte Interpretin der klassischen Weltmusik, mit überragender Ausdrucksvielfalt in ihrer Stimme lässt sie jedes Lied zum Erlebnis werden.

Professionell singt Savina Yannatou seit 1979. Ihr künstlerisches Spektrum ist sehr breit: Sie tritt mit Werken moderner griechischer Komponisten auf und ist ebenso Interpretin von Werken der Vorklassik. Seit 1983 arbeitet sie mit dem Studio für Alte Musik zusammen, führt mit diesem Ensemble Werke des Mittelalters, der Renaissance, des Barock auf historischen Instrumenten auf. Sie komponierte Musiken für Tanz, Theater und Videowerke.

Besonders hervorgetreten ist Savina Yannatou allerdings mit ihren eigenen CDs, die sie meist gemeinsam mit ihrer Band „Primavera En Salonico“ herausgebracht hat – die letzten drei beim renommierten Münchner ECM-Label, darüber hinaus viele beim griechischen Lyra-Label.

Günter Baby Sommer, Dresdner Perkussionist und Schlagzeuger von Weltgeltung, kommt vom freien europäischen Jazz her, zu dessen maßgeblichen Protagonisten er seit dem Anfang der siebziger Jahre gehört. Sommer hat sich weltweit auch dadurch Reputation erspielt, dass er zunehmend für Künstler anderer Gattungen und Genres – für Schriftsteller, Schauspieler und auch Maler – zum kongenialen Musik-Partner wurde.

„Seit etwa 25 Jahren schon begegnen wir uns bei Festivals, wir sind also längst miteinander bekannt, aber noch nie haben wir mit einander musiziert“, erzählt Sommer. „Und jetzt kommt es zu einem gemeinsamen Konzert-Projekt“. Ein Perkussionist, der sehr auf Singbares und Melodisches orientiert arbeitet, und eine Sängerin, die firm in der Musik des gesamten Mittelmeerraumes und vertraut mit vielen Zeitepochen ist – von einer solchen „Erstbegegnung“ kann man sich vieles erhoffen.

Mehr über Savina Yannatou hier.

M. B.

Eintritt für Nichtmitglieder: 7 Euro.

Neuer Sächsischer Kunstverein e.V.
St. Petersburger Straße 2/Akademiestraße
01069 Dresden

Die 35. Freiberger Jazztage haben internationale und nationale Musiker von Rang im Programm

2009-04-14T15:35:00.008+02:00

Spielt am 24. April 2009 mit seinem Trio + Sergej Starostin in Freiberg: Wladimir Wolkow. (Foto: Jekaterina Kusmina)

Der Faun feiert Ende April seinen 35. Geburtstag. Dieses Jubiläum nimmt er zum Anlass, um es richtig krachen zu lassen: Die 35. Freiberger Jazztage bieten ein Großaufgebot an internationalen und nationalen Jazzmusikern von Weltrang!
Das Rahmenprogramm für die große Feier beginnt schon am 18. April: Die Fotoausstellung „Jazz und Fotografie“ von Bernd Mast wird in der Petrikirche eröffnet.

Am Donnerstag, dem 23. April beginnen dann die „wirklichen“ Festspiele. Gemäß der Tradition der Jazztage beginnt die Geburtstagsfeier klassisch. Unter der Leitung von Jan Michael Horstmann trifft die Mittelsächsische Harmonie auf die Band „percussion-posaune leipzig“. „Beethoven meets Jazz“ verspricht, selbst die hartnäckigsten Klassikfreunde auf die Jazzschiene zu bringen, um sie auf das kommende Wochenende vorzubereiten. Der typische Big Band Charme und ein ausverkauftes Konzert werden garantiert.

Am Freitag um 20 Uhr beginnen dann die Hauptkonzerte im Theater. Arrival Tour, ein deutsch-amerikanisches Duo werden gemeinsam mit Manfred Hering am Saxofon und dem Stepptänzer Sebastian Weber das Publikum zum Staunen bringen. So flott, frech und trotzdem virtuos hat sich Jazz schon lange nicht mehr angehört! Das Volkov Trio aus Russland übernimmt den musikalischen Staffelstab. Mit der Unterstützung des Jazzstars und Sängers Sergej Starostin schaffen die vier russischen Musiker eine Verbindung zwischen Jazz und russischer Folklore, die selbst im tiefsten russischen Winter für heiße Töne sorgen. Vladimir Volkov ist in seinem Land ein Gott am Kontrabass - Starostin ein Virtuose der Stimmbänder. Wer Russland musikalisch einmal „anders“ erleben möchte, für den ist der Freitagabend ein Pflichttermin!
Um den ersten Tag beschwingt ausklingen zu lassen, tritt danach das SAX Quartett Dresden auf. Dieses Ensemble verjazzt jeden Song, der nicht niet- und nagelfest ist.

Auch für die kleinen Jazzfans ist wieder gesorgt: Anatolis musikalischer Zirkus lädt am Samstag um 10.30 Uhr in die BiB ein und bietet für Jung&Alt ein musikalisch-artistisches Programm zum Mitfiebern.
Um 17 Uhr lädt der weltbekannte Jazzpianist Chris Jarrett dann zu einem Sonderkonzert in das Stadt- und Bergbaumuseum ein. Selbst die wenigen Nichtkenner werden um ihn keinen Bogen machen können: Mit einer einzigartigen Mischung aus Klassik und modernem Jazz will Chris Jarrett nicht nur zum intensiven Zuhören sondern zum Erleben der Musik anregen. Als Inspirationsquellen nennt er u.a. Sergej Prokofiev, Charles Mingus und Frank Zappa.

Nach einer kurzen Verschnaufpause geht es dann um 20 Uhr im Mittelsächsischen Theater gleich weiter mit dem Ohrenschmaus. Niederländische Jazzmusik ist für den Großteil der deutschen Ohren noch jungfräuliches Neuland. Dabei haben unsere Nachbarn keinen Grund sich zu verstecken. Das deutsch-niederländische Quintett „Borderhopping“ zeigt an sich selbst, wie perfekt Rhythmusgruppen und Bläser zusammen agieren können. Dabei springen die fünf Musiker immer wieder über die Grenzen von zeitgenössischem und Fusion Jazz. Großartige Improvisationen treffen auf leidenschaftliche Melodien. Höhepunkt der Feierlichkeiten am Samstag stellt das „Composers United Ensemble“ dar. Die Idee hinter dem Projekt ist es, Jazzmusik durchzukomponieren: Jazzmusiker gelten sehr oft als grandiose Improvisationskünstler, ihr kompositorisches Talent wird dabei oft vergessen. Die Partygäste erwartet hier „Jazz mit orchestralem Sound“.
Danach lädt Jörg Hegemanns zu einer Fahrt mit dem Boogie-Woogie-Express ein. Die Gäste werden angehalten, das Tanzbein zu schwingen und die Nacht zu genießen.

Wer am nächsten Tag die nötige Kraft und einen starken Magen hat, kann sich von Blue Alley die Müdigkeit beim Dixielandfrühschoppen im „Fuhrmann“ wegpusten lassen.

Für die Spätaufsteher gibt es am Nachmittag noch das Abschlusskonzert der Jazztage. Sevda Azeri ist in ihrem Heimatland, Aserbaidschan, bereits ein Star. Mit ihrem Jazzensemble möchte sie die musikalische Tradition ihres Landes neu aufleben lassen und in die ganze Welt hinaustragen.

Die IG Jazz Freiberg (Sachsen) lädt alle Musikliebhaber zum Jubiläum der Freiberger Jazztage ein.

(Gert Schmidt)

Der aus Weimar stammende Dichter, Musiker und Architekt Paul Thomas Bierau ist tot

2009-04-08T08:28:00.002+02:00

Wie die Thüringische Landeszeitung vom 8. April 2009 meldete, verstarb der Dichter, Musiker und Architekt Paul Thomas Bierau in der Nacht zum 5. April im Alter von 50 Jahren. Bierau war Gründungsmitglied des Kunstvereins Apolda Avantgarde und Mitglied der Literarischen Gesellschaft Thüringen, die ihn als eines ihrer kreativsten und unkonventionellsten Mitglieder und als vitalen, lebensfrohen Dichter in Erinnerung behält: „Unvergessen sind seine fantasievollen, Genregrenzen überschreitenden Darbietungen zeitgenössischer amerikanischer Lyrik. In seinen Texten bekannte er sich zur Poesie des Alltags, zu Kneipen und Erotik.“ Bierau hatte noch viel vor: Für den 22. April plante er die Premiere seines Bauhaus-Programms „Hoppla, wir leben“.

Bierau trat bei seinen eigenen Programmen und darüber hinaus auch gemeinsam mit Jazz- und Bluesmusikern auf, so gleich zweimal vor einem reichlichen Jahr im Jazzclub Neue Tonne Dresden.
Am 8. März 2008 hatte er gemeinsam mit Charles Sammond das Programm „Allen Ginsberg: 50 Jahre ›Geheul‹ – Lyrik und experimenteller Jazz“ gestaltet und am 27. März 2008 musizierte er im Rahmen des Jazzwelten-Festivals im Bärenzwinger in Michael Lenhardts Bluesrock-Band.

Fado-Erlebnisse im herbstlichen Lissabon - Erinnerungen an Novembertage

2009-04-07T09:04:00.014+02:00

Nächtlicher Blick von der Burg über die Stadt und den Tejo, im Hintergrund bläulich angeleuchtet als Pünktchen Cristo Rei, die die Stadt segnende, 28 Meter hohe Christus-Figur vor der Brücke „Ponte 25 de Abril“.

Nacht in Lissabon. Wer dächte da nicht an Fado? An jenen kunstvollen, häufig melancholisch wirkenden Gesang, der nur in Portugals Hauptstadt und – in abgewandelter Form – in der alten Universitätsstadt Coimbra zu finden ist?

Mit der polternden Kult-Elektrischen Nummer 28 geht es von der berühmten Aussichtsterrasse Miradouro Santa Luzia, in den Augenwinkeln der lichterfunkelnde, dunkle Tejo, hinunter durch die geometrisch wirkende Unterstadt bis hinauf zum Largo do Chiado, wo Fernando Pessoa als Bronzefigur vor dem bekannten Café Brasileira sitzt. Einige zig Meter weiter beginnt das Schlendern durch die engen, aber lebhaften Gassen des Viertels Bairro Alto, das voller kleiner Geschäfte, Cafés, Bars und Discos, Tanzschuppen und Fado-Clubs ist. Aufpassen ist angesagt – hier sind viele der Fadokneipen überteuert, und es gibt einen ständigen Kampf des Türpersonals um die Touristen. Gerade außerhalb der Hochsaison schallen die Rufe „Mister! Come in, we have a great and unforgetable Fado program!“ aus allen Türen – vor denen stehenzubleiben, und sei es auch nur, um die Speisekarte zu studieren, ziemlich riskant ist. Wer sich einmal im Innern eines solchen Lokals wiederfindet, darf zwar wirklich professionellen Fado-Gesang („fado profissional“) erwarten, aber nicht selten sind, zumindest außerhalb der Saison, viele Tische verwaist, die Atmosphäre wegen der gähnenden Leere wenig inspirierend. Der Bairrada-Wein im „O canto do Camões“ war gut, das Kalbsschnitzel ebenso, und die Sängerinnen Alzira Canede und Idalia Maria, ganz besonders aber José Luis boten schöne, inbrünstige Fados – aber was nutzte das angesichts der sechs Gäste in einem – wie üblich mit Azulejos prachtvoll gefliesten – Restaurant für achtzig Leute?

Dass in diesem Viertel Anfang November um jeden Gast gekämpft wird, leuchtete uns schnell ein... Aber irgendwie ein Teufelskreis... Weitere, bekanntere Lokale im Bairro Alto wie „Café Luso“, „A Severa“, „Adega Machado“ oder „A faia“ sind offenbar in einer ähnlichen Situation.

Anders wirkt die nächtliche Atmosphäre zwei Tage später in der Alfama. Im „Esquina de Alfama“, einer winzigen, volkstümlich-rustikalen Gaststätte ganz in der Nähe des noch jungen Fado-Museums, wird Fado Vadío geboten, dass heißt, jeder darf singen, der sich dazu berufen fühlt – und die Atmosphäre war göttlich, die Kneipe war krachend voll, die Luft vibrierte. Ein langer, dürrer, blonder Schlaks sang hingebungsvoll, trieb auch uns, die wir den Text nicht verstanden, die Tränen in die Augen, Inhaber und Sänger Lino Ramos, der umtriebige Macher dieses Ladens, stieg mit ein und riss zu Beifallsstürmen hin, die sofort aufbrandeten, kaum dass ein Lied zuende ging. Hinterm Tresen die silberhaarige grande dame des Hauses, Ivone Dias. Ob sie denn heute abend auch noch singe, fragte ich sie. Leider nein, kam zur Antwort, und Ivone lächelte unergründlich und mit niedergeschlagenen Augen, verbeugte sich, leider nein, denn sie sei heiser, und zur Bekräftigung klopfte sie, die Arme über die Brust gekreuzt, elegant mit Zeige- und Mittelfinger auf den Kehlkopf. Sie sei sehr gerührt von meinem Wunsch, ausgerechnet sie singen zu hören, und dafür sei sie mir sehr dankbar. „But because you can’t listen to me singing live tonight I give you this CD – especially for you!“ Und dann signierte Ivone die CD, versah sie mit einer Widmung und überreichte sie mir feierlich. – Nun, gegen Mitternacht, als die Zeit der (Ab)Rechnung nahte, fand ich die CD mit 15 Euro berechnet... Ungläubig las ich diese Summe, denn ich hatte angenommen, es wäre ein Geschenk... Dann schüttelte ich den Kopf und sagte, auch zum eigenen Trost: „Geschickt angestellt hat sie es ja...“

Erneut verblüfft war ich wenige Tage später, als ich daheim die Lissabon-Reise mit einem Merian-Führer nachbereitete. Dort las ich in dem Beitrag „Die Sucht nach der Sehnsucht“ über einen Besuch des Fado-Lokals „Fermentação“, ein Lokal, auf dessen Vorplatz Fado auch für die vor der Türe an kleinen Tischen sitzenden Gästen geboten wird, folgendes:
„Ana hatte während der Darbietung heftig mit meiner Begleiterin geflirtet. Nach ihrem Auftritt erkundigte sie sich nach ihrem Namen, schreibt eine Widmung auf eine CD und überreichte sie als Geschenk. Als wir die Rechnung begleichen, ist das Geschenk mit 30 Euro ausgewiesen – umsonst ist auch der schönste Fado nicht.“

Da bin ich ja noch billig weggekommen, dachte ich mir. Und, unsere Lissabon-Eindrücke noch im Hinterkopf: Wie muss es wohl gegenwärtig um den Fado bestellt sein?

Der portugiesisch-englischsprachige Fado-Führer Lissabons, „Roteiro de fado de Lisboa“ („Lisbon fado’s guide“ – Ausgabe November 2001, erhältlich im Fado-Museum auf dem Largo do Chafariz de Dentro), listet 50 Fado-Lokale auf, die meisten in den Stadtvierteln Bairro Alto und Alfama, aber auch in der Mouraria und in Madragoa sowie in weiteren Vierteln. Das Museum heißt offiziell „Casa do Fado e da Guitarra Portuguesa" (Haus des Fado und der portugiesischen Gitarre).

Ecstasy Project und Sing Sing Penelope – verbunden durch Interesse für Lyrisches

2009-03-04T18:59:00.020+01:00

Rafal Gorzycki (Foto: PR/R.G.)

Auf der Suche nach dem eigenen Ausdruck, nach der Musik, mit der man sich wohl fühlt und eins ist, die aber – wie sich manchmal herausstellt – von der Außenwelt als etwas Spezielles, Unübliches, Besonderes empfunden wird: Perkussionist und Komponist Rafal Gorzycki aus Polen fühlte sich am Ende der neunziger Jahre zwar von Steve Coleman und den M-Base-Sachen oder Miles Davis angeregt, aber sein 1998 neugegründetes „Ecstasy Project“ ließ von Anbeginn weit mehr als bloß das Stapfen in den großen Fußspuren der Überamerikaner erkennen.

Schon damals verstand Gorzycki es, eine im Sound magisch-rockig wirkende Gitarre mit der aggressiven Kraft einer sirrenden Violine und seinem luftig-energischen Drumming so zu verbinden, dass man auch beim zweiten Hinhören Vorbilder nicht sofort benennen konnte; die Musik der ersten Ecstasy-Project-CD hatte, bis auf den letzten Titel „Look“, wenig von Blues und Soul, sondern viel von der Zerklüftetheit europäischer Stadtkulturen.

In veränderter Besetzung (neben Gorzycki am Schlagzeug noch der ab da als Stamm-Bassist fungierende Patryk Węcławek, der Geiger Łukasza Górewicz und der Elektroniker und Flötist Tomasz Pawlicki, Erster Flötist der Nationaloper Bydgoszcz und einer der europäischen Top-Flötisten) präsentierte das Projekt nach einer Pause von etwa fünf Jahren mit „Realium“ eine dämonisch wirkende Musik, die Penderecki-artige Klangteppiche, Minimal Music und Trip Hop mit fragil-jazzigen Perkussionsmustern verband. Vielleicht auch mitgeprägt vom Interesse, das Gorzycki mittlerweile für die Ästhetik des ECM-Labels und für europäische Kammermusik des 20. Jahrhunderts entwickelt hatte. „Ich höre seither eigentlich kaum noch Jazz, sondern so gut wie nur noch Klassik und Kammermusik, und um Inspirationen zu bekommen, sowieso nicht. Da habe ich meine eigene Sprache gefunden“, sagt Rafal Gorzycki.

Wenn auch die weltweit führende Internet-Jazzplattform Allaboutjazz diese Scheibe als wegweisend empfahl – in Deutschland wurde sie kaum wahrgenommen.

„Ich arbeitete über ein Jahr an diesem Album“, sagt Rafal Gorzycki, „und ich hatte die Absicht, eine Art von Melancholie zu beschreiben. Ich legte Visionen frei, die während meines Aufenthaltes auf dem Lande aufschienen. Das ist europäischer Jazz, wie ich ihn mag.“

Diese Musik verdeutlichte ein ausgeprägtes Faible Gorzyckis für melancholische, weit gebogte Melodien und zarte, präzise geschlagene Rhythmen. Die beiden ersten CDs gemeinsam machten aber vor allem auch klar, dass Rafal Gorzycki ein Ensemble-Mensch ist, dass er willens und in der Lage ist, sich durch ein von ihm zusammengestelltes Ensemble auszudrücken.

Diese kreative Fähigkeit nutzt Rafal seither konsequent – einerseits durch die Weiterentwicklung seines Ecstasy-Project-Konzeptes, andererseits im Rahmen seiner Arbeit mit seiner Jazzband Sing Sing Penelope. „Was beide Ensembles miteinander verbindet“, betont Gorzycki, „ist das gemeinsame Interesse an der lyrischen, romantischen Seite von Musik generell.“

Im Unterschied zum Ecstasy Project, für das ausschließlich Gorzycki komponiert und das von ihm allein geleitet wird, beteiligen sich sämtliche Mitglieder von Sing Sing Penelope an der Entstehung der Stücke und führen das Ensemble als Kollektiv. Die Gruppe gründete sich 2001; wie das Ecstasy Project handelt es sich auch hier um ein Zusammenschluss von Musikern, die eng an den Klub „Mozg“ (dt.: „Hirn“) in Bydgoszcz gebunden sind, den eine internationale Zeitschrift als einen der kreativsten Orte der letzten Jahre bezeichnet haben soll.
Auch bei Sing Sing Penelope vergingen ein paar Jahre bis zu den Aufnahmen der ersten CD („Sing Sing Penelope“, aufgenommen Mitte 2004, veröffentlicht 2005), im Mai 2006 folgte dann „Music for Umbrellas“, im Februar 2008 schließlich erschien „We remember Krzesełko“.

Die Musik auf allen drei CDs besticht durch „Luftigkeit“ im Sound, durch kollektive Improvisationen, die auf Klangflächigkeit und lyrisches Flair orientiert sind, und durch ein dynamisches, ausgeprägt melodisches Ensemblespiel, wenngleich Melodien häufig partikularisiert werden und erst aus einem Gesamteindruck heraus zur Wirkung kommen. Vor allem in die Musik der 2008-er Scheibe mischen sich häufiger elektronische Klänge, die entfernt an Trip Hop oder an sphärische Elektronikmusik mit Melancholie-Klima erinnern.

Ausgeprägt zeitgenössisch jazzig, immer wieder durchsetzt von freieren Improvisationen, wirkt die aktuelle Einspielung „Stirli People – in Jazzga“, bei der der Trompeter Andrzej Przybielski als Gast mitwirkt.
Unter polnischen Musikern gilt Przybielski als einer der größten Trompeter Europas, in Deutschlands Jazzöffentlichkeit hat er sich bisher trotz einiger Auftritte kaum einen Namen gemacht.
Älteren eingefleischten Fans aber ist er bekannt durch sein Spiel auf den 1972 erschienenen Alben „Niemen Vol. I“ und „Niemen Vol. II“. Dort bestach er – gemeinsam mit Helmut Nadolski am Bass – durch sein atmosphärisches Spiel. Andrzej Przybielski war an über dreißig auch internationalen Aufnahmen beteiligt, aber unter seinem eigenen Namen hat er bisher keine einzige Platte veröffentlicht. Mit seinem Spiel voller Schattierungen und motivischer Einfälle sowie seinen kompositorischen Beiträgen auf der aktuellen SSP-Scheibe unterstreicht Przybielski, dass eine eigene CD nach Jahrzehnten exquisiter Musikantenarbeit längst fällig wäre.

Für Sing Sing Penelope ist dieses Gemeinschaftsprojekt ein Gewinn, erhält die Band doch neue Impulse; jetzt schon wirkt die SSP-Musik lebendiger und befreiender denn je.

Unterdessen bereitet Rafal Gorzycki die Premiere eines neuen Solo-Projektes vor: „Trio Poems“. Gemeinsam mit Dawid Szczesny und Krzysztof Nowinski erschafft der polnische Ausnahmekünstler Klänge für menschliche Stimme, Electronics und Perkussion zu Dichtung des 20. Jahrhunderts.

Übrigens: Die letzten beiden CDs des Ecstasy Projects („Europae“ und „Reminiscence Europae“) zeigen verschiedene Detailaufnahmen des Viaduc de Millau, der längsten und höchsten Schrägseilbrücke der Welt in Südfrankreich. Dieses faszinierende Bauwerk befindet sich auf der A75 von Paris nach Barcelona auf dem Abschnitt von Clermont-Ferrand nach Béziers 5 km westlich der französischen Stadt Millau. Die Brücke überspannt das Tal des Tarn. - Vielleicht sagt dies mit seiner Symbolkraft etwas über Rafal Gorzyckis Kunst als „Musiker, der zwei Welten überbrückt“ aus - unabhängig von der Ästhetik, die die Fotos vermitteln mögen.

Mathias Bäumel

Viaduc de Millau (Foto: Michael Bittdorfer)

PS.: Gorzycki tritt mit Sing Sing Penelope und dem Ecstasy Project am 27. März 2009 in Dresden zu einem Doppelkonzert beim JAZZWELTEN-Festival auf.

Für alle, die von den Konzerten des Contemporary Noise Quintetts (CNQ) / Sextetts begeistert waren: Mit Tomek Glazik, Wojtek Jachna und Patryk Węcławek musizieren drei der CNQ-Mitglieder auch bei Sing Sing Penelope.

Pago Libres FAKE FOLK: The True Story Of Original Fake Folk Music

2009-03-03T14:29:00.007+01:00

Pago Libre (Foto: Mark Nussbaumer/www.pagolibre.com).

Pago Libre hat ein neues Programm, dessen Deutschlandpremiere zum JAZZWELTEN-Festival am 28. März 2009 in Dresden stattfindet. John Wolf Brennan macht auf dieses Programm neugierig:

Jeder der vier Musiker von Pago Libre steht in einer musikalischen Tradition; keiner von uns jedoch kann in seiner Familie einen archaisch jodelnden Bergbauern, Original Wiener Heurigensänger, chassidischen Klezmer-Geiger oder Balalaika spielenden Kosaken vorweisen. Mit einem Wort: Um unsere volkstümliche Authentizität ist es schlecht bestellt.

Wenn uns nun aber nach unseren Anfängen in der europäischen Kunst-, Kammer-, Pop- und Jazzmusik die Faszination exotischer Volksmusiken nachhaltig geprägt hatte? Wenn uns dadurch seit vielen Jahren eine volksmusikalisch inspirierte, musikantische Spielweise so ans Herz gewachsen war? Woher sollten wir unsere Authentizität nehmen?

Kann man Authentizität imitieren? Wenn ja, ist das Ergebnis jedenfalls automatisch genau das Gegenteil von authentisch. Nein, wir mussten uns unsere Authentizität schon selbst erarbeiten!
Also schritten wir zur Erschaffung unserer individuellen Volksmusik: Anstatt die Musik unserer Vorfahren zu ergründen, betrachteten wir unsere eigene musikalische Entwicklung (ja, wir sind alt genug, um gemeinsam auf fast 190 Jahre persönliche Musikgeschichte zurückblicken zu können!); anstatt die Melodien fremder Länder aufzuzeichnen, erforschten wir die Musik der weitgehend unbekannten Völker, die seit Jahrzehnten in unseren Eingeweiden, in unseren Herzkammern und unter unseren Schädeldecken hausen.

Da die so entstandenen Musikstücke in ihrem musikantischen Zugriff und ihren zwar komplexen, aber immer tänzerischen Rhythmen nicht selten an bereits existierende Folk-Stile erinnern, darf mit einigem Recht behauptet werden, Pago Libre spiele gefälschte Volksmusik, „Fake Folk“ also. Wir sagen: Es ist unsere persönliche Originalmusik, „Original Fake Folk“ gewissermaßen!
Natürlich ist „Fake Folk“ auch „Weltmusik“, global orientiert, allen Einflüssen offen – und gleichzeitig doch auch das Gegenteil davon, nämlich kompromisslose Individual-Musik.

Und schließlich ist es eine Volksmusik, deren Volk vorerst nur aus vier Personen besteht …
Original Fake, Individual Global, Volksmusik ohne Volk: paradox ist das in jedem Fall, aber soooo schön!!

John Wolf Brennan

Konzert zu den JAZZWELTEN Dresden hier.

Ein Fahrrad macht Musik

2009-03-02T14:58:00.007+01:00

„Es ist doch niederschmetternd“, sagt der eine zum anderen, „dass man immer wieder ausgerechnet mit dürftiger Musik finanziell erfolgreich ist... Da muss doch irgendetwas grundsätzlich schieflaufen.“ - „Naja“, murmelt der andere zur Antwort, „das kenne ich...“ ... Seine Worte versickern, er beginnt zu schweigen.

Und die Blicke schweifen in die Ferne.

Zu hören: nichts. Fast nichts. Nur ein leises, auf- und abschwellendes Zischeln der schwappenden Wellen, durchbrochen vom kaum wahrnehmbaren rhythmischen Quietschen eines Fahrrades, dessen Fahrer sich durch die Hitze des Uferweges quält.

Truffaz - von Entdeckungen keine Spur

2009-03-02T08:58:00.009+01:00

Ich habe einen sehr guten Freund. Der pflegt, wenn die Situation passt, immer mal wieder folgende Weisheit von sich zu geben: „Die einen sagen so, die anderen sagen so...“ Das traf wohl auch auf das Konzert von Erik Truffaz am 28. Februar 2009 in Dresden zu - wirtschaftlich ein guter Erfolg für den veranstaltenden Jazzclub Neue Tonne, musikalisch grenzte der Auftritt an seelische Grausamkeit. Eine von den Harmonie-Folgen her eindimensionale, um nicht zu sagen langweilige Musik, gebaut nach immmer denselben Wiederholungsmustern, ein Schlagzeuger, der dermaßen rumpel-pumpel trommelte, dass jedwede Differenziertheit auf der Strecke blieb (wie schlimm würde es um die französische Kulturnation stehen, wenn die Internetseite salzburg.com mit ihrer Behauptung wirklich recht hätte, Philippe „Pipon“ Garcia sei „zweifelsohne“ einer der besten Drummer Frankreichs) und ein Trompetenspiel, das sich mit Sound und Aufbau der Soli auf ein entindividualisiertes Durchschnittsmaß einpegelte. - Kurz: Mitwipp-Unterhaltungsmusik im Hiphop-Gewand, von Entdeckungen keine Spur. Und genau dazu sagen die einen „Hurrah!“ und die anderen „Buuuh!“ ...

Rudresh Mahanthappa - ein Visionär des Jazz

2009-02-23T15:58:00.008+01:00

Rudresh Mahanthappa. (Foto: PR)

Acht CDs, alle nahezu weltweit beachtet und teils mit Auszeichnungen geehrt, hat der 37-jährige Rudresh Mahanthappa bisher unter seinem eigenen Namen veröffentlicht, weitere neun CDs als Sideman, und in bis zu sieben Bandprojekten gleichzeitig ist er involviert. In den letzten sechs Jahren kam er immer auf vordere Plätze beim Internationalen Downbeat Kritiker-Poll „Rising Star - Alto Saxophone“ ein, im Jahre 2008 erreichte er da sogar den zweiten Platz.

Ist schon der feste Ton von Mahanthappas Altsax-Spiel beeindruckend, so besteht das Besondere seiner Kunst in der vielfältigen, immer neue Aspekte und Schattierungen umfassenden Verbindung zwischen zeitgenössischem Saxofon-Spiel und südindischer Musiktradition. Im Spannungsfeld von polymetrischer Musik in einer gleichbleibenden Tonart und Jazzimprovisationen mit anspruchsvollen harmonischen Entwicklungen über aufgelöste Metren bewegt sich Mahanthappas faszinierendes Schaffen.

Besonders die erst kürzlich hochgeehrte CD „Kinsmen“, eingespielt mit südindischen Musikern, und die CD „Apti“ der sogenannten Indo-Pak Coalition (neben Mahanthappa noch der Amerikaner Dan Weiss, Tabla, und der pakistanisch-amerikanische Gitarrist Rez Abbasi) verdeutlichen die exotisch klingende „indische“ Seite des wahnwitzigen Altsaxspiels Mahanthappas, während der Meister sich innerhalb des Trios Mauger (mit Mark Dresser, Bass, und Gerry Hemingway, Drums) am weitesten in die Richtung eines mehr linearen, hochambitionierten New Yorker Downtown-Jazz bewegt.

Weitere Veröffentlichungen zeigen, wie neugierig und forschergleich Mahanthappa die Möglichkeiten der musikalischen Zwiesprache mit seinem langjährigen künstlerischen Wegbegleiter, dem Pianisten Vijay Iyer, auslotet. Mehrere CDs unter dem Namen Iyers, eingespielt meist im Trio oder im Quartett, vermitteln bisher so nicht gekannte melodisch-rhythmische Spannungsfelder. Essenziell zeigt sich dies in der Musik der Duo-CD „Raw Materials“. „Ein faszinierender Blick in den einzigartigen musikalischen Dialog, der schon mit dem zwischen John Coltrane und McCoy Tyner verglichen wurde“, heißt es anlässlich der Neuauflage bei PI Recordings.

Was die CD „The Beautiful Enabler“ des Mauger-Trios angeht, so schreibt Clifford Allen im Internetportal „Bagatellen“, dass dieses Trio außergewöhnlich hörenswert sei, da es die Vielfalt der Möglichkeiten eines solch instrumental einfachen Trio-Zuganges aufzeige. Und einer der einflussreichsten Weblogs für zeitgenössischen Jazz schwärmt: „Und wieder ein wundervoll reiches Album, mit einer Menge musikalischer Ideen, Stimmungswechseln und kraftvoller Expressivität. Sehr empfehlenswert!“

Mahanthappa tritt am 28. März 2009 mit dem Trio Mauger zum Festival Jazzwelten 2009 in Dresden auf.

John Wolf Brennan: Familiäre Spuren aus halb Europa bündeln sich in seiner Biografie

2009-02-16T11:41:00.013+01:00

Der Musiker John Wolf Brennan, auch sportlich-alpinistisch fit, auf dem Großen Mythen, Schwyz. (Foto: Rolf Bösch)

John Wolf Brennan, Pianist und Komponist, ist seit etwa drei Jahrzehnten auf der europäischen und weltweiten Jazzszene aktiv. Martin Kunzler schreibt in seinem Jazzlexikon (rororo): „In ständigem kreativem Balanceakt zwischen Improvisation und Komposition hat Brennan einen eigenständigen europäischen Beitrag geschaffen.“

Das typisch „Europäische“ in Brennans Musik hat sicher auch damit zu tun, dass in John Wolf Brennans Biografie Spuren und Einflüsse verschiedener europäischer Kulturen in seltener Weise zusammenlaufen.

John Wolf Brennan wurde 1954 in Dublin in eine Musikerfamilie geboren. Seine Mutter Una Brennan war eine professionelle, klassische Sängerin, sein Vater Hans Wolf ein begnadeter Amateurpianist.

John Wolf Brennans Urgroßvater väterlicherseits, Carl Wolf-Fischer, wurde 1863 im sächsischen Jöhstadt an der tschechischen Grenze geboren. Sein Bruder hatte einen großen Fleischerladen im böhmisch-sudetendeutschen Karlsbad, und dort sind bis heute Verwandte nachgewiesen. Carl emigrierte zuerst nach Frankreich, dann nach einem Abstecher in die USA in die Schweiz, wo er in Sils im Engadin im Hotel Edelweiss sich vom Küchenbursche bis zum Hoteldirektor emporarbeitete. Von der Hotel-Küche aus sah er täglich den Piz Albana, und weil er sich ausrechnete, dass dies a) ein schöner Name und b) der Buchstabe im damaligen Telefonverzeichnis als erster aufscheinen würde, hat er die „Villa Köhler“, ein Hotel in Weggis, in „Albana“ umgetauft, nachdem er es 1896 übernehmen konnte.

Dessen Sohn Karl Wolf (1897-1952) und sein Enkel Hans-Peter Wolf (1923-1986) – der Vater John Wolf Brennans – haben es dann weitergeführt, und Johns Bruder Peter Wolf (nicht zu verwechseln mit dem Sänger der J.Geils Band oder dem Keyboarder von Frank Zappa) führt den Betrieb seit 1990 nun in vierter Generation.

In der Verwandtschaft John Wolf Brennans gibt es nach Deutschland noch weitere und sogar nach Schweden musikalische Brücken: Der Pianist, Komponist und Liedbegleiter Karl-Ulrich Wolf (1921–1957), der mit 36 Jahren früh verstorbene Onkel John Wolf Brennans, war designierter Direktor des Konservatoriums Stockholm, vorher längere Zeit in Stuttgart tätig, und, laut Hörfunkbeiträgen aus der damaligen Zeit, einer der ersten „westlichen Musiker“, die in der damaligen Sowjetischen Besatzungszone Konzerttourneen unternahmen. Wahrscheinlich ist, dass er ab 1947 auch in Dresden und Leipzig konzertierte.

John Wolf Brennan lebt mit seiner Frau Béatrice, einer Pianistin, und ihren drei Töchtern in einem neuen Haus in Weggis. Die Familie ist weitläufig mit dem Clan jener Brennans verwandt, zu der die berühmte Esoterik-Pop-Diva Enya gehört. John und Béatrice haben sogar eine ihrer drei Töchter nach Enya benannt – er könne zwar nichts mit dem „Weichspülersound“ von seiner entfernten Verwandten Enya anfangen, aber als Mensch „ist sie ein Original“, so John.

Was man sicher für John auch annehmen darf – nur kommt bei ihm seine vielfältige, intensive und ideenreiche Musik dazu, die – so könnte man meinen – halb Europa zum Klingen bringt.

Überzeugen kann man sich davon in der näheren Zukunft zum Festival JAZZWELTEN 2009 in Dresden – dort spielt John gemeinsam mit Arkady Shilkloper am Glockenspielpavillon des Dresdner Zwingers eine Weltpremiere und er tritt mit seiner Band Pago Libre auf.

John feierte am 13. Februar 2009 seinen 55. Geburtstag. Dafür hat er sich zusammen mit seiner Familie für eine Woche in die Berge zurückgezogen.

Fast alles über John Wolf Brennan hier.

Dresdens Jazz-Legende Günter Hörig gestorben

2009-01-19T10:52:00.008+01:00

Erst kürzlich, am 21. November 2008, gab Günter Hörig (l.) gemeinsam mit seinem Sohn Tobias ein Jazz-Konzert an zwei Klavieren. (Foto: Weinbergskirche Dresden-Trachenberge)

Der Jazzpianist, Komponist, Bigbandleiter und Hochschullehrer Günter Hörig ist tot. Er verstarb knapp 82-jährig am 17. Januar 2009. Mit Professor Günter Hörig verliert die deutsche Jazzszene einen ihrer profundesten Protagonisten der ersten Stunde, einen der fähigsten Jazzpädagogen und den wichtigsten Aktivisten für die Etablierung einer Nachkriegsjazzszene in Dresden.

Kaum ein Musiker hat in dem solchen Ausmaß wie Günter Hörig die Entwicklung des modernen Nachkriegsjazz in der DDR geprägt. Bereits 1947 hatte Hörig ein blutjunges Jazzsextett, als der Pianist 1952 die 1946 von Joe Dixie gegründeten Tanzsinfoniker übernahm, gab er damit gleichzeitig gemeinsam mit Gesinnungs- und Orchestergenossen den Startschuss für eine in jenen Jahren stilbildende Art des Jazzmusizierens in der DDR: Gespielt und in gewissem Maße somit auch propagiert wurden – damals zu Recht viel umjubelt, aber teils von den Kulturpolitikern beargwöhnt oder gar staatlichen Repressalien ausgesetzt – Swing und einige Jahre später auch gemäßigte Moderne in einem hochartifiziellen, konzertant anmutenden Gewand.

Günter Hörig begründete 1962 gemeinsam mit einigen „seiner“ Tanzsinfoniker und weiteren Mitstreitern an der Dresdner Musikhochschule die Fachrichtung Tanz- und Unterhaltungsmusik, aus der die heutige Fachabteilung Jazz, Rock, Pop hervorging. Das war deutschlandweit die erste Einrichtung, an der eine Vollausbildung Jazz, Rock, Pop mit Diplomabschluss angeboten wurde. Professor Rainer Lischka, Komponist, Musiktheoretiker, Arrangeur und selbst dem Jazz zugeneigt, betonte in seinem Rückblick anlässlich der offiziellen Verabschiedung auch Hörigs aus dem Lehrerteam der Musikhochschule vor zwei Jahren: „Akademische Erfahrungen fehlten damals gänzlich, so dass die Unterrichtsgestaltung, Lehrpläne und die dazugehörigen Stundentafeln erst entwickelt werden mussten. Das alles wurde mit viel Elan, Phantasie und Durchsetzungsvermögen geschafft. Dass dabei der Jazz immer an vorderster Stelle stand, ist vor allem Günter Hörigs Persönlichkeit und Autorität zu danken.“

Da Günter Hörig von Anfang an, zunächst als Student, dann als Lehrer, mit „seiner“ Dresdner Musikhochschule verbunden war, gingen Musikanten- und Lehrerleben Hand in Hand – für viele seiner Studenten eine glückliche Fügung. Auch als sich ab der Mitte der sechziger, Anfang der siebziger Jahre in der DDR das Spektrum der Stile und Spielauffassungen durch die Herausbildung von Freejazz und Jazzrock Schritt für Schritt zu verbreitern begann, stand Hörig unbeirrbar für den Grundsatz „Handwerk hat goldenen Boden“ – ein Prinzip, für das besonders Dresden und seine Musikhochschule bekannt wurde.

Wenn - um im Bereich des Jazz zu bleiben - zwei der wichtigsten Innovatoren des freien europäischen Jazz, Baby Sommer und Conny Bauer, ihr „Handwerk“ in den sechziger Jahren in Günter Hörigs Tanzmusikabteilung der Dresdner Hochschule erlernten, spricht dies für den Nestor des Dresdner Swingpianos und seine Kollegen.

Günter Baby Sommer: „Für mich ist mit dem Tode von Günter Hörig die für den frühen Dresdner Jazz wichtigste Person gegangen. Günter Hörig hatte sich nicht erst mit dem Aufbau und seinem Wirken an der Abteilung Tanz- und Unterhaltungsmusik der Dresdner Musikhochschule große Verdienste erworben, sondern schon in den fünfziger Jahren, als er entscheidend als freischaffender Jazzer zur Herausbildung einer Dresdner Jazzszene beitrug.“ Auch wenn, so Sommer weiter, Günter Hörig auf anderen stilistischen Gebieten als Sommer selbst unterwegs war, könne man nicht genug die innovatorische Leistung Hörigs der damaligen Zeit herausstreichen.

Stets fühlte sich Günter Hörig auch bis ins Alter hinein inmitten seiner Studenten – und zunehmend Absolventen – wohl, und denen machte es Spaß, mit dem Meister zu musizieren. Noch in den letzten Jahren standen Jüngere gemeinsam mit Günter Hörig auf Dresdner Bühnen und brachten Zuhörer „zum Kochen“. Immerhin: Das Dresdner Publikum wertschätzte, was Günter Hörig, der als Komponist nicht nur Jazz-Concertos, sondern auch Bühnen- und Filmmusiken geschaffen hat, mit einigen seiner ehemaligen Schüler an swingendem Modern-Bop-Feuerwerk so drauf hatte.

Günter Hörig hatte einst, Ende der vierziger, Anfang der fünfziger Jahre, persönlich erlebt, wie mit dem Orchester Heinz Kretzschmar eine Jazzband aus (pseudo-) politischen Gründen de facto aufgelöst wurde. Dass es ihm - sowohl als Hochschullehrer als auch als Orchesterleiter - in all den Jahren immer gelungen ist, „seinen“ Jazz in Dresden vor Anfechtungen zu schützen, ist sicher auch eines seiner Verdienste. Wenn Studenten heute John Coltrane, Peter Brötzmann, Thelonius Monk oder Cecil Taylor üben und Schlagzeug-Professor Baby Sommer weltweit zu den renommiertesten Perkussionisten zählt, sollte man auch an diese Art „Vorleistung“ Hörigs denken.

Mathias Bäumel

Mit Fermáta ist die weniger bekannte, aber beste Band des früheren „Ostens“ wieder aktiv

2009-01-08T16:29:00.031+01:00

Fermáta heute und in den endziebziger Jahren. (Foto: www.fermata.sk)

Mit Fermáta ist die nicht allzu vielen Fans bekannte, dessen ungeachtet aber beste Progressiv-Rock-Jazz-Band des früheren „Ostens“ seit einigen Jahren wieder aktiv. Gemeinsam mit dem mystischen, in seiner künstlerischen Eindringlichkeit weltweit unerreichten Czeslaw Niemen aus Polen und den schmissigen, weit ausholende Melodien, deftige Gitarrenriffs und die große Rock-Show-Gestik liebenden ungarischen Omega bildete die slowakische Band Fermáta mit ihrer kompositorischen, jazznahen Feinsinnigkeit, den rockjazzig-gitarristischen Qualitäten und ihrem künstlerischen Konzept, das sich Jahrzehnte dem herkömmlichen Rock-, Pop- und Jazzmarkt verweigerte, die große Dreiheit der Rockmusik hinter dem einstigen „eisernen Vorhang“.

Die seit 1973 existierende Band aus Bratislava war von Anfang ein Sammelbecken slowakischer Top-Rockmusiker. Chef und Gitarrist František Griglák kam von Pavol Hammels Band „Prudy“, der allerersten slowakischen Pop-Rock-Band überhaupt (Hit „Abrakadabra“), zu der auch Fedor Frešo, später dann Fermáta-Bassist, gehörte. Nachdem Griglák von 1971 bis 1972 mit seinem E-Gitarrenspiel den anfangs eher hausbacken-possierlichen Klassikrock-Sound von Collegium Musicum mit Spannung und Dynamik versehen hatte (er spielte Gitarre auf dem berühmten weiß-blauen Doppelalbum „Konvergencie“, auf dem auch Fedor Frešo mitgewirkt hatte) , gründete er 1973 gemeinsam mit Tomaš Berka seine Gruppe Fermáta. Frešo, bis Ende der siebziger Jahre der Standardbassist von Collegium Musicum, stieß dann 1980 dazu.

Griglák erinnert sich: „Ich verließ Collegium Musicum, weil meine Vorstellung von Musik sich von den Vorstellungen in der Band unterschieden, außerdem konnte ich mich mit meinen künstlerischen Ansprüchen gegen einen solch dominanten Solisten wie Marián Varga, den Chef und Keyboarder von Collegium Musicum, nicht durchsetzen.“ Und das wollte Griglák auf jeden Fall, denn sein musikalischer Horizont war viel weiter als der von Varga und nicht nur auf die bombastrockige Umsetzung von Barock- und Romantik-Mustern orientiert. „Fermata“ heißt Griglák zufolge „Bus- oder Straßenbahnhaltestelle“ auf italienisch, und im Hinblick auf den Bandnamen bedeute es „Stopp, wenn man mir als Musiker übel nachredet – bis hierher und nicht weiter! – Fermáta!“ Griglák, der sich damit offenbar auf die Verhältnisse innerhalb der Band Collegium Musicum bezog, machte ab da sein eigenes Ding!

Die Band hatte 1975 ein vielbeachtetes Debütalbum („Fermáta“), das Einflüsse von King Crimson und John MacLaughlin ebenso erkennen ließ wie eine Vorliebe für konzeptionell gestaltete Alben, eine Tendenz, die mit den darauf folgenden LPs noch viel deutlicher wurde. Entdecker, die sie selber waren und sind, machten die Musiker um Griglák und Berka Entdeckerisches zum thematischen Mittelpunkt ihrer Konzeptalben. Ent-Deckungen, also das Sicht-, Nutz-, Urbar- und Heimischmachen von bisher unbekannten Gefilden als musikkonzeptionelles Prinzip – das machte von Anfang an Fermáta zu etwas Besonderem.

Das zweite Album („Piesen z Hôl'“, 1976) unternimmt symbolisch und musikalisch Reisen durch slowakische Natur- und Brauchtumslandschaften, streunt durch einsame Täler und über letztmalig abgehaltene Märkte, besucht eine Hochzeit auf einer Bärenwiese und lauscht den klingenden Glocken des Städtchens Zvolen – alles selbstverständlich im harten Rockgewand, mit volksmusikantischen Elementen, die wie ferne Erinnerungen aufklingen, und jazzigen Improvisationen auf Top-Niveau.

Insbesondere mit ihrem dritten Album – „Huascaran“ (1977) – erreichte Fermáta einen Kultstatus wie kaum jemals eine weitere Band der früheren ČSSR. Die Band – seit jener Zeit im Volksmund als „Mahavishnu Orchestra des Ostens“ bezeichnet – brillierte mit einer ganz eigenen Stilistik, die man mit Begriffen wie Progressive Rock, Hard Rock und Jazz-Rock, aufgemischt und durchdrungen mit den melodisch-motivischen Essenzen slowakischer Folklore, umreißen könnte. Spätestens von dieser Platte an hatte Fermáta nicht nur ihre eigene Ursprungsband Collegium Musicum, sondern überhaupt sämtliche Art- und Prog-Rockbands inklusive Emerson, Lake and Palmer künstlerisch weit hinter sich gelassen! Allerdings – typisches Schicksal – von der westeuropäischen Öffentlichkeit völlig unbeachtet... »Huascaran« war eine außerordentlich beeindruckende Platte, voller Rockwucht und weit ausgreifender Melodien... Gewidmet ist das Werk einer tschechoslowakischen Hochgebirgsexpedition, die am 31. Mai 1970 am peruanischen Huascaran, dem mit 6768 Metern vierthöchsten Berg Südamerikas, tragisch endete: die 15-köpfige Bergsteigermannschaft wurde bei einem Bergsturz unter meterhohen Geröllmassen begraben. Entdecker-Thematik – diesmal tragisch.

Ent-Deckungen historischer Art bilden den thematischen Rahmen der LP „Dunajská Legenda“ (1980): Hier stehen mit Wlkina, Chotemir, Witemir, Unzat und weiteren jene altslawische Fürsten aus dem 9. Jahrhundert im Mittelpunkt, die wichtig für die Christianisierung des Gebietes zwischen dem Plattensee und der heutigen Slowakei vor der Landnahme durch die Ungarn waren – jedem dieser Ur-Slawen ist eine Komposition gewidmet, wobei das Gesamtwerk durch große stilistische Vielfalt besticht: von energetischem Jazzrock mit faszinierenden E-Gitarren-Improvisationen über lyrische, neo-romantische Passagen bis zu deftigem, intelligenten Funk und Art Rock ist alles dabei.

Um geografisch größere Zusammenhänge geht es auf der fünften Fermáta-LP „Biela Planéta“ (1980). Der weiße (nicht etwa blaue) Planet stellt die Erde als einen Ort dar, der noch unentdeckt und unerforscht ist („weiße Flecken“), die zupackende, abwechslungsreiche, teils songartige, immer mit faszinierenden Gitarren-Soli durchwirkte Musik ist denjenigen gewidmet, die in früheren Zeiten entscheidend mitgeholfen haben, aus dem weißen Planeten das zu machen, was er heute ist: unsere Erde. Es geht um die großen Entdecker James Cook, Vasco da Gama, Christoph Kolumbus, Ferdinand Magellan, David Livingstone und weitere.

Anfang der 80-er Jahre zeichneten sich Veränderungen ab. Griglák: „Wir fühlten uns damals unter Druck, weil unsere Musik für normale Hörer zu anspruchsvoll war.“ Mit der LP „Generation“ (1981) deuteten sich Veränderungen in Richtung Pop an – trotz des auf dieser Platte enthaltenen grandiosen Titels „Viňa Del Mar“, den die Band auch heute immer noch mit Erfolg spielt. Griglák weiter: „Von Anfang an sind wir in der Öffentlichkeit – nicht vom harten Kern unserer Fans – dafür kritisiert worden, dass wir nur instrumentale Stücke spielen.“ So wollte die Band damals etwas für sie Neues ausprobieren und spielte nun ein Album ein, das nach dem Allerweltsmuster „Rockgruppe inklusive poppiger Rockgesang“ gestrickt war – „ad libitum“ (1984), dessen Veröffentlichung František Griglák im Nachhinein für einen Fehler hält. Auch die folgenden Alben bis in die Mitte der 90-er Jahre hinein („Simile...“, 1991; und „Real Time“, 1994) konnten nicht die Qualität der früheren Fermáta-Werke halten.

Erst „X“ (1999), das 10. Album der Bandgeschichte, weckte wieder Hoffnungen, dass die Band an alte künstlerische Größe wieder anknüpfen könnte.
Schon seit Beginn der 80-er Jahre hatte es etliche Besetzungswechsel bei Fermáta gegeben, über einige Jahre existierte die Band quasi nicht. Einige neue Versuche, zu Beginn und zum Ende der 90er Jahre, scheiterten relativ schnell.

Eine Art Neustart fand 2005 mit dem Album „Next“ (2005) statt. Als CD-Autor ist „Fero Griglák & Fermáta“ angegeben, was die besondere Rolle des Supergitarristen und Komponisten herausstreicht, obwohl für das Wiederaufleben der Band Ur-Mitglied, Bassist und Manager Fedor Frešo organisatorisch eine entscheidende Rolle spielte.
Und seit Herbst 2007 ist Fermáta auch auf den Bühnen der Slowakei und Tschechiens wieder zurück. In der Besetzung František Griglák (g, prog), Peter Preložnik (keys), Fedor Frešo (b, b-ped) und Igor Skovay (dr) gab die Band am 14. Oktober 2007 im Zrkadlom-Club in Bratislava, Slowakei, ein vielumjubeltes Konzert, das nun seit einigen Monaten auf CD und DVD (übrigens als erstes Live-Album in der mittlerweile über 35-jährigen Bandgeschichte) vorliegt („Fermáta Live v Klube za zrkadlom“).

Hervor sticht der Titel „For Huascaran“, eine Essenz des 39-minütigen Konzeptalbums aus dem Jahr 1977. Im Anschluss folgen alte und neuere Stücke. Fermáta klingt heute nicht mehr wie 1975. Der Anteil sinfonischer Strukturen ist gegenüber Jazzrock oder Jazz-Fusion, der mal heftiger, mal leichter und luftiger sein kann, in den Hintergrund getreten. Die Band klingt für heutige Ohren im Sound mehr wie eine harte Rockband mit 80-er-Synthi-Touch, hinsichtlich der musikalischen Strukturen aber ziemlich jazznah. František Griglák ist als Gitarrist ungemein souverän, seine stilistischen Fertigkeiten und handwerklichen Mittel sind grandios, er kann Jazz, Rock und Jazzrock locker, sanft und hart spielen, hat ein Faible für ausgedehnte, flüssig gespielte, harmonisch abwechslungsreiche Soli.
Das neuere Material ist etwas melancholischer, lyrischer, der Jazzrock hat manchmal einen Latino-Einschlag, die heutige Fermáta-Band spielt die Songs nicht, wie sie auf den originalen Alben enthalten sind. Auf der Bühne fließen lange, expressive Soli und Improvisationen ein, ohne dass die Stücke dabei überaus lang würden. Von den späteren Stücken überzeugt gerade im Live-Konzert das grandiose Griglák-Stück „Viňa del Mar“, dessen Live-Zelebrierung zum Erlebnis wird. Die einzige und erste Fremdkomposition in der Geschichte Fermátas, die die vier im Konzertprogramm haben und die auf der 2007-er Live-CD enthalten ist, stammt aus der Feder Dežo Ursinys, von dessen grandiosem 1972-er Album „Provisorium“: „Apple Tree in Winter“. Das Stück spielt Fermáta in Gedenken an den 1995 verstorbenen Doyen der slowakischen Rockmusik, mit dem einst Fedor Frešo von 1967 bis 1968 in der Band The Soulmen gemeinsam gespielt hatte. Was im 1972-er Original bei Ursiny selbst ein zerbrechlich klingender, fein ziselierter, kammermusikartig gebauter Rocksong mit Beatles-Anklängen und Robert-Wyatt-Touch ist, wird heute bei Fermáta in völlig anderem Arrangement und strukturell verändert zu einem Hohelied auf kraftvoll-melodischen Gitarrenjazzrock.

Mathias Bäumel
(Dank an Volkmar Mantei)

PS.: Deutschlandpremiere! Fermáta gibt am Donnerstag, den 26. März 2009, in Dresden ein Konzert im Dresdner Universitätsklinikum. Es ist das allererste Fermáta-Konzert in Deutschland überhaupt, auch in der DDR konnte die Band nie auftreten.

Kommt, Ihr G’spielen: Das Zentralquartett kam nach Dresden - und spielte wie der Teufel!

2008-12-22T14:16:00.006+01:00

Das Zentralquartett am 20. Dezember 2008 in der „Tonne“ Dresden. (Foto: Matthias Creutziger)

Einen rekordverdächtigen Besucherandrang bescherte der Auftritt des Zentralquartetts am 20. Dezember 2008 dem Jazzclub Neue Tonne Dresden. Die äußerst agilen vier nun schon etwas älteren Herren brillierten mit einem atemberaubenden Zusammenspiel, mit begeisternder musikantischer Souveränität und dem großen Atem der Jazzgeschichte. Mit diesem denkwürdigen Konzert krönte das Quartett, das 1973 als „Synopsis“ zum Jazz Jamboree in Warschau ganz Jazz-Europa aufhorchen ließ, das Konzertprogramm der „Tonne“ des Jahres 2008. Im Zentrum des musikalischen Geschehens befanden sich auch diesmal jene Melodien der deutschen Volksmusik, die von Uli Gumpert und seinen Workshopbands, von Synopsis und dem Zentralquartett im Laufe der letzten 35...40 Jahre dem muffig-stinkigen Sumpf falscher Ideologien entrissen und durch frisch-freejazzige Interpretationen als musikkulturelle Schätze erkennbar gemacht wurden.

Von der Sprengung der normativen Jazzästhetik

2008-12-05T14:22:00.014+01:00

Vor 35 Jahren begeisterte Synopsis in Warschau die europäische Jazz-Szene

Das Zentralquartett 1994. (Foto: Matthias Creutziger)

Ein Jubiläum steht an. Und zwar eines, das auf das vielleicht folgenreichste Konzert verweist, das eine DDR-Jazz-Band je gegeben hatte. Vor 35 Jahren, im Oktober 1973, gab die Ostberliner Band Synopsis ein Konzert im Rahmen des Festivals Jazz Jamboree in Warschau.

Die Ur-Besetzung von "Synopsis" - anfangs noch als Ulrich Gumpert Quartett firmierend - bestand aus der Rhythmusgruppe der damaligen Kultband SOK. Mitglieder waren Günter Baby Sommer (Drums), Gert Lübke (Bassgitarre), Günter Dobrowolski (Gitarre), und Ulrich Gumpert (E-Piano).

Dieses Quartett spielte um 1972 herum einige Konzerte und es nahm während eines Konzertes in der "Großen Melodie" am 11. September 1972 einige eigene Titel auf, gemeinsam mit Ernst-Ludwig "Luten" Petrowsky.

Mit diesem Band bewarben sich Uli Gumpert und Baby Sommer im Oktober 1972 in Warschau beim Jazz Jamboree für 1973. "Eigentlich", so Baby Sommer heute verschmitzt, "dachte ich zuerst und vor allem an Willis Conover, den in Warschau ich zu treffen hoffte." Conover war verantwortlicher Moderator der auch im Ausland sehr populären Voice of America Jazz Hour bzw. Music USA des US-Rundfunksenders "Voice of America". Conover war zwar in den USA kaum bekannt, dafür aber eine sehr einflussreiche und bekannte Persönlichkeit in Osteuropa. Sommer damals zu Gumpert: "Im Radioprogramm von Voice of America gespielt zu werden, das wäre doch was!" Doch Gumpert bremste etwas und meinte, ein Auftritt beim Jazz Jamboree in Warschau sei schon viel - und übergab das Band dem Festivalveranstalter. Und tatsächlich: Synopsis wurde für 1973 eingeladen!

In den Monaten darauf veränderte sich aber die Besetzung von Synopsis. Gert Lübke und Günter Dobrowolski schieden aus. "Sie konnten dem Drängen nach freieren Spielweisen von Uli und mir nicht folgen, die beiden waren eher auf Muggen zum Geldverdienen orientiert, wir dagegen wollten radikalere und eigene improvisierte Musik machen", erinnert sich nach etwa 35 Jahren Baby Sommer. Gert Lübke sieht das im September 2008 ähnlich. "Ich hatte acht Personen zu ernähren, und mit diesem Jazz konnte man nicht gerade Geld verdienen... So hatte ich mich um weitere Verdienstmöglichkeiten gekümmert, hatte viel im Rundfunk zu tun, auch bei Jo Kurzweg, so dass ich bei Synopsis nicht mehr mitmachen konnte." Schließlich gingen Lübke und Dobrowolski ganz zum Orchester Jo Kurzweg (dem Orchester des DDR-Fernsehens), das auch viele erfolgreiche Amiga-LPs herausgab, und Conny Bauer sowie "Luten" Petrowsky stiegen stattdessen bei Synopsis ein. - Die sogenannte Originalbesetzung von Synopsis (was ja, genau genommen, nicht stimmt) war geboren.

Logisch, dass die Veranstalter des Jazz Jamboree-Festivals 1973 zunächst sehr skeptisch waren, denn sie waren überrascht nicht nur von der aktuellen, sich von den Bewerbungsunterlagen unterscheidenden Besetzung - Conny Bauer, Posaune; Uli Gumpert, Piano; Ernst-Ludwig Petrowsky, Altsax; Baby Sommer, Drums -, sondern auch vom radikalen Freejazz der Gruppe, mit dem die Polen keinesfalls gerechnet hatten.

Das Publikum, zu dem auch viele aus aller Herren Länder angereiste Jazzfans gehörten, aber feierte das ostdeutsche Quartett frenetisch. Die Konsequenzen: die internationale Jazz-Welt, für die das Warschauer Jazz Jamboree stets eine Bühne für Jazz aus realsozialistischen Ländern war (und für die Musiker von da immer auch ein Sprungbrett in die internationale Bedeutsamkeit), schaute plötzlich auf die Freejazzer aus der DDR, anerkannte schrittweise deren Bemühen, freie Improvisationen mit den hiesigen, deutschen Volksmusiktraditionen zu verbinden und nahm auf diese Weise den europäischen Freien Jazz insgesamt mehr in den Blick.
Es kam für Synopsis zu Einladungen, zur Zusammenarbeit mit westeuropäischen Spitzenmusikern und zu immer mehr internationalen Auftritten der Synopsis-Musiker. Vor allem befruchtete dieser "Urknall" die Herausbildung einer spezifisch europäischen Improvisationsmusik und ermöglichte eine immer intensiver werdende Kooperation mit westdeutschen Kollegen.
Dieser wirklich "bahnbrechend" zu nennende Erfolg von Synopsis im Herbst 1973 führte auch dazu, dass die offizielle DDR-Kulturpolitik den Freejazz im eigenen Land als international anerkannt wahrnehmen und ihre eigenen Auffassungen zu Gut und Schlecht in der Musik revidieren musste. Synopsis 1973 in Warschau - das initiierte nicht mehr und nicht weniger als einen Paradigmenwechsel in der DDR-, ja: gesamtdeutschen, vielleicht sogar europäischen Jazzkultur.

Wie so häufig im Bereich der DDR-Jazz- und Rockmusik: der Rundfunk der DDR reagierte schneller als die Schallplatte. Schon am 5. und 6. März 1974 nahm Synopsis im Rundfunk-Studio fünf Titel auf, die archiviert und teils gesendet wurden. Doch der Erfolg rief auch Amiga auf den Plan - diesmal schnell: Das Quartett nahm im Studio des DDR-Schallplattenlabels am 22. und 23. April sechs Stücke auf, die noch 1974 auf der ersten Synopsis-LP erschienen.
Free Music Production (FMP) in Westberlin kaufte die fünf Aufnahmen des Rundfunks der DDR und veröffentlichte sie - ebenfalls noch 1974 - als LP mit dem Titel "Auf der Elbe schwimmt ein rosa Krokodil".
1975 verließ Conny Bauer die Band, um seine eigene Gruppe FEZ zu gründen (mit Hannes Zerbe, p; Joe Sachse, g; Christoph Niemann, b; Peter Gröning, dr), ersetzt wurde er bei Synopsis durch den Bassisten Klaus Koch.
Dieses Quartett konnte ein 1977 in Mittweida stattfindendes Konzert mitschneiden, das erst 1996 durch das Engagement von Uli Gumpert und den FMP-Leuten auf dem Privat-Label Syn als CD "Synopsis'77 - Live in Mittweida" herauskam.
Um 1978 löste sich die Band zunächst auf - zu viele verschiedene Projekte, Angebote und Tourneen wollten bewältigt sein...

Erst 1984 kam es zu einer Wiedergründung - auf Initiative Baby Sommers anlässlich einer Konzertreihe in Paris, diesmal jedoch unter dem Namen "Zentralquartett". Die für das französische Label "nato" eingespielte LP "Ascenseur Pour Le 28" (nato 329) firmiert auf dem Cover als "Günter Sommer et trois vieux amis", was die treibende Rolle Sommers für das Quartett nur unterstreicht.
Unmittelbar nach der Wende erschien auf dem Amiga-Nachfolger Zong die nächste LP (die erste unter diesem neuen Namen), die später - ebenso wie das "Rosa Krokodil" - auf dem schweizerischen Intakt-Label als CD wiederveröffentlicht wurde. Seither legte die "Viererbande" bis in die Gegenwart auf Intakt Records noch drei weitere CDs vor: "Plié", "Careless Love" und "11 Songs - Aus Teutschen Landen".

Bert Noglik stellte vor fünf Jahren, zum dreißigsten Geburtstag der Band, fest: "Von ‚Synopsis´ zum ‚Zentralquartett´: der Zusammenschluss von vier Individualisten zu einer musikalisch-konspirativen Vereinigung, Initialzündung und Assoziationskette: Mutig wurde eine normative Jazzästhetik aufgesprengt, das Panorama des freien Spiels ausgeschritten und das vermeintliche Vakuum mit gestaltbildender Kraft ausgefüllt." Dies gilt heute immer noch. Und Noglik weiter: "Diese Band kündete von einem neuen Selbstbewusstsein, das gewissermaßen in ständiger Reibung mit der Enge der Verhältnisse, der Behauptung gegenüber Bevormundung, im Austausch mit der internationalen improvisierten Musik und in Tuchfühlung mit der heimischen Zuhörerschaft gewachsen war."
Das dies auch heute noch zu spüren und dass eine solche Musik gerade auch heute wieder nötig ist - davon kann sich jeder Musikfreund am 20. Dezember 2008 zum Zentralquartett-Konzert im Jazzclub Neue Tonne Dresden überzeugen.

Nachbemerkung zur Geschichte:
Lübke und Dobrowolski spielten zunächst weiterhin auch bei SOK, schließlich gingen beide nach der Auflösung von SOK 1975 ganz zum Orchester Jo Kurzweg.

Günter Dobrowolski - 1968 gemeinsam mit anderen Gründungsmitglied des Modern Septetts Berlin, später Modern Soul - bekam schon bei Jo Kurzweg Probleme mit seinem eigenen Tabletten- und Alkohol-Konsum, schließlich flog er dort aus der Band und hatte es - obwohl ein guter Gitarrist - immer schwerer, Arbeit zu finden. Vor einigen Jahren nahm sich Günter Dobrowolksi das Leben.

Der mittlerweile über 70 Jahre alte Gert Lübke arbeitet vor allem in und um Berlin immer noch als Bassist und Bassgitarrist in verschiedenen Bands, darunter regelmäßig bei Acki Hoffmann & Friends im Berliner Jazz- und Bluesschuppen "Yorckschlösschen". Was jedoch nicht ausschließt, dass Lübkes Name auch immer wieder bei größeren Formationen wie der Jazz Bigband Berlin und der Swing Collection Berlin auftaucht. "Ich bin froh, dass ich gesundheitlich gesehen noch ganz gut dabei bin, noch spielen kann", so Lübke am Telefon. Er sei eben ein "Telefonmusiker", der heute von diesem, morgen von jenem angerufen werde, wenn ein versierter Bassist gebraucht wird.

Zum Nikolaus brennt in der „Tonne“ nicht die Zeitung, aber die Luft

2008-11-28T11:26:00.012+01:00

Am 6. Dezember 2008 konzertiert das Contemporary Noise Sextet in der Dresdner „Tonne“

Das nächste Festival JAZZWELTEN des Jazzclubs Neue Tonne Dresden wirft seine Schatten voraus - es wird vom 20. bis 28. März 2009 stattfinden, die Arbeiten am Programm sind fast abgeschlossen. Ab etwa Januar steht das Programm dann auf der „Tonne“-Internetseite.

Aber schon jetzt wird der Dresdner Jazzclub mit einem ersten Auftakt-Konzert auf die JAZZWELTEN 2009 aufmerksam machen.

Dafür hat er eine wirkliche „Überflieger-Band“ eingeladen, deren Konzert am 6. Dezember 2008 (21 Uhr) auf das verweist, worum es bei den JAZZWELTEN 2009 gehen wird:

Das CONTEMPORARY NOISE SEXTET bietet Jazz -- so kräftig, wild und charmant wie Filmmusik, Klänge im Spannungsfeld zwischen Druck und Poesie, Wucht und Finesse! Eine Hammer-Band!

Blick in die Zukunft des Jazz – Das Contemporary Noise Sextet aus Polen

2008-10-30T15:59:00.011+01:00

Am 6. Dezember 2008 findet das Auftaktkonzert für das Festival JAZZWELTEN 2009 »Spannungsfelder« statt

(Contemporary Noise - noch als Quintet; Foto: Szulc)

Am Anfang waren sie fünf. Als Contemporary Noise Quintet setzten die wagemutigen jungen Polen mit der Premieren-CD „Pig inside the Gentleman“ jenen poetischen Weg fort, der in den sechziger Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts von solchen Jazz-Klassikern wie Krzysztof Komeda und Andrzej Kurylewicz eröffnet und beschritten wurde. Ein kräftiger und wilder Sound und dabei gleichzeitig mit erhebenden und inspirierenden Themen, die das Flair von Filmmusik schaffen. Das Contemporary Noise Quintet sei nicht das, was der Name impliziere, schrieb vor zwei jahren die Jazz-Internetplattform AllAboutJazz. »Die Jungs spielen Jazz in der Art und Weise, wie gerade sie es für richtig halten. Und das bedeutet, ihn mit vielen Ausdrucks- und Spielweisen anzureichern.« Und das tun sie mit viel Finesse, mit unvergleichlichem Geschick und einem großen Sinn für Humor. Die Musik dieser Gruppe ist eine interessante Mischung von Jazz, Filmmusik und freier Improvisation. Sie ist auch echt „noise“: ein lauter und mutiger Balanceakt zwischen Melancholie, Geheimnis und lebendigem Rocksound. Das Ineinanderfließen von Klängen verschiedener Instrumente kreiert einen so energetischen Groove, dass es einem schwindlig werden kann. – Jazz von heute!
Seit wenigen Monaten hat sich die Band zum Sextet vergrößert und eine neue CD eingespielt, mit deren Musik das Sextet nun tourt – „Unaffected Thought Flow“.
Das Konzert des Contemporary Noise Sextets am 6. Dezember im Dresdner Jazzclub Neue Tonne ist der Auftakt für das 5. Festival JAZZWELTEN 2009, das die „Tonne“ unter dem Motto „Spannungsfelder“ vom 20. bis 28. März 2009 veranstaltet. Zu diesem Konzert des Contemporary Noise Sextets wird der Dresdner Jazzclub den Stand der Programmplanung für die 2009er JAZZWELTEN-Ausgabe vorstellen.

Kazutoki Umezu kommt mit seiner wuchtig rockigen Kiki Band in den Jazzclub Neue Tonne Dresden

2008-10-27T13:59:00.007+01:00

Zweifellos ist Kazutoki Umezu (2. v. l.) einer der produktivsten und wichtigsten Bläser, nicht nur Japans, sondern weltweit. Er hat in über 30 Ländern Konzerte gegeben, ist auf Festivals wie Moers, Vilnius, New York, Tokio, Singapore aufgetreten und hat mit einer großen Zahl von Musikern/Bands gespielt wie Mal Waldron, Lester Bowie, Olu Dara, Oliver Lake, David Murray, Rashid Ali, Peter Brötzmann, John Zorn, Tom Cora, Samm Bennett, Wayne Horvitz, Marc Ribot, B.B. King... Eine unglaubliche Liste, die zeigt, welchen Stellenwert Umezu als Bläser besitzt, welchen Respekt er unter Kollegen genießt und letztlich auch seine Lust verdeutlicht, Grenzen aufzulösen, zu experimentieren und zu improvisieren. Alles ist bei ihm in ständigem Fluss, nur der Sound seines Saxofons, seiner Klarinette ist konstant, klar, schön, stark, temperamentvoll und oft voller Humor.

Dies und noch viel mehr zu Umezu schreibt Olaf Maikopf über die anstehende Tournee der Kiki Band. Wer nicht nur lesen, sondern auch hören will, der kann dies tun: Am 31. Oktober (21 Uhr) konzertiert Umezu + Kiki im Jazzclub Neue Tonne Dresden!

Glanzlichter zwischen Jazz, Blues und Pop

2008-10-13T13:35:00.006+02:00

Anthimos Apostolis. (Foto: PR)

12. Internationales Budweiser Budvar Jazz- und Bluesfestival in Aussig (Ustí nad Labem) startet am 16. Oktober 2008

Vom 16. Oktober 2008 bis 18. Oktober 2008 sowie am 21. Oktober 2008 findet in Aussig (Ustí nad Labem) das Internationale Jazz- und Bluesfestival statt - übrigens bereits zum zwölften Mal. Nach wie vor gestalten die Macher um Ivan Dostál ein Festival, dessen Schwerpunkt auf Jazzrock, Souljazz sowie verschiedenen Formen des Blues liegt.
Höhepunkte in diesem Jahr sind sicher die Konzerte des Apostolis Anthimos Trios, des Deep Blue Organ Trios, des Freddie Cole Quartets, der Carl Palmer Band, von Roger Chapman and the Shortlist sowie - am 21. Oktober 2008 - von Erik Truffaz.

Anthimos Apostolis war einst einer der großartigsten Gitarristen von Niemen und 1971 Gründungsmitglied der Kultband SBB (Silesian Blues Band) – heute brilliert er längst mit seinem eigenen Jazztrio, zelebriert magisch-entspannte, in großen melodischen Bögen konzipierte Gitarrenimprovisationen.
Chris Foreman spannt auf seiner Hammond im Deep Blue Trio einen stilistischen Bogen von einer bedächtigen „Light My Fire“-Interpretation bis zu fingerflink vorgetragenen Up-Tempo-Kansas-City-Jump-Titeln.
Freddie Cole ist der jüngere Bruder von Nat King Cole und der Onkel von Natalie Cole – sein Ray-Charles-ähnlicher Gesang und sein federndes, relaxtes Piano-Spiel begeistert seit vielen Jahren das Jazzpublikum beiderseits des Atlantik.
Interessant bei Carl Palmer ist, dass dessen Trio die „Bilder einer Ausstellung“ von Modest Mussorgsky in einer bis dahin für dieses Werk unüblichen Besetzung aufführt – nämlich ohne dräuende, sound-kitschige Bombast-Keyboards, sondern als harte Rockband mit Drums, Bassgitarre und E-Gitarre.
Magic Slim ist mit seiner Band The Teardrops einer der bekanntesten Vertreter des „West Side Chicago Blues“ – wenn er am Sonnabend, den 18. Oktober 2008 aufspielt, wird der Saal wohl übersprudeln – und das Publikum für Roger Chapman and the Shortlist so richtig „weichgekochen“.
Gewissermaßen als Festival-Nachkonzert tritt Erik Truffaz am Dienstag, den 21. Oktober 2008 (20 Uhr) mit seinem Stammquartett auf, das erst vor einem Jahr die aktuelle Truffaz-CD „Arkhangelsk“ veröffentlicht hat – zu hören sind Experimente im Spannungsfeld zwischen Jazz, Elektronik, modernen Club-Grooves, Rock-, Pop- und Ethno-Elementen; Erik Truffaz geht mit diesen Songs enger denn je auf Tuchfühlung mit anspruchsvollem Pop.

Die Förderung des Jazznachwuchs durch den Junior-Jazz-Wettbewerb, der gemeinsam mit der Tschechischen Jazzgesellschaft ausgerichtet wird, gehört zu den Kontinuitäten, mit denen das Festival brilliert. In den Endausscheid, der am Donnerstag, den 16. Oktober 2008 (ab 19 Uhr) ausgespielt wird, haben es vier Bands geschafft. Mit dem Trio Ring auch eine in Dresden mittlerweile namhafte Nachwuchsband, die vor allem für ihre eigene Konzertreihe „Feature-ring“ bekannt geworden ist. Die weiteren teilnehmenden „Junior“-Bands sind das Switch On Quintet und Biotone, beide aus Polen, sowie Mocca Malacco aus Tschechien.

Insgesamt treten an den drei Festival-Abenden 15 Bands mit Musikern aus acht Ländern auf.
Neu sind diesmal zwei Dinge: Das Festival heißt nun „Budweiser Budvar Jazz & Blues Festival“ und die Samstagskonzerte am 18. Oktober finden im deutlich größeren und renovierten Kulturhaus von Aussig statt. Detaillierte Angaben über sämtliche Konzerte sowie zu den Tickets findet man - trotz der tschechischen Sprache ganz gut verstehbar - auf der Internetseite des Festivals.

„Komplett-Musik“ in farbigen Sounds

2008-09-29T15:59:00.001+02:00

CD-Tipp: Damit hat sie sich entlarvt. Entlarvt als Musikantin mit wirklich eigenem Kopf. Mit dieser Version von „Eleanor Rigby“, einer atemberaubend heutigen Sicht auf ein historisches Kammerpopmusikstück der Beatles, macht Alexa Rodrian Furore. Doch nicht nur die auf der aktuellen CD „All done and dusted“ befindliche Dame Rigby überzeugt – sämtliche Songs sind intelligent und unterhaltsam zugleich.

Mehr über Alexa Rodrians CD „All done and dusted“ bei SCHÖNE TÖNE.

Wieder Brasilianisches mit Gabriele Mirabassi

2008-09-18T10:46:00.002+02:00

CD-Tipp: Der Kreis schließt sich, der aus Perugia in Italien stammende Klarinettist und Komponist Gabriele Mirabassi geht seinen Weg. Nach „Velho Retrato“ und „Uno a Zero“ legte er schon vor einiger Zeit mit „Graffiando Vento“ das bis dahin dritte Album mit brasilianisch beeinflusster Musik vor.

Mehr über die CD „Graffiando Vento“ von Gabriele Mirabassi und Guinga bei SCHÖNE TÖNE.

Jazz in den norwegischen Charts

2008-09-17T20:51:00.004+02:00

CD-Tipp: In Deutschland noch nicht allzu sehr bekannt, ist Lien in Skandinavien schon seit einigen Jahren ein Großer: Sowohl als Pianist in der Band der Sängerin Silje Neergard als auch – vor allem – als Chef des eigenen Trios trat der norwegische Pianist hervor. „Hello Troll“ ist seit dem Jahr 2000 die dreizehnte CD Liens unter eigenem Namen und mittlerweile sogar in den norwegischen Charts aufgetaucht.

Mehr über die CD "Hello Troll" des Helge Lien Trios bei SCHÖNE TÖNE.

Was gedacht werden muss, kann gedacht werden - ein kleiner Hinweis in Sachen Heimatland

2008-09-10T19:59:00.014+02:00

Peter Lenk: "Global Players", Teil des am letzten Wochenende in der Gemeinde Bodman-Ludwigshafen am Bodensee enthüllten Kunstwerkes. (Foto: Peter Lenk)

Der Künstler Peter Lenk schockiert nicht. Wie auch angesichts des moralischen Verfalls der Politik und vieler Politiker? Peter Lenk befreit, denn er zeigt: Das, was gedacht werden muss, kann gedacht werden. ... Und sofort sind wieder Politiker zur Stelle, die geifertriefend fordern, dass das, was gedacht werden muss, nicht gedacht werden darf - und erst recht nicht gesagt...
Lenk hat recht, als er kürzlich im Fernsehen sinngemäß sagte, dass Kunst niemals so pornohaft (oder sagte er "pornografisch"?) sein könne wie diese Politik.

Was das mit Jazz zu tun hat? - In diesem Lenk-Werk ist Musike drin!

Silbernes Verdienstkreuz der Republik Polen für den Leipziger Jazzpublizisten Bert Noglik

2008-09-09T10:44:00.034+02:00

Der Geehrte plant schon weiter: 2009 soll ein deutsch-polnisches Jazzfestival in Berlin stattfinden

Der renommierte Jazzpublizist und -journalist Dr. Bert Noglik (Leipzig) erhält am 10. September 2008 im Polnischen Institut Leipzig aus den Händen des polnischen Generalkonsuls Dr. Zbigniew Zareba eine der höchsten polnischen Auszeichnungen, das Silberne Verdienstkreuz der Republik Polen. Mit dem Verdienstkreuz werden Bürger geehrt, die sich besondere Verdienste um den polnischen Staat und seine Bürger mit Taten erworben haben, die nicht zu ihren sowieso zu erledigenden Pflichten gehören.

Dass mit Pawel Brodowski der Chefredakteur des Magazins "Jazz Forum" (JF) die Laudatio hält, kommt nicht von Ungefähr. Schließlich war Noglik von 1976 bis 1979 der erste deutsche Korrespondent dieses einzigen im Osten zugänglichen und in Polen herausgegebenen Jazzmagazins internationalen Niveaus, dann 1980 und 1981 (also bis zur Verhängung des Kriegsrechtes) vor Ort in Warschau sogar der Redakteur der deutschen JF-Ausgabe - übrigens mit einem Touristenvisum!

Damit hatte Bert Noglik erheblichen Anteil daran, dass Brücken sowohl zwischen Jazzern und Jazzinteressenten beider deutscher Staaten als auch zwischen polnischen und deutschen Jazzkreisen gebaut wurden. Das "Jazz Forum" hat ausführlich über polnische Jazzereignisse, polnische Jazzmusiker und -gruppen berichtet - Beiträge, die Bert Noglik für die deutschen Leser redaktionell betreut, bearbeitet und aus dem Englischen ins Deutsche übersetzt hatte.

Darüber hinaus hat Bert Noglik polnische Musiker bzw. polnische Aspekte des Jazz in seinen Büchern und in zahllosen Artikeln in Ost und West bekannt gemacht und ins Rampenlicht gestellt. Nach 1990 traf das auch auf die Hörfunk-Arbeit Nogliks zu - immer hat er die Musik polnischer Jazzer in seine Jazzsendungen aufgenommen.

Als künstlerischer Leiter der Leipziger Jazztage konzipierte und präsentierte Noglik große, auf die polnische Musikkultur bezogene Projekte wie Zbigniew Namyslowski mit den Zakopane Highlanders oder das von ihm initiierte und künstlerisch betreute Programm "From The Past To The Present: Knife In The Water" mit Sequenzen aus Roman Polanskis Kultfilm "Das Messer im Wasser" und dem Tomasz Stanko Quartet. 2005 stellte er sogar das gesamte Festival in Leipzig unter das Motto "Jazz aus Polen". Im 2005-er Festivaljahrgang präsentierte Bert Noglik sowohl Wegbereiter als auch Newcomer des polnischen Jazz, überdies gab es ein von ihm geleitetes internationales Symposium zu den deutsch-polnischen Jazzbeziehungen.

Und es soll weitergehen: Für 2009 (28. - 30. Mai) plant der mittlerweile einflussreichste und schöpferischste deutsche Jazzpublizist und Festivalgestalter ein deutsch-polnisches Jazzfestival in Berlin - in Zusammenarbeit mit der Bundeszentrale für Politische Bildung und der Jazzwerkstatt Berlin-Brandenburg.

Im Anschluss an die Auszeichnungsveranstaltung im Polnischen Institut Leipzig (Markt 10) gibt es ein Konzert mit dem Pawel Kaczmarczyk Audiofeeling Quartett.

Eintritt frei.

Internationales Budweiser Budvar Jazz- und Bluesfestival im Oktober 2008 in Aussig (CZ)

2008-09-08T09:48:00.003+02:00

Mitten unter den Leuten

2008-09-04T16:51:00.001+02:00

Das 16. Chemnitzer Jazzfestival startet am 13. September

Mit einem Symposium zur Situation des Jazz in Sachsen und zur Förderung des Jazznachwuchses beginnt am 13. September 2008 (ab 9 Uhr) das 16. Chemnitzer Jazzfestival. Veranstaltungsort des Symposiums sind die Räume der Grundstücks- und Gebäudewirtschafts-Gesellschaft m.b.H. (GGG - erste Etage, Rathaus-Passage).

Um 15 Uhr am selben Tag fällt dann der klingende Startschuss: Unter dem Motto "Chemnitz swingt" gibt es das Eröffnungskonzert auf dem Jakobi-Kirchplatz mit vielen Nachwuchsbands sowie mit "C Major Jazz and No Waiters" mit Anett Putz - das Ganze läuft bis Mitternacht.
Sämtliche weiteren Konzerte des Festivals finden bis in die zweite Hälfte des Oktobers verteilt an verschiedenen Wochenend-Terminen statt.

Künstlerischer Höhepunkt ist der Auftritt des James Carter Quintets am 18. Oktober (20 Uhr) im Turmbrauhaus. Carter, einer der fulminantesten Saxofonisten der zeitgenössischen Szene, hat sich in den vergangenen zehn Jahren den Ruf eines der künstlerisch potentesten Nachfolger der Großen der fünfziger und sechziger Jahre wie Charlie Parker, John Coltrane oder Sonny Rollins erarbeitet und erblasen. Er wird von hochkarätigen Musikanten wie dem Trompeter Dwight Adams, dem Pianisten Gerald Gibbs, dem Drummer Leonard King und dem Bassisten Ralphe Armstrong begleitet.

Der besondere Wert des Chemnitzer Jazzfestivals liegt sowohl in seiner Absicht, die Konzerte unmittelbar in den Alltag der Menschen hineinzubringen (fast alle Konzerte finden bei freiem Eintritt im öffentlichen Raum statt, entweder im Atrium der Rathaus-Passage oder auf dem Jakobi-Kirchplatz) als auch in der Förderung des Jazznachwuchs aus der Region (was man am Programm leicht feststellen kann).
Das vollständige Programm entnehmen Sie den Internetseiten des Chemnitzer Jazzclubs.

Alles rund um's Trommeln

2008-09-03T16:53:00.010+02:00

Das 2. Dresdner Drumfestival findet am 20. September 2008 im Club Puschkin in der sächsischen Landeshauptstadt statt

Rund um's Trommeln und um Trommeln gehts beim 2. Dresdner Drumfestival. (Foto: www.afrikanisch-trommeln.de)

Mit 18 Workshops und acht Konzerten sowie vielen weiteren Angeboten wie Kinderprogramme, Musiker-Flohmarkt, Werkstatt und einem Talent Forum findet das 2. Dresdner Drumfestival am 20. September ab vormittags 11 Uhr (Einlass; Beginn 12 Uhr) im und am Dresdner Club Puschkin statt. „Nachdem das Erste Dresdner Drumfestival 2007 nur von deutschen Künstlern bestritten wurde“, so der Veranstalter und Schlagzeuglehrer Robert Eisfeldt, „werden wir in diesem Jahr internationaler.“ Mit dabei sind Spitzendrummer wie The Drumbassadors aus den Niederlanden, Peter York (UK), Phil Maturano (US), Aaron Thier (AUT), Markus Czenia, Dirk Erchinger, Jost Nickel, Ralf Gustke, Dirk Brand und viele weitere.
Zu den Konzerten der Workshop-Dozenten soll alles an Musikstilen geboten werden, was an einem Abend möglich ist und was „heutzutage und hierzulande“, so Eisfeldt, von einem Drummer gefordert werden könnte.

Zum Konzertabend dann, der ab 21 Uhr beginnt (ab da gelten die Abendpreise) und bis tief in die Nacht geht, treten die Bands Viroumania, Electric Outlet, Elektrio, Osis Krull, Böse Double Bang Allstars und Human Sampler auf und bieten Sounds von Rock über Jazz und Drum’n’Bass an.

Aus der Jazz-Sicht sind die Konzerte von Electric Outlet (mit Marcus Deml, Frank Itt und Ralf Gustke - das eigentliche Quartett tritt aus Termingründen diesmal lediglich als Trio, also ohne Tom Aeschbacher, an) und von Elektrio (mit Andreas Gundlach, Tom Götze und Christian Marien) besonders hervorzuheben.

Informationen:
2. Dresdner Drumfestival
Club Puschkin, Leipziger Str. 12
20. September 2008
Einlass: 11.00 Uhr
Beginn: 12.00 Uhr
Kinderprogramm, Ausstellungen, Talentforum, Floh Markt: 12.00 - 18.00 Uhr
Workshops: 12.00 – 20.00 Uhr
Drumshow – Abschluss der Workshops: 20.00 – 21.00 Uhr
Konzerte: 21.00 – 02.00 Uhr
Aftershow-Party ab 02.00 Uhr

Die Internetseite des 2. Dresdner Drumfestivals enthält alle aktualisierten Informationen. Dort kann man Informationen zu den Ticketpreisen erhalten und sogar Karten bestellen.

Freie Improvisation ist tatsächlich hemmungs-los

2008-09-02T09:34:00.009+02:00

Die New Yorker Band Gutbucket musiziert. (Foto: PR)

Und es stimmt doch, was manche Musikliebhaber lediglich für ein Ideologem unter Freejazz-Freunden halten - freie Improvisation hat viel mit Individualität und Einiges mit hemmungs-losem Musizieren zu tun. Eine jetzt veröffentlichte Studie zweier US-amerikanischer Forschungseinrichtungen hat ergeben: Wenn Jazz-Musiker frei improvisieren, ist das Zentrum für Selbstkontrolle im Gehirn inaktiv. Das berichten Charles Limb von der Johns-Hopkins-Universität und Allan Braun von den National Institutes of Health. Dafür regen sich andere Regionen verstärkt, die mit Selbstbild, Selbstdarstellung und Aktivitäten mit individuellem Bezug zusammenhängen, sowie alle sensorischen Areale. Eine Zusammenfassung kann man auf der Website Gehirn und Geist lesen, den Volltext der Veröffentlichung lesen Sie im Original auf der Website der Public Library of Science (PLoS).

Jazzclub Neue Tonne Dresden startet am Wochenende in die neue Spielzeit

2008-09-01T10:04:00.003+02:00

Mit einem musikalisch-literarischen Abend im Rahmen einer Konferenz des internationalen P.E.N.-Clubs am 6. September 2008 startet der Jazzclub Neue Tonne in die neue Spielzeit. Literatur spielt auch bei zwei weiteren Septemberveranstaltungen - diesmal im Rahmen der Bardinale - die zentrale Rolle. Doch im September geht es auch musikalisch so richtig los. Das gesamte Programm bis zum Jahresende steht zum heutigen Zeitpunkt fast vollständig fest und hält eine Menge hochkarätiger Höhepunkte bereit. Es ist nun auf der Webpräsenz des Jazzclubs Neue Tonne Dresden eingestellt, wenige Ergänzungen folgen in den nächsten Wochen.

Phantasievolle Improvisationskunst

2008-08-29T10:22:00.012+02:00

Das 12. Festival Frei Improvisierte Musik 2008 findet an zwei September-Wochenenden in der Blauen Fabrik Dresden wieder mit internationaler Beteiligung statt

Hartmut Dorschner tritt zur Matinee gemeinsam mit Baby Sommer am 28. September (11 Uhr) auf. (Foto: PR/Slaveboat)

Das Festival Frei Improvisierte Musik 2008: Geboten wird phantasievolle Improvisationskunst, deren ästhetisch-konzeptionelle Wurzeln hauptsächlich in der komponierten zeitgenössischen Musik des 20. Jahrhunderts und im Free Jazz liegen. Diese eher europäisch anmutende Improvisationsmusik verfügt längst über eine eigene Tradition. Sie erweitert die jazztypischen Gestaltungsprinzipien und verwendet Strukturen, die denen in der zeitgenössischen komponierten Musik verwandt sind. Charakterisiert wird dies durch die von Misha Mengelbergs geprägte Wortfügung des „instant composing“.

Die zwölfte Ausgabe des Festivals Frei Improvisierte Musik, die am 19. und 20. sowie am 27. und 28. September 2008 in der Blauen Fabrik Dresden stattfindet, bietet ein internationales, abwechslungsreiches Programm. Auftreten werden Vertreter der kreativen Dresdner Szene sowie große Namen der internationalen freien Improvisationsmusik.

12. Festival Frei Improvisierte Musik 2008 – Programm

Freitag 19. September 2008 (20 Uhr)

Martin Schulze (DD) – tb
Andrea Hofmann (DD) – v
Max Loeb (DD) – g

Dirk Marwedel (Wiesbaden) – sax
Philip Zoubek (Wien) – p

Samstag, 20. September 2008 (20 Uhr)

RAW & COOKED (Schweiz)
Jürg Solothurnmann – sax
Michel Wintsch – p
Christian Wolfarth – perc

Samstag 27. September 2008 (20 Uhr)

OBLIQUE ( Berlin )
Pierre Borel – as, cl
Derek Shirley – b
Hannes Lingens – dr

Günter Heinz (DD) – tb, fl
Andreas Scotty Böttcher (DD) – p
Matthias Macht (DD) – dr, perc

Sonntag 28. September 2008 (11 Uhr)

Matinee für die ganze Familie
Hartmut Dorschner (DD) – sax
Günter Baby Sommer (DD) – dr, perc
und italienische Überraschungsgäste

Sonntag 28. September 2008 (20 Uhr)

Gordon Grdina Trio (Canada)
Gordon Grdina – g
Karlis Stilins – b
Kenton Loewen – dr

(Ein englischsprachiges Interview mit Gordon Grdina befindet sich auf der Internetseite von Songlines Recordings.)

Künstlerische Leitung: Günter Heinz

Eintrittspreise: www.blauefabrik.com

Duo-Intimität vom Feinsten

2008-08-19T15:38:00.013+02:00

Am 25. August 2008 feiert Günter Baby Sommer seinen 65. Geburtstag

Drummer Günter Baby Sommer ist ein europäischer Ausnahmeperkussionist. Der Trompeter Wadada Leo Smith gehört seit Jahrzehnten zu den inspirierendsten Mitgliedern der Chicagoer Szene. Schon die Ende der siebziger Jahre mit Sommer, Smith und dem mittlerweile verstorbenen Peter Kowald eingespielte Schallplatte Touch the Earth – Break the Shells gehörte zu den Sternstunden der Begegnung zweier Improvisationskulturen.
Die hier vorliegende aktuelle Duo-CD Wisdom in Time mit Smith und Sommer – eine Art reduktive Fortsetzung und Erweiterung dessen, was viele, viele Jahre zuvor zu dritt ausgearbeitet wurde – bietet abstrahiert-fragile Duo-Kunst vom Feinsten! Zuhören können – dies zeichnet die beiden Musiker ganz besonders aus, eine Qualität, die auf dieser CD in frappierender Weise hörbar wird. Das Duo erschafft sich seinen eigenen, magisch wirkenden melodisch-perkussiven Klangraum. Die beiden lassen sich auf eine Duo-Intimität ein, in die sich ein Miles Davis nie gewagt hatte – er hatte auch keinen Sommer!

Kein Wunder, dass eine Jury der New Yorker Jazz-Internetplattform ALL ABOUT JAZZ diese CD zu den Jazz-CDs des Jahres 2007 gewählt hat.

Am 25. August 2008 feiert Günter Baby Sommer seinen 65. Geburtstag – Jazz und Sonstiges gratuliert herzlich!

Es geht nicht darum, authentisch zu sein

2008-08-19T13:53:00.021+02:00

„Gesangsgöttin“ Savina Yannatou veröffentlicht ihr drittes ECM-Album

Festivalauftritte von WOMAD bis Moers, eine vielumjubelte Tour durch Spanien, dann im März 2005 durch die USA mit der Folge enthusiastischer Konzertrezensionen in den führenden Musikblättern der Staaten, schließlich die Ankündigung, dass sie den renommiertesten sardinischen Musikpreis, den Maria-Carta-Preis, am kommenden 1. Oktober überreicht bekommen wird, als erste Künstlerin überhaupt (Maria Carta war die Hauptinterpretin und der Megastar der sardinischen Musik) – die griechische Sängerin und Komponistin Savina Yannatou „erobert“ die Welt.

„Eine neue griechische Göttin des Gesangs“, schwärmten Kritiker vor fünf, sechs Jahren. Doch in Griechenland selbst hatte die Yannatou schon ab 1983 eine ganze Reihe von CDs herausgebracht – einen Liederzyklus zur Mutter Maria, Volkslieder aus dem Mittelmeer-Raum, sephardische, in Griechenland gesungene Lieder, Neuinterpretationen von Schlagern und Filmmusik des Komponisten Manos Hadjidakis, frühe eigene, Artrock-beeinflusste Songs aus den achtziger Jahren sowie Kinderschlaflieder –, 2003 betrat sie mit ihrer ersten ECM-Veröffentlichung „Terra Nostra“ (einer Anthology von Live-Aufnahmen aus ihren griechischen CDs) gewissermaßen gesamteuropäisches Terrain. Darauf enthalten sind traditionelle griechische Songs, ergänzt um ein Repertoire aus dem gesamten Mittelmeerraum: aus Albanien, Bulgarien, Korsika, Israel, dem Libanon, Tunesien, der Türkei, Sardinien, Sizilien, aber auch aus Frankreich und Spanien. Nun ist mit „Sumiglia“ die zweite ECM-Scheibe erschienen, auf der traditionelle Songs von Korsika und Palästina bis zur Ukraine dargeboten werden. Die Yannatou und ihr Ensemble erkunden mit Instrumenten wie Ud oder Ney das offene Feld zwischen nahöstlichen Strukturen, Folklore und moderner Jazz-Improvisation.

Doch wie eigentlich kam die 1959 geborene Griechin mit klassischer Gesangsausbildung und Neigung zu experimentellen Improvisationen überhaupt dazu, Folksongs zu singen? Als Savina nämlich 15 war, stand griechische Folklore im Dienst der Diktatur. Folklore schien Savina nur dann erträglich, wenn sie mit verfemter Rockmusik vermischt wurde. In den Achtzigern dann hatte die junge Sängerin Yannatou beträchtliche Erfolge mit Alter Musik, Weisen der Renaissance und des Barock. Und auf Empfehlung des Komponisten Nikos Kipourgos sang sie bald auch – anfangs nicht gerade begeistert – traditionelle Kinderschlaflieder. Und ausgerechnet diese Schlaflieder weckten ihr Interesse am Griechenfolk: „Ich fand es interessant, mich mit meiner Stimme einzulassen auf die Tradition, aber auch herauszufinden, wie ich so ein Repertoire meiner ganz eigenen Vorstellung von Gesang anpassen konnte.“

Für die Yannatou macht es Sinn, dass sie Albanisches nicht den Albanern überlässt und Sizilianisches den Sizilianern, sondern sich in Athen „native speakers“ sucht, um sich von ihnen dann wegen der korrekten Aussprache beraten zu lassen. „Ich höre mir die Aufnahmen genau an“, so die Sängerin zu ihrer Arbeitsweise, „studiere, wo die Stimme sitzt, wie phrasiert wird. Sobald ich das begriffen habe, kann ich nach meiner Version suchen. Sie soll dem Original gerecht werden, aber es geht dabei nicht darum, authentisch zu sein.“

Auch wenn nicht selten in Grenzgebieten manche bulgarische und griechische Lieder dieselben Melodien haben, liegt die eigentliche Klammer fürs Mittelmeer-Repertoire im Gesang von Savina Yannatou und der Art, wie ihr Ensemble Primavera en Saloniko begleitet. „Im Prinzip ist es mir aber wichtig, die Substanz der Lieder nicht anzutasten. Ich improvisiere nur da, wo es mir angemessen scheint“, kommentiert sie ihre Arbeit.

Nun Ende August 2008 soll das dritte ECM-Album der griechischen Sängerin und ihrer sechsköpfigen Gruppe Primavera en Salonico veröffentlicht werden. Mit der darauf enthaltenen Musik geht die Yannatou wiederum auf weite Erkundungsreise durch den Mittelmeerraum und Osteuropa. Aus Armenien, Bulgarien, Serbien, Kasachstan, Süditalien, Griechenland und der sephardischen Überlieferung stammen die Lieder, nach deren unterschwelligen Berührungspunkten diese neue CD „Songs of an Other“ forscht. Yannatou nutzt ihr vokales Spektrum zwischen experimentellen Techniken und berührend zartem Gesang jetzt noch mutiger aus, während sich die Arrangements (überwiegend von Kostas Vomvolos) von allen folkloristischen Klischees fernhalten – und doch durchaus impulsiv loslegen können.

Mathias Bäumel / PR

CD-Auswahl:
Songs of an Other , ECM
Sumiglia, ECM
Terra Nostra, ECM
Virgin Maries of the World, Lyra
Songs of the Mediterranean, Lyra
Sephardic Folk Songs, Lyra
Pao na Po sto Synnefo (Composed by: Manos Hadjidakis), Lyra

Mathias Bäumel / PR

Gegen die Download-Fastfood-Kultur

2008-08-15T13:43:00.000+02:00

Ernst-Ludwig Petrowsky musiziert zur Ausstellungseröffnung vor einem Bild von Strawalde. (Foto: Walter Neukirchen/PR)

Ausstellung „Wechsel der Sinne“ in Berlin verdeutlicht Miteinander von Jazz und Kunst

„Wechsel der Sinne“ heißt eine Ausstellung in der Berlin-Köpenicker Galerie Grünstraße, die sowohl dem schweizerischen Jazz-CD-Label INTAKT Records als auch einer ganzen Reihe von mit dem Label verbundenen Künstlern gewidmet ist. Gezeigt werden noch bis zum 23. August sowohl alle etwa 150 CD-Cover als auch Malerei und Grafik einiger jener Künstler, deren Werke für die Covergestaltung der INTAKT-CDs genutzt wurden: A.R. Penck, Strawalde (der nach Auskunft von Label-Inhaber Patrik Landolt auch extra Originale für die CD-Cover schuf), Hans Scheuerecker, Marion Stille, Gerda Lepke und Max Bill.

Zustande gekommen ist diese einzigartige Ausstellung durch Aktivitäten der Galerie selber. „Wir wollten“, so die Galeristin Brigitte Denecke, „auch in diesem Jahr mit einer geeigneten Ausstellung das bei uns in Köpenick laufende Jazzfestival Jazz in Town begleiten.“ Bei der Suche nach geeigneten Ausstellungsthemen und Objekten seien sie per Internet auf den Jazzclub Neue Tonne und dessen Kabinettausstellung zu CD-Covergestaltungen und schließlich auf das schweizerische Label INTAKT Records und die Dresdner Künstlerin Gerda Lepke gestoßen. Einer der Kuratoren, Hinrich Beermann, selbst als Saxofonist in der Berliner Szene aktiv, und Chef des Galerie-Fördervereins, hat dann den Kontakt zu INTAKT-Chef Patrik Landolt hergestellt.

Das Motto von Patrik Landolt für die visuelle Gestaltung der INTAKT-CDs lautet: „Jeder CD ihr eigenes Gesicht!“ Die Musik jeder CD sei so einzigartig, „dass ihre Singularität auch bei der visuellen Präsentation ausgedrückt werden soll“, so Landolt. Einige hervorragende Grafiker, allesamt ausgewiesene Kenner der Musik, arbeiten seit vielen Jahren regelmäßig für Intakt Records: Die ersten Platten und CDs gestaltet Ruedi Wyss, Dozent an der Zürcher Hochschule für Gestaltung und Kunst sowie Veranstalter des Taktlos Bern und von Ton Art. Seit vielen Jahren prägt der Zürcher Grafiker, Jazzkenner und passionierte Konzertbesucher Eugen Bisig das Erscheinungsbild. In jüngster Zeit bereichert der typografische Gestalter Jonas Schoder, Mitglied der Zürcher Musikerorganisation OHR, das INTAKT-Design. Viele international bekannte Künstler steuern Bilder für die INTAKT-Cover bei, darunter A.R. Penck, Max Bill, Peter Frey, Niklaus Troxler und Strawalde. „Fast immer schlagen die Musiker Maler oder Grafiker vor, deren Arbeiten für die visuelle Seite ihrer Musik verwendet werden sollten“, sagt Landolt. Gerade die auf INTAKT vertretende Elite des ostdeutschen Freejazz lege großen Wert darauf, dass das Hörbare mit einem adäquaten Sichtbaren korrespondiere. „Häufig“, so Landolt, „sind diese Musiker auch gut mit den bildenden Künstlern befreundet und deswegen mit deren Werken und deren Malweise vertraut.“ Künstler wie A. R. Penck, Strawalde, Marion Stille (der Lebensgefährtin von Johannes Bauer), Gerda Lepke oder Hans Scheuerecker sind bestens für solche Kooperationen geeignet, haben sie doch allesamt eine enge Beziehung zu heutiger improvisierter Musik und zu Freejazz, waren oder sind selbst nebenher noch musikalisch-improvisierend tätig. Mit ihnen wird das Motto lebendig, das auch über der Tätigkeit Landolts und seiner Musiker stehen könnte: „Nur was ins Morgen weist, ist wirklich heutig.“

Während sich viele andere Kleinlabels, die sich ebenfalls der Förderung innovativer zeitgenössischer Improvisationsmusik verschrieben haben, mit ihren Covergestaltungen aus marketing-strategischen Gründen vor allem die jeweilige Label-Identity bedienen und ausprägen (zum Beispiel HatHut, Winter und Winter, ECM...), wird Landolt mit den Coverdesigns der CDs seines Labels den individuellen Qualitäten der jeweils veröffentlichten Musik am besten gerecht. Und so gehört Intakt seit mehr als zwei Jahrzehnten zu jenen Aktivisten, die öffentlich immer wieder durch praktisches künstlerisches Tun zeigen, um welches audio-visuelles Anspruchsniveau insgesamt es in der Musik eigentlich gehen sollte. Dies kann man lustvoll beim Gang durch die Ausstellung „Wechsel der Sinne“ nachvollziehen und erleben. Es geht dabei nicht nur um das Zusammenspiel zwischen Kunst und Free Jazz in der DDR (wie eine Zeitung schrieb), sondern – weiter gefasst – um das Finden visueller Entsprechungen für Musik, das Wahrnehmen des Melodischen und Rhythmischen im Visuellen und letztlich auch darum, dass das Visuelle vom Wesen improvisierter Musik nicht zu separieren ist. Im Kontext heutiger Download-Fastfoodkultur eine wichtige Ausstellungs-Tat.

Mathias Bäumel

Infos:
„Wechsel der Sinne“ - Sommer-Jazz-Ausstellung
Galerie Grünstraße
Grünstraße 16
12555 Berlin

Öffnungszeiten:
Dienstag bis Freitag: 13 - 19 Uhr
Sonnabend: 10 - 14 Uhr

Die Ausstellung ist bis zum 23. August 2008 zu sehen